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La obra de Maurits Cornelis Escher se exhibe por primera vez en Cataluña – 29 de abril – 26 de septiembre de 2021

ESCHER
29 de abril – 26 de septiembre de 2021

Drassanes de Barcelona

La obra de Maurits Cornelis Escher se exhibe por primera vez en Cataluña gracias a la  realización de Arthemisia, Evolucionarte y el Museu Marítim de Barcelona, en colaboración con The M.C. Escher Foundation y con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, la Diputación de Barcelona junto a la participación de RolDigital. La exposición está comisariada por Mark Veldhuysen, CEO de la M.C. Escher Company, y por Federico Giudiceandrea, coleccionista italiano y experto en la figura del artista.

Escher es mundialmente conocido por ser el maestro de las figuras y mundos imposibles, además de por ser el creador de las más impresionantes ilusiones óptica. La exposición, compuesta por más de 200 piezas, cuenta con las obras maestras de su etapa surrealista como Mano con esfera reflectante, Lazo y unión, Relatividad y Belvedere.

La Sala Gran de las Drassanes de Barcelona albergará esta primera gran muestra y, con ello, posicionará la ciudad de Barcelona en el circuito internacional de grandes exposiciones. El espacio acogerá exposiciones relevantes durante los próximos tres años, merced a un acuerdo entre el Museu Marítim, el Ayuntamiento de Barcelona, la Diputación de Barcelona y
Arthemisia, una de las empresas más importantes del mundo en el ámbito de la organización y producción de exposiciones.

ESCHER abrirá sus puerta el próximo 29 de abril en la espectacular Sala Gran del conjunto gótico que conforman las Drassanes Reials de Barcelona, situado al final de La Rambla de Barcelona,
junto a la estatua de Colón y frente al mar. Los 1.700 m2 del espacio expositivo acogerán 200 obras del visionario holandés M.C. Escher, además de experimentos científicos, áreas de juego y
actividades que ayudan a comprender el universo creativo del artista. MAURITS CORNELIS ESCHER (Leeuwarden, Países Bajos, 1898 – Laren, Países Bajos, 1972) es uno de loa artistas gráficos más importantes del mundo. Escher inicia estudios en arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, los cuales cambiará por las artes gráficas a partir del encuentro con su profesor Samuel Jessurun de Mesquita en 1919, un notable artista gráfico de la época.

Una vez finalizados sus estudios, Escher viaja por el sur Italia donde conoce a Jetta Umiker, con quien se casará en 1924. Juntos vivirán en Roma hasta 1935. En estos 11 años en Italia, Escher
realizará un gran número de bocetos y dibujos que le servirán de base para algunas de sus obras más reconocidas.

Gracias a sus dos visitas a la Alhambra de Granada, en 1922 y 1936, y al observar entusiasmadamente la decoración de las paredes y los pavimentos, en él brota una fascinación por
la geometría.


Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial Escher se establece en Baarn, Países Bajos, donde residirá hasta el final de sus días. Durante su vida, Escher realizó 448 litografías, grabados en madera y más de 2.000 dibujos y bocetos. Además, ilustró libros, billetes, sellos, murales, etcétera.

LA EXPOSICIÓN
Escher es un artista inclasificable cuyo mérito radica en redimensionar las posibilidades imaginativas de quienes contemplaron y contemplan su obra, en la que todo está relacionado:
ciencia, naturaleza, rigor analítico y deleite. Un artista que no solo fascina al gran público sino también a los amantes del arte y de las ciencias.

El mundo de los números, las matemáticas y la geometría es una de las claves de interpretación, pero no la única, para entender la construcción creativa del universo de este artista poliédrico,
cuya obra resulta completamente extemporánea. Estamos ante una figura tan genial como compleja, que no dudó en recurrir a los más diversos lenguajes con el objeto de entreverarlos en una trayectoria novedosa e intrigante en el panorama de la historia del arte. ‘Solo quienes intenten lo absurdo, lograrán lo imposible’, decía Escher. La exposición, compuesta por más de 200 obras, se divide en siete ámbitos:

I. Primer periodo
II. Teselaciones
III. Estructura del espacio
IV. Metamorfosis
V. Paradojas geométricas
VI. Obras por encargo
VII. Eschermanía

I. PRIMER PERIODO
Los prolegómenos introducen al visitante en la estrecha relación de Escher con el Art Nouveau. Su maestro, Samuel Jessurum de Mesquita, fue el nexo entre el futuro grabador, todavía estudiante, y esta importante corriente artística internacional. El estilo inicial de Escher lo caracteriza, entre otras elementos, un marcado rasgo modernista, fruto de su interés por la teselación, o división regular del plano.

