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Furiosa Gallery presenta RGB de Irene Cruz en el Festival OFF de PhotoEspaña

Furiosa Gallery presenta RGB de Irene Cruz en el Festival OFF de PhotoEspaña

Furiosa Gallery presenta RGB de Irene Cruz en el Festival OFF de PhotoEspaña

El próximo 5 de junio se abre al público RGB, la nueva exposición individual de Irene Cruz en la Galería Furiosa de Madrid, dentro del marco del festival off de Photoespaña.
La muestra está comisariada por Elvira Rilova y está compuesta por una veintena de obras, instalación y video.

RGB es una muestra que nace antes de este extraño 2020, inspirado por impactos variados, ante una necesidad de cambio personal, espiritual y estético en la artista Irene Cruz.

Desintegrando los límites de la fotografía y de la pintura, del video e incluso los de la música –pues la artista crea sus propias piezas sonoras-, con su particular mirada, y desde una total libertad creativa, Irene Cruz pinta con la luz sus imágenes con una belleza y una narratividad que resultan casi pictóricas, viniendo a defender, que el suyo, no es lenguaje ni simple ni mecánico.


Para lograr su objetivo utiliza los colores aditivos, a través de pigmentos y los mantiene en los más puros, rojos, verdes o azules.

Escribir con luz, pintar con luz, re-pintar con pigmentos extranjeros para la fotografía, simulando otra nueva luz intrusa (RGB) pero sin su esencia, innovando y divirtiéndose con las texturas y en cada pincelada cuestionando y diluyendo los límites del arte encima de las instantáneas de tintas pigmentadas directamente en placas de aluminio. Y siempre muy presente, el elemento humano con el que Irene Cruz pretende expandir nuestra concepción de la realidad social.


Irene Cruz juega en ocasiones, acudiendo a la intervención con pintura, entrelazando ambos lenguajes en un baile cromático que va más allá de la fotografía, pues también pinta con luz sus vídeos, con geles de colores rojos, verdes y azules (como en “Anhelo”, pieza que forma parte de RGB y que ha sido realizada junto al director D Eceolaza y el músico Sebastian Pecznik).


Para poner de manifiesto el proceso vital que ha significado para Irene la producción de RGB, reflejo de este transformador tiempo de pandemia, la muestra incluye además una video-instalación con todas las historias de Instagram que han surgido a lo largo de la gestación y producción del proyecto.


En RGB, Irene Cruz nos demuestra que la fotografía es una forma personal inagotable de mirar el universo, es un lenguaje alterno, que influye, recoge influencias y las transforma,
Porque, crear es para la artista una absoluta necesidad, una terapia donde canalizar el exterior en el interior y el interior al exterior; el ciclo de la vida.


INFO Inauguración sábado 5 de junio de 11h a 14h y de 15h a 20h. Del 5 de junio hasta el 18 de julio en el horario habitual de la galería. Dirección: Calle de Almadén, 13, Madrid, 28014, Barrio de las Letras, junto al CaixaForum

Furiosagallery.com

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La obra de Maurits Cornelis Escher se exhibe por primera vez en Cataluña – 29 de abril – 26 de septiembre de 2021

ESCHER
29 de abril – 26 de septiembre de 2021

Drassanes de Barcelona

La obra de Maurits Cornelis Escher se exhibe por primera vez en Cataluña gracias a la  realización de Arthemisia, Evolucionarte y el Museu Marítim de Barcelona, en colaboración con The M.C. Escher Foundation y con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, la Diputación de Barcelona junto a la participación de RolDigital. La exposición está comisariada por Mark Veldhuysen, CEO de la M.C. Escher Company, y por Federico Giudiceandrea, coleccionista italiano y experto en la figura del artista.

Escher es mundialmente conocido por ser el maestro de las figuras y mundos imposibles, además de por ser el creador de las más impresionantes ilusiones óptica. La exposición, compuesta por más de 200 piezas, cuenta con las obras maestras de su etapa surrealista como Mano con esfera reflectante, Lazo y unión, Relatividad y Belvedere.

La Sala Gran de las Drassanes de Barcelona albergará esta primera gran muestra y, con ello, posicionará la ciudad de Barcelona en el circuito internacional de grandes exposiciones. El espacio acogerá exposiciones relevantes durante los próximos tres años, merced a un acuerdo entre el Museu Marítim, el Ayuntamiento de Barcelona, la Diputación de Barcelona y
Arthemisia, una de las empresas más importantes del mundo en el ámbito de la organización y producción de exposiciones.

ESCHER abrirá sus puerta el próximo 29 de abril en la espectacular Sala Gran del conjunto gótico que conforman las Drassanes Reials de Barcelona, situado al final de La Rambla de Barcelona,
junto a la estatua de Colón y frente al mar. Los 1.700 m2 del espacio expositivo acogerán 200 obras del visionario holandés M.C. Escher, además de experimentos científicos, áreas de juego y
actividades que ayudan a comprender el universo creativo del artista. MAURITS CORNELIS ESCHER (Leeuwarden, Países Bajos, 1898 – Laren, Países Bajos, 1972) es uno de loa artistas gráficos más importantes del mundo. Escher inicia estudios en arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, los cuales cambiará por las artes gráficas a partir del encuentro con su profesor Samuel Jessurun de Mesquita en 1919, un notable artista gráfico de la época.