Otro de los aspectos en los que se profundiza es en la importancia que tuvo en su formación Italia, país donde vivió varias temporadas entre 1921 y 1935. También se dedica una especial atención a
Giuseppe Haas Triverio (1889 – 1963), el grabador suizo – atraído por los monumentos italianos, y también por la naturaleza del país transalpino – que acompañó a Escher en muchos viajes por la
península italiana, reflejados en un gran número de obras.

II. TESELACIONES
A continuación, se sumerge al espectador en uno de los momentos más determinantes en la evolución de la creatividad artística de Maurits Cornelis Escher. Se aborda su segunda visita a la
Alhambra de Granada y a la Mezquita de Córdoba, en 1936. Este viaje lo precipitó a estudiar meticulosamente las soluciones decorativas que caracterizan la singularidad de ambos conjuntos
de la arquitectura islámica.

III. ESTRUCTURA DEL ESPACIO
Aquí, el visitante deambula por la mente del artista con el propósito de comprender cómo Escher articulaba el espacio en algunas de sus obras más icónicas.
El primer autorretrato en espejos curvos de Escher, se remonta a 1921. El artista había estado fascinado desde siempre por las superficies reflectantes. La esfera, que devuelve los rayos procedentes de cualquier dirección, representa íntegramente el espacio que la rodea, con la particularidad de que los ojos del espectador están siempre en el centro: la sensación a que da
pie la interacción con el espacio y la luz reflejados es la del individuo como cúpula del mundo. En palabras de Escher “ el Yo es protagonista indiscutible, a cuyo alrededor gravita el mundo”.
A la esfera se suma la alternancia entre figuras planas y figuras sólidas dentro de una representación teselar que no deja un solo espacio vacío, con posibilidades compositivas tan
variadas como la de Profundidad, obra de 1955 que parece imitar la disposición de una red atómica. Así como la otra gran pasión de Escher, los cristales, con sus leyes de organización
molecular en el espacio.

IV. METAMORFOSIS
Sin duda es una de las áreas más interesantes de la exposición. En ella se muestra cómo para Escher la división regular del plano es un instrumento para crear situaciones, donde entrecruzar
elementos primitivos en contraste, formando un ciclo metamórfico. Así ocurre, por ejemplo, en la obra Encuentro, donde se dan la mano un optimista y un pesimista surgidos de una teselación en
la que se habían ido entrecruzando sin dejar un solo hueco. En otros casos, por el contrario, son elementos geométricos abstractos los que se transforman en formas concretas y delimitadas con gran precisión, como en Verbum, la obra más importante de este ámbito, donde, partiendo de una teselación triangular del interior de un hexágono, las teselas se convierten en ranas, peces y aves, en representación de la tierra, el agua y el aire, sumido todo ello en la alternancia entre el día y la noche. Los triángulos brotan de un hexágono central que representa la palabra «Verbum», el logos del que nace todo.

V. PARADOJAS GEOMÉTRICAS

Este ámbito llama la atención sobre los aspectos científicos del arte de Escher, concluyentes para comprender parte de su obra. La línea que separa a Escher de los matemáticos es sutil, pero
determinante. Se trató de una atracción recíproca y provechosa, hasta el punto de que el genio holandés fue el único capaz de plasmar en imágenes las fantasías de los segundos, haciendo que
se fijaran en él los científicos, con quienes estableció un intercambio que sostenido hasta nuestros
días.

En este área se encuentra Galería de grabados (1956), una refinada versión del artificio de la «imagen dentro de otra imagen», llamado también «efecto Droste» (por la caja del famoso cacao holandés), origen de cuarenta y siete años de debates en el mundo científico, sin que se lograse resolver un problema que de tan enigmático, complejo y misterioso (misterio que Escher trató de
esclarecer con esta obra) parecía insoluble. El efecto Droste hace que la obra esté incompleta, debido a la dificultad de que los elementos encajen en el centro. Por eso, Escher dejó un espacio
vacío, que llenó con su firma. El misterio del «hueco» dejado por Escher, y de si era posible llenarlo, no fue resuelto hasta 2003 por Henrick Lenstra, matemático de la universidad de Leiden.

VI. OBRAS POR ENCARGO
El penúltimo ámbito se detiene en la actividad «cotidiana» de Escher, más centrada en cumplir las exigencias del cliente que en su investigación artística personal, aunque no por ello son obras de
menor interés. A la hora de ejecutar exlibris o tarjetas de visita para una clientela muy diversa, Escher, como todos los grandes artistas, no traicionaba su arte, sino que abordaba el tema con un
enfoque original y reconocible a simple vista. De hecho, para Escher estos encargos eran oportunidades más que bienvenidas de experimentar con soluciones que más tarde le sirvieron en
sus grandes obras maestras.

VII. ESCHERMANÍA
El arte salido de las prensas del estudio de Escher se ha convertido en cajas de regalo, sellos y felicitaciones. Ha ingresado en el mundo del cómic, ha acabado en carátulas de discos de grupos
tan famosos como Pink Floyd, y sus estructuras imposibles se han usado en referencia a situaciones paradójicas, y para dejar estupefacto al espectador mediante arquitecturas que de
hecho son irrealizables.

Grabados como Relatividad, o Casa de escaleras, reaparecen en el torbellino de rampas donde han llegado a perderse Mickey Mouse y los Simpson, extraviados en el mundo de Escher. También
se han usado situaciones escherianas en anuncios como el de 2007 para Audi, basado en grabados famosos, como Cascada.

Mano con esfera reflectante, Otro mundo II y Belvedere se utilizaron en 2006 para un anuncio de los cafés Illy. En la película fantástica Dentro del laberinto, de 1986, producida por George Lucas, y con David Bowie entre sus protagonistas, hay una escena construida a partir de la imagen de Casa de escaleras. También las famosas escaleras mágicas del castillo de Hogwarts, el de la saga de
Harry Potter, son una transposición dinámica de esta obra, reproducida incluso en una de las escenas más sorprendentes de la película Noche en el museo III.

ESCHER
Del 29 de abril al 26 de septiembre de 2021
Drassanes de Barcelona
Av. de les Drassanes, s/n, 08001 Barcelona
Horario:
De lunes a jueves, de 10h a 19h
De viernes a domingos, de 10h a 21h
Precios: General 13€ | Reducida 10€
Venta anticipada en: www.escherbcn.com
IG @escherbcn
#EscherBCN

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LEXUS PRESENTA EL PRIMER COCHE TATUAJE DEL MUNDO

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En una celebración de la artesanía fina y el arte tradicional japonés, Lexus ha encargado el primer automóvil tatuado del mundo. Esta interpretación estrictamente única del SUV compacto UX ha sido diseñada y creada por la artista de tatuajes de Londres Claudia De Sabe.

LEXUS PRESENTA EL PRIMER COCHE TATUAJE DEL MUNDO

Lexus – Revelado el primer auto tatuado del mundo

Usando un automóvil blanco puro como su “lienzo” y una herramienta de perforación Dremel en lugar de una aguja de tatuaje fina, Claudia produjo un diseño amplio con carpa koi a lo largo de todo el vehículo. El koi es un motivo familiar del arte tradicional japonés, que representa cualidades de buena fortuna y perseverancia.

Lexus ha creado un cortometraje que va detrás de escena para revelar cómo se hizo el auto tatuado. Lo puedes ver aquí:

Claudia usó la herramienta Dremel para perforar la pintura superficial y exponer el metal debajo para crear el patrón complejo, y luego aplicó cinco litros de pintura para automóviles de alta calidad a mano para resaltar los detalles. Como toque final, usó pan de oro para crear reflejos y darle al diseño un efecto 3D más fuerte, antes de que todo el vehículo recibiera una capa protectora de laca para que se pueda conducir en la carretera.