Una vez finalizados sus estudios, Escher viaja por el sur Italia donde conoce a Jetta Umiker, con quien se casará en 1924. Juntos vivirán en Roma hasta 1935. En estos 11 años en Italia, Escher
realizará un gran número de bocetos y dibujos que le servirán de base para algunas de sus obras más reconocidas.

Gracias a sus dos visitas a la Alhambra de Granada, en 1922 y 1936, y al observar entusiasmadamente la decoración de las paredes y los pavimentos, en él brota una fascinación por
la geometría.


Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial Escher se establece en Baarn, Países Bajos, donde residirá hasta el final de sus días. Durante su vida, Escher realizó 448 litografías, grabados en madera y más de 2.000 dibujos y bocetos. Además, ilustró libros, billetes, sellos, murales, etcétera.

LA EXPOSICIÓN
Escher es un artista inclasificable cuyo mérito radica en redimensionar las posibilidades imaginativas de quienes contemplaron y contemplan su obra, en la que todo está relacionado:
ciencia, naturaleza, rigor analítico y deleite. Un artista que no solo fascina al gran público sino también a los amantes del arte y de las ciencias.

El mundo de los números, las matemáticas y la geometría es una de las claves de interpretación, pero no la única, para entender la construcción creativa del universo de este artista poliédrico,
cuya obra resulta completamente extemporánea. Estamos ante una figura tan genial como compleja, que no dudó en recurrir a los más diversos lenguajes con el objeto de entreverarlos en una trayectoria novedosa e intrigante en el panorama de la historia del arte. ‘Solo quienes intenten lo absurdo, lograrán lo imposible’, decía Escher. La exposición, compuesta por más de 200 obras, se divide en siete ámbitos:

I. Primer periodo
II. Teselaciones
III. Estructura del espacio
IV. Metamorfosis
V. Paradojas geométricas
VI. Obras por encargo
VII. Eschermanía

I. PRIMER PERIODO
Los prolegómenos introducen al visitante en la estrecha relación de Escher con el Art Nouveau. Su maestro, Samuel Jessurum de Mesquita, fue el nexo entre el futuro grabador, todavía estudiante, y esta importante corriente artística internacional. El estilo inicial de Escher lo caracteriza, entre otras elementos, un marcado rasgo modernista, fruto de su interés por la teselación, o división regular del plano.

Otro de los aspectos en los que se profundiza es en la importancia que tuvo en su formación Italia, país donde vivió varias temporadas entre 1921 y 1935. También se dedica una especial atención a
Giuseppe Haas Triverio (1889 – 1963), el grabador suizo – atraído por los monumentos italianos, y también por la naturaleza del país transalpino – que acompañó a Escher en muchos viajes por la
península italiana, reflejados en un gran número de obras.

II. TESELACIONES
A continuación, se sumerge al espectador en uno de los momentos más determinantes en la evolución de la creatividad artística de Maurits Cornelis Escher. Se aborda su segunda visita a la
Alhambra de Granada y a la Mezquita de Córdoba, en 1936. Este viaje lo precipitó a estudiar meticulosamente las soluciones decorativas que caracterizan la singularidad de ambos conjuntos
de la arquitectura islámica.

III. ESTRUCTURA DEL ESPACIO
Aquí, el visitante deambula por la mente del artista con el propósito de comprender cómo Escher articulaba el espacio en algunas de sus obras más icónicas.
El primer autorretrato en espejos curvos de Escher, se remonta a 1921. El artista había estado fascinado desde siempre por las superficies reflectantes. La esfera, que devuelve los rayos procedentes de cualquier dirección, representa íntegramente el espacio que la rodea, con la particularidad de que los ojos del espectador están siempre en el centro: la sensación a que da
pie la interacción con el espacio y la luz reflejados es la del individuo como cúpula del mundo. En palabras de Escher “ el Yo es protagonista indiscutible, a cuyo alrededor gravita el mundo”.
A la esfera se suma la alternancia entre figuras planas y figuras sólidas dentro de una representación teselar que no deja un solo espacio vacío, con posibilidades compositivas tan
variadas como la de Profundidad, obra de 1955 que parece imitar la disposición de una red atómica. Así como la otra gran pasión de Escher, los cristales, con sus leyes de organización
molecular en el espacio.

IV. METAMORFOSIS
Sin duda es una de las áreas más interesantes de la exposición. En ella se muestra cómo para Escher la división regular del plano es un instrumento para crear situaciones, donde entrecruzar
elementos primitivos en contraste, formando un ciclo metamórfico. Así ocurre, por ejemplo, en la obra Encuentro, donde se dan la mano un optimista y un pesimista surgidos de una teselación en
la que se habían ido entrecruzando sin dejar un solo hueco. En otros casos, por el contrario, son elementos geométricos abstractos los que se transforman en formas concretas y delimitadas con gran precisión, como en Verbum, la obra más importante de este ámbito, donde, partiendo de una teselación triangular del interior de un hexágono, las teselas se convierten en ranas, peces y aves, en representación de la tierra, el agua y el aire, sumido todo ello en la alternancia entre el día y la noche. Los triángulos brotan de un hexágono central que representa la palabra «Verbum», el logos del que nace todo.