LEXUS UNVEILS THE WORLD’S FIRST TATTOOED CAR

LEXUS UNVEILS THE WORLD’S FIRST TATTOOED CAR

El proceso tardó seis meses en completarse a partir de los dibujos iniciales, con el “tatuaje” realizado durante cinco días de trabajo intensivo de ocho horas. Fue físicamente exigente, con la vibración del taladro y el trabajo con un objeto que, a diferencia de un cliente humano, no se podía mover a una posición cómoda a medida que avanzaba el diseño. Donde cualquier pequeño deslizamiento en un tatuaje humano puede ser trabajado o coloreado fácilmente en el patrón, el “grabado” con el taladro requirió una precisión absoluta.

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El UX tatuado no tiene una etiqueta de precio, pero se estima que el trabajo a medida costaría más de £ 120,000.

Era la primera vez que Claudia aplicaba sus habilidades al metal en lugar de la piel humana y encontró similitudes y nuevos desafíos en la comisión única.

“Cuando tatúas a una persona, debes pensar en los músculos y el tejido debajo de la piel. Con el automóvil, se trataba de la forma en que la carrocería cambia de forma sobre el marco ”, dijo Claudia, quien fue asistida en su trabajo por su esposo japonés Yutaro.

“‘ Lo mejor de tatuar el Lexus UX, y la razón por la cual este automóvil fue ideal para el proyecto, es su forma aerodinámica. Todo, desde las líneas en el costado del cuerpo hasta la forma de las ventanas, todo es tan dinámico y hermoso. Fue perfecto para el diseño y el concepto en sí mismo ”, dijo Claudia, cofundadora del estudio de tatuajes Red Point en Islington.

El proyecto se presenta como un homenaje a la artesanía takumi que se aplica a todos los Lexus, testigo de detalles de diseño y acabados impecables logrados con habilidades humanas perfeccionadas a través de años de capacitación dedicada. Del mismo modo, Lexus adopta la estética tradicional japonesa en los diseños de sus vehículos, en elementos como los adornos de cabina de grano de papel washi del UX y la fusión perfecta del interior y el exterior a través de la pantalla frontal, haciéndose eco de las características arquitectónicas de las casas japonesas.

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En un mundo cada vez más dominado por la IA, el robot de escritura y borrado Scribit potencia la creatividad humana

Después de haber sido lanzado por CRA-Carlo Ratti Associati el 16 de abril de 2018, dentro del Salone del Mobile de Milán, Scribit, el ‘robot de escritura’ inteligente que le permite dibujar imágenes y texto en cualquier superficie de pared, ahora está en producción y listo para Dale vida a las casas de sus usuarios con arte de pared.

En un mundo cada vez más dominado por la IA, el robot de escritura y borrado Scribit potencia la creatividad humana

Images and video are available upon request. Please write to press@scribit.design
For more information visit www.scribit.design

INTRO

¿Qué pasaría si pudiera convertir instantáneamente la pared de su oficina o sala de estar en un lienzo para contenido digital y actualizarlo en tiempo real? Scribit, el robot de escritura inteligente que introduce una nueva forma de presentar contenido digital, hace posible que reconfigure y personalice instantáneamente un muro: cualquier superficie vertical podría convertirse en una pantalla de baja actualización que muestra información de la web, contenido generado por el usuario Y arte.

Creado por el profesor del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) Carlo Ratti, Scribit fue presentado en Milán, Italia, el 16 de abril de 2018, durante el Salone del Mobile, el evento de diseño líder en el mundo. Una campaña posterior en Kickstarter destacó a Scribit como una de las mejores 150 campañas de crowdfunding, seguida de una aparición igualmente exitosa en Indiego, con ambas campañas totalizando más de USD 2.4 millones en crowdfunding. Scribit lleva el sello de calidad Red Dot, al haber ganado uno de los premios en la categoría de Diseño de Producto.

Actualmente, el robot de dibujo está en producción en masa, con las primeras 1000 unidades enviadas a los primeros patrocinadores del proyecto.

SCRIBIT: MISSION

El robot de dibujar y borrar de Scribit está concebido y diseñado como una herramienta para potenciar la creatividad. Desafía el paradigma del arte como un producto estable y trasciende el espacio de la galería, llevando el arte visual a su hogar, oficina, etc., directamente en su propia pared. Scribit tiene la intención de conversar con los medios de la forma de arte, provocar la meditación creativa y estimular la imaginación y la creatividad. El equipo de Scribit se dedica al concepto de llevar el arte a las personas, en su vida cotidiana.

CÓMO FUNCIONA SCRIBIT
Con sus motores integrados, Scribit se puede instalar en menos de 5 minutos: todo lo que se necesita es Wi-Fi, dos clavos y un enchufe. Además, gracias a una tecnología patentada especial, Scribit puede dibujar, cancelar y volver a dibujar nuevos contenidos de forma segura un número infinito de veces, lo que le permite imprimir una imagen diferente en su pared todos los días o incluso cada pocos minutos. Scribit puede viajar en todo tipo de superficie vertical, desde pizarras hasta vidrio o yeso. Por lo tanto, cualquier plano vertical puede transformarse en una pantalla, un muro maravilloso donde se proyectan imágenes, mensajes o feeds.

Scribit siempre está conectado a la web, lo que le permite descargar, cargar o obtener cualquier contenido de Internet. Un restaurante puede publicar el menú del día en su pared, una empresa financiera puede publicar actualizaciones del mercado de valores en su lobby, o alguien que ama el arte puede proyectar un Van Gogh, o sus propios dibujos, en la pared de su habitación. El software interactivo del robot proporciona un acceso directo al ecosistema creativo de Scribit. Una vez que el usuario envía su información digital al dispositivo, o selecciona una imagen de la galería, el trazador comienza a reproducirla.

“Estamos totalmente inundados de información y pasamos demasiado tiempo sin dormir frente a una forma u otra de pantalla digital: TV, computadora de escritorio, computadora portátil, tableta o teléfono. ¿Realmente queremos agregar más pantallas a nuestras vidas? ” dice Carlo Ratti, socio fundador de CRA y director del MIT Senseable City Lab en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT): “Scribit ofrece una alternativa: un sistema robótico que se basa en cualquier tipo de superficie vertical, luego de un acto primordial realizado por la humanidad desde nuestro primer graffiti rupestre “.

Scribit funciona en un plano de dos ejes, moviendo hacia arriba y hacia abajo dos cables muy discretos que cuelgan de una pared vertical. Se puede colocar en cualquier punto con gran precisión y utiliza marcadores para reproducir contenido. De forma circular, Scribit mide 20 cm x 9,5 cm y está cubierto de magnesio, con cuatro marcadores de diferentes colores en su centro.

LA APLICACIÓN ECOSISTEMA
Scribit ofrece a los usuarios acceso a una amplia gama de contenido digital estructurado en torno a mini aplicaciones. En este mercado global, personas, empresas o instituciones, desde artistas hasta museos y organizaciones de medios, pueden desarrollar y cargar cualquier tipo de contenido e interactuar. Imagínese si pudiera reconfigurar sus paredes todos los días. Puede recurrir a obras maestras de los mejores museos de Nueva York, París o Tokio, o descubrir las últimas obras de artistas emergentes. Puede recibir actualizaciones o noticias sobre sus temas favoritos u otra información práctica, como pronósticos meteorológicos o listas de compras, sin tener que mirar su teléfono móvil. Alternativamente, podría compartir más contenido personal, por ejemplo, enviando un mensaje sorpresa en el muro de su amigo para su cumpleaños.

Scribit, que significa “él / ella escribe” en latín, es el resultado de una larga línea de prototipos predecesores de máquinas de escribir, desarrollados en la práctica de CRA. Esto incluye la instalación OSARCH en la Istanbul Design Biennale 2011, la fachada del Future Food District en la World Expo 2015 de Milán (seleccionada por Guiness World Records como la imagen más grande jamás trazada) y, más recientemente, UFO-Urban Flying Opera, un proyecto en el que se explota una flota de drones de pintura para dibujar una imagen de origen colectivo. Todos estos proyectos pueden verse como interpretaciones de la idea de “partes tangibles” desarrolladas por el profesor del MIT Hiroshi Ishii: reúnen lo mejor del mundo digital y físico.