V. PARADOJAS GEOMÉTRICAS

Este ámbito llama la atención sobre los aspectos científicos del arte de Escher, concluyentes para comprender parte de su obra. La línea que separa a Escher de los matemáticos es sutil, pero
determinante. Se trató de una atracción recíproca y provechosa, hasta el punto de que el genio holandés fue el único capaz de plasmar en imágenes las fantasías de los segundos, haciendo que
se fijaran en él los científicos, con quienes estableció un intercambio que sostenido hasta nuestros
días.

En este área se encuentra Galería de grabados (1956), una refinada versión del artificio de la «imagen dentro de otra imagen», llamado también «efecto Droste» (por la caja del famoso cacao holandés), origen de cuarenta y siete años de debates en el mundo científico, sin que se lograse resolver un problema que de tan enigmático, complejo y misterioso (misterio que Escher trató de
esclarecer con esta obra) parecía insoluble. El efecto Droste hace que la obra esté incompleta, debido a la dificultad de que los elementos encajen en el centro. Por eso, Escher dejó un espacio
vacío, que llenó con su firma. El misterio del «hueco» dejado por Escher, y de si era posible llenarlo, no fue resuelto hasta 2003 por Henrick Lenstra, matemático de la universidad de Leiden.

VI. OBRAS POR ENCARGO
El penúltimo ámbito se detiene en la actividad «cotidiana» de Escher, más centrada en cumplir las exigencias del cliente que en su investigación artística personal, aunque no por ello son obras de
menor interés. A la hora de ejecutar exlibris o tarjetas de visita para una clientela muy diversa, Escher, como todos los grandes artistas, no traicionaba su arte, sino que abordaba el tema con un
enfoque original y reconocible a simple vista. De hecho, para Escher estos encargos eran oportunidades más que bienvenidas de experimentar con soluciones que más tarde le sirvieron en
sus grandes obras maestras.

VII. ESCHERMANÍA
El arte salido de las prensas del estudio de Escher se ha convertido en cajas de regalo, sellos y felicitaciones. Ha ingresado en el mundo del cómic, ha acabado en carátulas de discos de grupos
tan famosos como Pink Floyd, y sus estructuras imposibles se han usado en referencia a situaciones paradójicas, y para dejar estupefacto al espectador mediante arquitecturas que de
hecho son irrealizables.

Grabados como Relatividad, o Casa de escaleras, reaparecen en el torbellino de rampas donde han llegado a perderse Mickey Mouse y los Simpson, extraviados en el mundo de Escher. También
se han usado situaciones escherianas en anuncios como el de 2007 para Audi, basado en grabados famosos, como Cascada.

Mano con esfera reflectante, Otro mundo II y Belvedere se utilizaron en 2006 para un anuncio de los cafés Illy. En la película fantástica Dentro del laberinto, de 1986, producida por George Lucas, y con David Bowie entre sus protagonistas, hay una escena construida a partir de la imagen de Casa de escaleras. También las famosas escaleras mágicas del castillo de Hogwarts, el de la saga de
Harry Potter, son una transposición dinámica de esta obra, reproducida incluso en una de las escenas más sorprendentes de la película Noche en el museo III.

ESCHER
Del 29 de abril al 26 de septiembre de 2021
Drassanes de Barcelona
Av. de les Drassanes, s/n, 08001 Barcelona
Horario:
De lunes a jueves, de 10h a 19h
De viernes a domingos, de 10h a 21h
Precios: General 13€ | Reducida 10€
Venta anticipada en: www.escherbcn.com
IG @escherbcn
#EscherBCN

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THREE BRANDS UNITED IN BEAUTY – Decorté X Baccarat X Marcel Wanders

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THREE BRANDS UNITED IN BEAUTY

Decorté X Baccarat X Marcel Wanders

Since 2010, Marcel Wanders studio has been serving as the art director of the prestigious skincare and beauty brand Decorté. Bringing its spirit to life in all of its facets, from form to film. In honour of the 50th anniversary of the brand, one of our other long-lasting partners, legendary crystal manufacturer Baccarat, joined the union. Aligning decades of craftsmanship and fusing three areas of expertise together to be one. Grounded in an artistic approach and a desire to celebrate beauty, an iconic design treasuring Decorté’s prestigious AQ Meliority Intensive Cream unfolded.

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three-brands-united-in-beauty-decorte-x-baccarat-x-marcel-wandersBACCARAT
Together with legendary crystal manufacturer, Baccarat we joined forces in honour of the 50th anniversary of the prestigious skincare and beauty icon Decorté. An alliance of three brands united in craftsmanship and creative excellence to forge something exceptional. A celebration of constant innovation and true beauty captured in an exclusive limited anniversary edition of the brand’s prestigious AQ Meliority Intensive Cream. Inspired by the past, created for infinity and beyond.

The sublime crystal jar preciously holds the ultimate high-performance cream at its heart. Adorned with elegant curves and deep cuts, the design refracts light with geometric precision, creating a theatrical play that sparks the imagination. A lid surmounted by a dazzling red octagon, the signature of Baccarat, reveals its inner beauty and gives the jar its stature. The enclosed resin spatula, a small piece of art on its own, enables one to apply and blend the cream with utmost care.

AQ CREAM

DECORTÉ X BACCARAT

Together with legendary crystal manufacturer, Baccarat we joined forces in honour of the 50th anniversary of the prestigious skincare and beauty icon Decorté. An alliance of three brands united in craftsmanship and creative excellence to forge something exceptional.