Para obtener más información sobre Scribit, consulte: www.scribit.design

NOTAS AL EDITOR

ACERCA DE SCRIBIT
Diseñado por CRA-Carlo Ratti Associati, la galardonada firma de diseño e innovación dirigida por el profesor del MIT Carlo Ratti, Scribit es un robot de escritura y borrado que puede convertir cualquier superficie vertical en una pantalla de baja actualización en la que mostrar información de la web, usuario -generado contenido y arte. Funcionando como una “impresora para paredes”, Scribit introduce una nueva forma de presentar contenido digital y permite al usuario reconfigurar y personalizar instantáneamente un plano vertical. Después de dos campañas muy exitosas en Kickstarter e Indiegogo, el plotter vertical ha recaudado más de USD 2.4 millones en crowdfunding. El dispositivo está en producción en masa, con las primeras 1000 unidades ya enviadas a los primeros patrocinadores.
www.scribit.design

ACERCA DE CRA-CARLO RATTI ASSOCIATI
CRA-Carlo Ratti Associati es una oficina internacional de diseño e innovación, con sede en Turín, Italia, con sucursales en Nueva York y Londres. Basándose en la investigación de Carlo Ratti en el Instituto de Tecnología de Massachusetts, la oficina actualmente participa en muchos proyectos en todo el mundo. Abarcando todas las escalas de intervención, desde el mobiliario hasta la planificación urbana, el trabajo de la práctica se centra en la innovación en el entorno construido. Entre los proyectos recientes se encuentra el plan maestro para el Parque de Ciencia, Conocimiento e Innovación de Milán (MIND-Distrito de Innovación de Milán), un rascacielos verde de 280 metros de altura en Singapur codiseñado con BIG, el rediseño de la sede de la Fundación Agnelli en Turín, el recalificación de la aldea militar Patrick Henry para IBA Heidelberg en Alemania, el retiro Pankhasari en Darjeeling, India, y el concepto de un ‘Gimnasio de navegación’ impulsado por humanos en París. CRA es la única firma de diseño cuyas obras han aparecido dos veces en la lista de Mejores Invenciones del Año de la revista TIME, respectivamente con el Digital Water Pavilion en 2007 y la Copenhagen Wheel en 2014. En los últimos años, la oficina también ha participado en el lanzamiento de nuevas empresas, incluidas Makr Shakr, una compañía que produce el primer sistema de barras robóticas del mundo, y Superpedestrian, el productor de la Rueda de Copenhague.
www.carloratti.com

CRÉDITOS
Scribit es un proyecto de CRA-Carlo Ratti Associati en colaboración con Makr Shakr
Equipo de escribanos: Emanuele Rossetti (CEO), Andrea Bulgarelli (CTO), Andrea Baldereschi (CMO), Ivan Lunardi (Desarrollador sénior), Danilo Ronchi (Desarrollador), Matteo Palmieri (DISEÑADOR UX / UI), Marco Conte (Diseñador de producto), Svilena Sivova (gerente de relaciones públicas y eventos), Federico Morando (especialista en contenido digital), Giorgia Ori (gerente de asociación), Ausra Nemanyte (gerente de relaciones con el cliente), Piergiuseppe Zolfo (especialista en tecnología).
www.scribit.design

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ARTE: Giulio Rossi – espectacular artista italiano creativo en todas sus obras

Giulio Rossi es un artista italiano y diseñador nacido en 1983 que vive en la ciudad de L’Aquila, Italia.

Su pasión por el arte arranca ya de niño y se va desarrollando de forma autodidacta explorando en principio con acrílicos, tinta y carboncillos, hasta que descubre la tableta digitalizadora y las técnicas digitales que serán la base para sus nuevas creaciones, y que expandirán su creatividad y mejorando sus habilidades artísticas.

Sus retratos femeninos, que posiblemente en más de una ocasión hemos visto circulando incontroladas y anónimas por la red, son una de las marcas de identidad del artista.

Giulio Rossi©

http://www.giulio-rossi.com

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EVENTOS: ARTE – Balmain hace brillar a la Ópera de París

Balmain hace brillar a la Ópera de París

Olivier Rousteing, director creativo de la firma, ha sido el encargado de diseñar el vestuario de la próxima muestra del coreógrafo Sébastien Bertaud en el histórico Palais Garnier.