 

A celebration of constant innovation and true beauty captured in an exclusive limited anniversary edition of the brand’s prestigious AQ Meliority Intensive Cream. Inspired by the past, created for infinity and beyond.

A special occasion that asks for a mesmerizing design. A sublime Baccarat crystal jar preciously holds the ultimate high-performance cream at its heart. Adorned with elegant curves and deep cuts, the jar refracts light with geometric precision, creating a theatrical play that sparks the imagination. A lid surmounted by a dazzling red octagon, the signature of Baccarat, unfolds its inner beauty and gives the jar its stature. The enclosed resin spatula, a small piece of art on its own, enables one to apply and blend the cream with utmost care.

Only 999 units of this limited-edition keepsake are available worldwide, each featuring its own unique serial number along with the logos of each collaborator. This precious piece comes as a gift, presented in Baccarat’s classical red box along with two refills.

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‘This is for you, world’ – the marketing campaign for the EQS

‘This is for you, world’ – the marketing campaign for the EQS

Concept and objectives

‚This is for you, world‘ – die Marketingkampagne zum EQS // ‘This is for you, world’ – the marketing campaign for the EQS

  • The EQS is the first model in the Mercedes-EQ family to be based on the modular architecture for luxury and executive-class electric vehicles. It marks an important milestone in Ambition 2039 – the path to the CO2-neutral mobility of the future at Mercedes-Benz.

    ‚This is for you, world‘ – die Marketingkampagne zum EQS // ‘This is for you, world’ – the marketing campaign for the EQS

  • For the first time, a marketing campaign starts at the same time as a world premiere – in a uniform look. The campaign translates the EQS’s seemingly magical fusion of technology, design, functionality and connectivity into a surreal look that challenges the reality we know. The campaign breaks with conventions and works with a mix of abstract art and fashion that stimulates visually.

“We are particularly pleased to launch an integrated marketing campaign for the first time synchronized at the world premiere of the EQS,” says Bettina Fetzer, Head of Marketing Mercedes-Benz AG. “With this extraordinary staging, we want to combine sustainable mobility with an emotional and luxurious brand experience and further strengthen the fascination for our electric Mercedes-EQ models.”

‚This is for you, world‘ – die Marketingkampagne zum EQS // ‘This is for you, world’ – the marketing campaign for the EQS

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Centenario del barón Thyssen-Bornemisza. 1921-2021

2021: el año del Barón Thyssen

Se cumplen 100 años del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza

• La conmemoración del centenario cuenta con exposiciones, conferencias, simposio,
acciones educativas…


• El 13 de abril, la entrada al Museo será gratuita

En este 2021, el 13 de abril, se cumplen cien años del nacimiento de Hans Heinrich ThyssenBornemisza (1921-2002) y el Museo que lleva su nombre desde 1992 lo conmemora con una
serie de exposiciones y actividades. La celebración arrancó en octubre con la inauguración de la exposición Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza (que se puede
visitar hasta el 14 de marzo).

“Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza fue, ante todo, una persona prendada por la pintura – explica Juan Ángel López-Manzanares, comisario de la conmemoración de este centenario–. Sin
haber mostrado de joven gran interés por el arte, a lo largo de su vida fue involucrándose más y más activamente en su defensa y promoción. No solo completó la colección de su padre, sino
que la hizo actual con adquisiciones de arte moderno. Asimismo, la abrió al público y facilitó que mucha gente pudiera disfrutar de ella a través de exposiciones y estudios especializados”.

https://www.museothyssen.org/centenario-baron-thyssen-bornemisza-2021

En efecto, el Barón heredó en 1947 una colección de arte que aumentó con obras maestras del arte clásico y, desde 1961, con uno de los mejores conjuntos privados de pintura de los siglos XIX y XX. Quiso que sus obras permanecieran unidas y quiso, también, compartirlas, lo que le llevó a firmar, en 1988, un acuerdo de préstamo –que se convertiría en venta definitiva cinco
años después– de 775 obras al Estado español, germen del Museo Nacional ThyssenBornemisza.

Según López-Manzanares, “su decisión de traer su colección a España –en la que fue determinante el papel de su esposa, Carmen Cervera– constituyó una de las mayores contribuciones modernas a la cultura de nuestro país. Por todo ello, con motivo del centenario de su nacimiento, el Museo quiere expresarle el agradecimiento de todos con un gran homenaje: un año dedicado a su persona, con exposiciones, restauraciones, conferencias, simposios, acciones educativas, vídeos, podcasts…, iniciativas para festejar su gran legado”.

A la ya mencionada exposición dedicada al expresionismo alemán, le seguirán Orfebrería, pinturas y esculturas en la colección del barón Thyssen-Bornemisza (16 marzo de 2021-23 de enero de 2022), Pintura italiana de los siglos XIV al XVIII de la colección del barón Thyssen-Bornemisza en el MNAC (26 de octubre de 2021-9 de enero de 2022) y Arte americano en la colección Thyssen (23 de noviembre de 2021-26 de junio de 2022), todas ellas en las salas de la colección permanente. Además, continuará la exhibición de los retratos del Barón pintados por Lucien Freud.En cuanto a otras actividades, hay que destacar el ciclo de conferencias sobre expresionismo alemán (20 y 27 de enero y 3, 10 y 17 de febrero), los Conversatorios educativos: el barón
Thyssen-Bornemisza como coleccionista (enero-marzo de 2021), el proceso de restauración ante el público de Joven caballero en un paisaje, de Vittore Carpaccio, y la posterior exposición de los
resultados, así como la jornada de puertas abiertas del día 13 de abril, fecha exacta del nacimiento del Barón.

Un simposio, conciertos y otras iniciativas se irán anunciando a lo largo del año y, como el resto de acciones, conformarán el microsite dedicado a este centenario, en el que se publicarán

vídeos, conferencias y otros recursos:
https://www.museothyssen.org/centenario-baron-thyssen-bornemisza-2021
El barón y la baronesa Thyssen-Bornemisza con la escultura Cristo y la Magdalena de Auguste Rodin, Madrid, mayo de 1996

ORFEBRERÍA, PINTURAS Y ESCULTURAS EN LA COLECCIÓN DEL BARÓN THYSSEN-BORNEMISZA
Del 16 marzo de 2021 al 23 de enero de 2022

Como parte de la celebración en 2021 del centenario del barón Thyssen, el museo reúne en sus salas una selección de veinte obras pertenecientes a la colección de Hans Heinrich ThyssenBornemisza antes de que esta se dispersara entre sus herederos y de la instalación de la mayoría de sus pinturas en el palacio de Villahermosa, actual sede del museo. Para esta ocasión,se han elegido diez piezas de orfebrería alemana y holandesa de los siglos XVI y XVII, de altísima calidad; dos esculturas del Renacimiento italiano y alemán; tres espectaculares tallas en cristal de roca del barroco italiano; cuatro lienzos de diversas escuelas artísticas del siglo XVII, y un extraordinario baúl de viaje, con sesenta y seis accesorios en su interior, del siglo XVIII
alemán.

Imagen: Hans Petzoldt. Copa Imhoff, h. 1626. Núremberg, Alemania
Plata sobredorada con relieves y adornos fundidos. Altura: 46,3 cm

PINTURA ITALIANA DE LOS SIGLOS XIV AL XVIII DE LA COLECCIÓN DEL BARÓN THYSSEN-BORNEMISZA EN EL MNAC

Del 26 de octubre de 2021 al 9 de enero de 2022 En 1993 el Museo Thyssen-Bornemisza depositó una sección importante y representativa de pinturas de las escuelas italiana y alemana de sus colecciones en el Monasterio de Pedralbes de Barcelona. En 2004 ese mismo conjunto se trasladó al Museu Nacional d’Art de Catalunya, donde se expone actualmente. Una selección de estas obras llega en octubre al museo con motivo de las celebraciones que tienen lugar en 2021 para conmemorar el nacimiento del barón Hans Heinrich ThyssenBornemisza. Viajan a Madrid, procedentes del depósito, doce pinturas de artistas como Taddeo Gaddi, Fra Angelico, Giambattista Piazzetta o Giacomo Ceruti, que se presentan en las salas de la colección permanente.
Imagen: Giacomo Ceruti (llamado “Il Pittocchetto”). Grupo de mendigos, hacia 1737.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC)

ARTE AMERICANO EN LA COLECCIÓN THYSSEN

Del 23 de noviembre de 2021 al 26 de junio de 2022 Desde principios de la década de 1970 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza se convirtió en un activo coleccionista de arte americano, en especial del paisajismo del siglo XIX. Fruto de ese coleccionismo, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza posee una extensa selección de pintura americana y se ha convertido en punto de
referencia esencial para su conocimiento y estudio en el contexto europeo. Como parte de la celebración en 2021 del centenario del barón Thyssen, el museo presenta en sus salas de la planta baja una reinstalación de alrededor de 170 obras de arte americano, tanto de la colección permanente, como de la colección Carmen Thyssen y de la familia Thyssen. El objetivo es
repensar la actual presentación cronológica y optar por un orden transversal y temático. El énfasis se pondrá en categorías como religión, política, medio ambiente, cultura popular o
vida urbana, para propiciar un mejor conocimiento del arte y la cultura norteamericanos. Con el apoyo de Terra Foundation for American Art.

Imagen: George Inness. Mañana, hacia 1878. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, 8. 28014 Madrid. Tel. +34 914203944 / +34 913600236
www.museothyssen.org 

 

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BANKSY – The Street is a Canvas en Madrid

BANKSY  – The Street is a Canvas

El próximo 3 de diciembre de 2020 el Círculo de Bellas Artes abre sus puertas a la exposición BANKSY. The Street is a Canvas, una muestra inédita en nuestro país sobre el misterioso y siempre polémico artista británico de street art.

BANKSY. The Street is a Canvas nos acerca al controvertido universo artístico de uno de los creadores más influyentes de los últimos años, a través de diferentes ámbitos temáticos y más de 50 creaciones que incluyen una selección de obras únicas ejecutadas con diferentes técnicas: óleo o acrílico sobre lienzo, spray sobre lienzo, serigrafías de edición limitada, esténciles sobre metal u hormigón, esculturas poliméricas pintadas o de bronce barnizado, instalaciones, vídeos y fotografías. Gran parte de las piezas, procedentes de colecciones privadas internacionales, se exhiben en Madrid por primera vez.

LA EXPOSICIÓN

BANKSY. The Street is a Canvas nos acerca al controvertido universo artístico de uno de los creadores más influyentes de los últimos años, a través de diferentes ámbitos temáticos y más de 50 creaciones que incluyen una selección de obras únicas ejecutadas con diferentes técnicas: óleo o acrílico sobre lienzo, spray sobre lienzo, serigrafías de edición limitada, esténciles sobre metal u hormigón, esculturas, instalaciones, vídeos y fotografías. Gran parte de las piezas, procedentes de colecciones privadas internacionales se exhiben en Madrid por primera vez.