Rousteing, que de pequeño asistió a clases de ballet, afirma que se sintió sorprendido ante la propuesta.

Bertaud, por su parte, le dio carta blanca para que éste interpretase su coreografía, pues tiene plena confianza en el trabajo del diseñador: “para mi Olivier es la única persona hoy en día que comparte conmigo esa innovación que respeta las técnicas tradicionales”. Renaissance es una obra de ballet que forma parte del programa de cuatro piezas que permitió a los asistentes quedarse maravillados delante de la interpretación en el ostentoso Palais Garnier entre el 13 y 18 de junio de este mismo año.

El Palais Garnier es la casa que históricamente ha alojado a la Ópera de París, -que también tiene sede en Bastilla-.

Una de ellas corre a cargo de Bertaud, bajo la supervisión de Benjamin Millepied y la participación del artista William Forsythe.

Y es que con Renaissance, Bernaut quiere crear un ballet clásico pero que se disfrute por esa nueva generación que empieza a llenar los teatros más y más.

Así, Rousteing ha creado unos vestidos que muestran la fascinación que ambos mantienen por el periodo de Luis XIV y que combinan los elementos del ballet más clásico con esos que son el ADN del diseñador: sensualidad y sexualidad y que, sin duda, han de ser muy Haute Couture; pues los firma, no hay que olvidarlo, Balmain.

Rousteing encaró con mucha ilusión y admiración este proyecto y lo describió como un trabajo épico que tenía como objetivo celebrar la elegancia, la sofisticación y la opulencia de la legendaria Academia de Danza Francesa.

 

 

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TECNOLOGÍA: ARTE – Pintura desde una nueva perspectiva – Tilt Brush By Google

Pintura desde una nueva perspectiva

Cepillo de inclinación le permite pintar en el espacio 3D con realidad virtual.
Su habitación es su lienzo. Su paleta es su imaginación. Las posibilidades son infinitas.

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La nueva actualizacion de Tilt Brush ahora permite rotar y redimensionar nuestro trabajo. Las interacciones han sido rediseñadas para sacar partido de los Touch, permitiendo que con poner el dedo encima de un botón veamos una indicación de cuál es su función, y así saber exactamente que botones estamos pulsando al utilizar la aplicación. Otra de las características mejoradas ha sido el sonido para lograr una mayor inmersión. Ahora cada brocha tiene un sonido, y se convierten en una parte viva de la experiencia. Tilt Brush se puede comprar por 27,99€ en Steam o en la tienda de Oculus, aunque ahora mismo su precio es superior en está última, lo que podría ser debido a un error.

Más Información: https://www.tiltbrush.com/

 

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ARTE – Espectacular Artista DiegoKoi

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Italia
Diego Fazio, también conocido como artista DiegoKoi, nació en Lamezia Terme, Italia en 1989. Entre en el mundo del arte como un artista autodidacta, que rápidamente desarrolló una técnica precisa y refinada. Comenzó dibujando los Koi, una variedad de carpas de la antigua China que fue introducida en Japón. La carpa Koi, en la cultura popular japonesa, es un símbolo de amor y amistad. En China, la leyenda cuenta de una carpa valiente y perseverante que logró escalar las cascadas situadas en la Puerta del Dragón, superando obstáculos y espíritus malignos. Los dioses, impresionados por su coraje, transformaron la carpa en un dragón.