Una instalación multimedia envolvente especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica. Entre las obras más reconocidas de la muestra se encuentra la serigrafía original de la serie «Niña con globo», similar a la destruida por el propio artista en una acción sin precedente en Sotheby’s, la casa de subastas de Londres.

Una instalación multimedia envolvente especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica. Entre las obras más reconocidas de la muestra se encuentra la serigrafía original de la serie Niña con globo, similar a la recientemente destruida por el propio artista en una acción sin precedente en Sotheby’s, la casa de subastas de Londres.

¿Quién es Banksy?

Escurridizo, provocador, misterioso… Banksy, el artista británico cuya identidad aún se desconoce, está considerado como uno de los principales exponentes del street art contemporáneo. Sus obras, a menudo satíricas, abordan temas universales como la política, la cultura o la ética. El aura de misterio que, por elección y por necesidad, se perpetúa cada vez que se menciona a Banksy, lo ha convertido en una figura mítica de nuestro tiempo.

Banksy emplea una forma de comunicación directa rechazando el sistema y sus reglas. El artista se dirige a su público sin ningún filtro, y sus obras son textos visuales capaces de informar e inspirar la reflexión. Guerra, riqueza y pobreza, animales, globalización, consumismo, política, poder y ambientalismo son algunos de los temas que Banksy explora.

Desde las trincheras del asfalto, Banksy ha desafiado las reglas del juego del arte contemporáneo. Su protesta visual ha conectado con un público enorme y heterogéneo y hoy en día es uno de los artistas más reconocidos y admirados entre los amantes del arte y también de las generaciones más jóvenes.

En palabras de Alexander Nachkebiya, comisario de la exposición: “Banksy ha adquirido la categoría de fenómeno y es uno de los artistas más brillantes e importantes de nuestro tiempo. Su trabajo es un desafío para el sistema, una protesta, una marca extremadamente bien construida, un misterio, una desobediencia a la ley… Queremos que cada visitante de esta exposición pueda resolver por sí mismo quién es realmente Banksy: ¿un genio o un gamberro?, ¿un artista o un empresario?, ¿un provocador o un rebelde? Esta nueva exposición pretende mostrar la profundidad del talento de Banksy, sus múltiples capas y dimensiones para que sean los propios visitantes quienes piensen y decidan. Su trabajo, siempre actual y muy completo, profundiza en el alma de cada uno de nosotros. Supongo que todo esto lo convierte en un genio para mí.”

BANKSY. The Street is a Canvas es una coproducción del Circulo de Bellas Artes de Madrid, IQ Art Management y Sold Out, también responsables de la exitosa muestra BANKSY. Genius or Vandal? visitada por más de 600.000 personas en Moscú, San Petersburgo y Madrid. BANKSY. The Street is a Canvas llega a Madrid con obras inéditas nunca vistas en España.

EXPOSICIONES 03.12.2020 > 09.05.2021

Entradas:

Las entradas para la exposición pueden adquirirse a través de www.banksyexhibition.es

Precios:

Entrada general (+13 años): 15€

Entrada infantil (4 a 12 años): 8€

Entrada infantil (0 a 3 años): gratuita

Socios del CBA, desempleados, estudiantes, mayores de 65 años, miembros de familia numerosa, poseedores de Carné Joven y personas con discapacidad en un grado igual o superior al 33% podrán disfrutar de un 15% de descuento sobre el precio de la entrada general. Solo válido en compras en las taquillas del Circulo de Bellas Artes. Descuento aplicable todos los días de la semana. No acumulable a otras promociones. Imprescindible acreditar condición necesaria para aplicar el descuento en cada caso.

*Estos precios no incluyen gastos de gestión (1,50€ por entrada). Mismos gastos de gestión aplicables para venta online y en taquillas. Se recomienda la compra online para garantizar la visita y evitar aglomeraciones en el recinto de exposiciones.

Audio guía para smartphones gratuita, disponible en castellano e inglés.

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Increibles esculturas de cartón By Olivier Bertrand

Olivier Bertrand esculture

Esculturas de cartón By Olivier Bertrand

El enfoque artístico

¿Por qué cartón?

Para Olivier Bertrand, diseñar cartón no es una elección bien pensada, porque el material se ha impuesto por sí solo.

“Siempre creo a partir de lo que pude encontrar fácilmente … y resulta que encontrar cajas de cartón en casa no fue tan difícil. Hoy, me encanta la idea de darle una segunda vida a este producto cotidiano, completamente desechable. Y, por supuesto, estoy contento con la idea de que mi trabajo puede involucrarse en un enfoque ecológico.

el mundo de los animales salvajes

Espontáneamente, Olivier recurre al mundo animal como fuente de inspiración. “Sin duda soy más sensible a los animales por su parte de misterio. Los valores predeterminados de la naturaleza humana, que sé probarlos, me separan de la figura humana como sujeto de la creación.

Me gusta elegir animales fuertes, a primera vista antinómicos con la fragilidad del cartón que uso. Por esta dualidad entre el sujeto y el material, intento, a mi manera, advertir sobre la precariedad del reino animal. ”

Olivier Bertrand

Olivier Bertrand nació en Marsella en 1975, de padre francés y madre asiática. Quedó fascinado con el dibujo, las artes visuales y, más específicamente, el origami a una edad muy temprana.