Eventualmente, la carpa se convirtió en el símbolo de aquellos que aspiran a hacer grandes cosas y no tienen miedo de enfrentar la adversidad. El joven artista estaba fascinado con esta carpa y decidió incluir la palabra “Koi” en su nombre, lo que le ayudó a encontrar la motivación y la fuerza para continuar su viaje, centrándose inicialmente en los ojos y rostros de sus súbditos. El arte de DiegoKoi, al principio se concentró en dibujos de tatuajes de estilo japonés, pero con el tiempo, desarrolló su técnica y redescubrió la delicadeza y la belleza del sombreado, apartó los rasgos gruesos de los tatuajes y se centró en el hiperrealismo. A medida que se desarrolla, se centra en dibujar la forma humana, dándole su toque personal, que se expresa dentro de cada sujeto a través de líneas cuidadosamente elaboradas que dan lugar a figuras elásticas y compactas y son apoyadas por el sombreado y la imaginación del artista. Esta técnica transforma el trabajo en una mezcla de lo real y lo irreal. La capacidad de DiegoKoi para percibir los muchos matices del claroscuro, influye en el artista para crear contrastes, que tocan el alma del público. Comienza con el realce de rasgos femeninos, sacando la psique de las mujeres a través de sus ojos y pliegues de sus rostros, dejando al espectador para investigar las emociones silenciosas que se expresan. A continuación, se concentra en exponer caras que parecen gritar con la desesperación y la ira de la sociedad actual. Con su habilidad única y los elementos característicos de su técnica, Diegokoi fue capaz de hacerse conocer en muchas áreas de su país natal. Ha expuesto sus obras en varias exposiciones y ha ganado el reconocimiento de “Premio del Público Mejor Artista NonFermarti 2011” y “Sección de pintura Premio NonFermarti 2011” que fue aceptado en persona en la provincia de Cosenza en el evento artístico NonFermarti 2011. En marzo de 2012 , Entre aproximadamente 7000 participantes de todo el mundo, DiegoKoi fue nominado para el “Premio Internacional de Arte Laguna de Venecia 2012” con su obra “Sentenza”. En el mismo año, fue nominado y finalista de uno de los premios más prestigiosos de Italia, el “Cairo Award” de Milán, con su obra “Raptus”. El comienzo de 2013 coincidió con la explosión mediática de DiegoKoi, ya que ganó el premio artista emergente en el concurso internacional “Limen” de Vibo Valentia con su trabajo “Luccicanza”. El 25 de enero de 2013 lanzó su primera exposición internacional titulada “Sensaciones” (que es el nombre de su obra más famosa), en Singapur, en la prestigiosa galería internacional Raffian Art (Singapur / Rusia / Israel). El 21 de mayo de 2013, DiegoKoi participó en “Wonder Works” en Hong Kong editado por “The cat street gallery” en Hollywood Road. En junio de 2013, participó en su primera pintura de acción en Milán, en la tienda histórica Crespi y en agosto de 2013, actuó en otra pintura de acción en Lucerna, Suiza. Posteriormente, el 7 de noviembre de 2013, a través de la asociación “Sanado Heridas A.C”, varias de las obras de DiegoKoi fueron donadas a una subasta de caridad para ayudar a niños desfavorecidos en México. El 15 de noviembre de 2013, Diegokoi participó en persona en otra subasta de caridad, en la corte del Príncipe Alberto de Mónaco con su esposa la Princesa Charlene, para la asociación “Monaa contra el autismo”, fundada por la Princesa, para ayudar a los niños que sufren de autismo. El 30 de noviembre de 2013, la exposición de DiegoKoi se presentó en la galería italiana “BeCause Art Space”, a la que asistieron numerosos fans. Para lanzar un nuevo año en su carrera, el 11 de enero de 2014, DiegoKoi participó en una exposición colectiva en la galería de renombre “Galería Jonathan Levine” y más recientemente, el 17 de mayo de 2014, DiegoKoi participó en una acción de pintura en Florencia en el “Lory Tienda de arte”.

Contacto: www.diegokoi.it

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ARTE: Artista – Odeith, el Graffiti en el arte anomórfico

Odeith comenzó a pintar este estilo original en 2005. Fue el pionero que tomó Graffiti en el arte anamórfico.

Buscando una manera de hacer la diferencia en el mundo del arte callejero. Odeith comenzó a crear piezas únicas y brillantes. Pintura en más de una superficie que crea una sensación de objetos flotantes, insectos y sobre todo, las letras en 3D. Cuando se ve a través de una cámara de un lugar definido, parece que la ilusión sale de la pared y cobra vida. Definitivamente este es su estilo favorito de pinturas. Explorar las fábricas abandonadas son sus lugares favoritos para crear y traer algo fresco al juego. Desde que se hizo internacionalmente reconocido con estas piezas originales, Odeith viaja alrededor del mundo compartiendo su arte y sus pensamientos. Finalmente, inspirando a los niños a pintar y seguir sus sueños. A continuación puede ver una selección de sus piezas favoritas, pintadas entre 2010 y 2016.

Más Información: www.odeith.com