“Desde que tengo memoria, siempre me ha cautivado la metamorfosis de una simple hoja de papel que, con unos pocos pliegues inteligentes, cobra vida y genera emoción”.

Después de graduarse con una Maestría en Economía y completar sus estudios, finalmente decidió pasar al diseño web. 15 años después, aprovechó un período de convalecencia para volver a las raíces, a su primer amor. Aunque esta vez no está doblando trozos de papel, su mantra sigue siendo el mismo: y es de cartón con el que trabaja con un nuevo giro. Al juntar trozos de cartón, ahora crea animales

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Philippe Starck – SURREALISMO SEGÚN STARCK

Un extracto del libro “Impression d’Ailleurs” Editions de L’Aube de Philippe Starck con Gilles Vanderpooten

“El legado del surrealismo es interesante: la posibilidad de hacer la realidad absurda fue muy liberadora y fértil. La tensión, la explosión, la chispa de este telescopio es brillante. Podemos encontrarlo en el ejemplo del cuarzo cuando se presiona para obtener electricidad. Si usted frota dos piedras juntas que son completamente contradictorias, de ellas saldrá un tercer elemento.

 

 

SURREALISMO SEGÚN STARCK

El interés del surrealismo es que es “divertido”. Es un buen boleto de entrada para poesía, distanciamiento, puesta en perspectiva, en realidad y humor, rebelión, subversión …

Se podría decir que estoy empleando “neo-surrealismo” cuando uso estilos que no coinciden u objetos que no deberían estar donde están. Son como los despertadores que llamo “sorpresas fértiles”. Las trampas están premeditadas para que el ojo de rutina sea despertado por una anomalía. Como no considero las características culturales, no me importa: puedo hacer cualquier cosa. Soy muy libre en mi creación. En mi proceso de trabajo, aparece naturalmente un catálogo de anacronismos, incongruencias, que uso a medida que avanzo. Mi único talento es que mi catálogo no viene de la nada y si todo está bien, no es por casualidad. Se deriva de una estrategia subyacente, un deseo, una premeditación del efecto sobre el otro.

En el surrealismo, podemos observar un efecto óptico, subjetividades, un estado febril o incluso una sensibilidad excesiva. Pero lo real, a pesar de su esencia de un cóctel improbable que se agita en todas las direcciones, orientado más o menos torcido, es lo suficientemente interesante como para no necesitar imaginar en vano un más que real “. Philippe Starck

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LEXUS PRESENTA EL PRIMER COCHE TATUAJE DEL MUNDO

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En una celebración de la artesanía fina y el arte tradicional japonés, Lexus ha encargado el primer automóvil tatuado del mundo. Esta interpretación estrictamente única del SUV compacto UX ha sido diseñada y creada por la artista de tatuajes de Londres Claudia De Sabe.

LEXUS PRESENTA EL PRIMER COCHE TATUAJE DEL MUNDO

Lexus – Revelado el primer auto tatuado del mundo

Usando un automóvil blanco puro como su “lienzo” y una herramienta de perforación Dremel en lugar de una aguja de tatuaje fina, Claudia produjo un diseño amplio con carpa koi a lo largo de todo el vehículo. El koi es un motivo familiar del arte tradicional japonés, que representa cualidades de buena fortuna y perseverancia.

Lexus ha creado un cortometraje que va detrás de escena para revelar cómo se hizo el auto tatuado. Lo puedes ver aquí:

Claudia usó la herramienta Dremel para perforar la pintura superficial y exponer el metal debajo para crear el patrón complejo, y luego aplicó cinco litros de pintura para automóviles de alta calidad a mano para resaltar los detalles. Como toque final, usó pan de oro para crear reflejos y darle al diseño un efecto 3D más fuerte, antes de que todo el vehículo recibiera una capa protectora de laca para que se pueda conducir en la carretera.

LEXUS UNVEILS THE WORLD’S FIRST TATTOOED CAR

LEXUS UNVEILS THE WORLD’S FIRST TATTOOED CAR

El proceso tardó seis meses en completarse a partir de los dibujos iniciales, con el “tatuaje” realizado durante cinco días de trabajo intensivo de ocho horas. Fue físicamente exigente, con la vibración del taladro y el trabajo con un objeto que, a diferencia de un cliente humano, no se podía mover a una posición cómoda a medida que avanzaba el diseño. Donde cualquier pequeño deslizamiento en un tatuaje humano puede ser trabajado o coloreado fácilmente en el patrón, el “grabado” con el taladro requirió una precisión absoluta.

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El UX tatuado no tiene una etiqueta de precio, pero se estima que el trabajo a medida costaría más de £ 120,000.

Era la primera vez que Claudia aplicaba sus habilidades al metal en lugar de la piel humana y encontró similitudes y nuevos desafíos en la comisión única.

“Cuando tatúas a una persona, debes pensar en los músculos y el tejido debajo de la piel. Con el automóvil, se trataba de la forma en que la carrocería cambia de forma sobre el marco ”, dijo Claudia, quien fue asistida en su trabajo por su esposo japonés Yutaro.

“‘ Lo mejor de tatuar el Lexus UX, y la razón por la cual este automóvil fue ideal para el proyecto, es su forma aerodinámica. Todo, desde las líneas en el costado del cuerpo hasta la forma de las ventanas, todo es tan dinámico y hermoso. Fue perfecto para el diseño y el concepto en sí mismo ”, dijo Claudia, cofundadora del estudio de tatuajes Red Point en Islington.

El proyecto se presenta como un homenaje a la artesanía takumi que se aplica a todos los Lexus, testigo de detalles de diseño y acabados impecables logrados con habilidades humanas perfeccionadas a través de años de capacitación dedicada. Del mismo modo, Lexus adopta la estética tradicional japonesa en los diseños de sus vehículos, en elementos como los adornos de cabina de grano de papel washi del UX y la fusión perfecta del interior y el exterior a través de la pantalla frontal, haciéndose eco de las características arquitectónicas de las casas japonesas.

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Seis fotografías y fotógrafos Leica que quizás no conozcas

Seis fotografías y fotógrafos Leica

Nos preparamos para la exposición ‘Con los ojos bien abiertos. Cien años de fotografía Leica’ escogiendo algunas de sus imágenes más interesantes

SEIS FOTOGRAFÍAS Y FOTÓGRAFOS LEICA QUE QUIZÁS NO CONOZCAS

Seis fotografías Leica que quizás no conozcas

Seis fotografías Leica que quizás no conozcas

El Che de Alberto Korda, el beso de Alfred Eisenstaedt, el miliciano de Robert Capa… algunas de las fotografías más célebres de la historia han sido tomadas con una Leica. El 11 de mayo se inaugura en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid una muestra dedicada a esta cámara icónica, en la que podrán contemplarse, además de grandes mitos, imágenes menos conocidas pero que todo el mundo debería ver. A continuación os mostramos una pequeña pero fascinante selección.

Oskar Barnack, Inundación en Wetzlar, 1920

© Leica Camera AG, Wetzlar

El autor de esta imagen es nada más y nada menos que el inventor de la cámara Leica, Oskar Barnack (1879 – 1936). En 1914 este ingeniero óptico, mecánico de precisión y diseñador industrial creó un prototipo funcional de una cámara fotográfica que se servía del formato de película utilizado hasta ese momento exclusivamente para el cine, el de 35 mm. Fue en 1925 cuando esta cámara recibió el nombre de Leica y comenzó a comercializarse, pero hasta ese momento no estuvo acumulando polvo, sino que fue siendo mejorada y utilizada por su inventor.

Cinco años antes de que el mundo oyese por primera vez la palabra “Leica”, Barnack tomó esta fotografía con la que documentó una inundación en la ciudad alemana de Wetzlar. Al ser su invención una cámara extremadamente ligera y pequeña en comparación a las que se había manejado hasta entonces, ya no resultaba una locura pretender fotografiar un acontecimiento de esas características. Esta imagen es hoy en día por tanto un símbolo de la nueva fotografía nacida gracias a la inventiva de Barnack.

Seis fotografías Leica que quizás no conozcas

Seis fotografías Leica que quizás no conozcas

F.C. Gundlach, Reportaje para Nino, 1958

© F.C. Gundlach

Después de Barnack, infinidad de fotógrafos se han servido de la Leica para sus creaciones. Entre ellos fotógrafos de moda como F.C. Gundlach (1926), considerado el maestro de la fotografía de moda de la Alemania Occidental. En sus trabajos para marcas y revistas logró instantáneas en las que las modelos, fuera del estudio, posaban sobre alas de avión, frente a las Pirámides, en coches de carreras… imágenes inusuales que conviven en su portfolio con imágenes de carácter más cotidiano.

Esta fotografía, realizada para la marca de chubasqueros Nino, tiene un espontáneo aire de “robado”: la modelo parece haber sido captada por sorpresa en su café preferido. La postura aparentemente distraída, el ambiente y las personas que aparecen en segundo plano no le restan efectividad a esta imagen publicitaria exquisitamente compuesta, sino que nos muestran al verdadero protagonista (el chubasquero) como a una prenda versátil, elegante pero pensada para el día a día de toda mujer práctica y urbana que desee emanar glamour en cualquier contexto.

Seis fotografías y fotógrafos Leica

Seis fotografías y fotógrafos Leica

Christer Strömholm, Nana, 1961

© Christer Strömholm / Strömholm Estate

Tanto o más glamour irradia esta instantánea del fotógrafo sueco Christer Strömholm (1918-2002). Aunque probablemente hubiese triunfado en el campo de la fotografía de moda, Strömholm dedicó su vida a los fotorreportajes, con los que buscaba ir más allá de la estética y de la captura del instante para adentrarse en las vidas de sus sujetos y abordar temáticas universales como la soledad o el amor. Su serie más conocida, ‘Les Amies de Place Blanche’, nos sumerge en la comunidad de mujeres transgénero que, en los años 60, trabajaba en las calles y los hoteles cerca del barrio Pigalle de París. Nana, sujeto de esta fotografía y protagonista de la serie junto a compañeras como Sabrina, Jacky o Cobra, juega aquí con Strömholm a través de una pose elegante e inusual y nos atrapa con su presencia, ajena a la mirada de un gris transeúnte casi indistinguible del trasfondo urbano.

Fred Herzog, Hombre vendado, 1968

© Fred Herzog, cortesía de Equinox Gallery, Vancouver

La Segunda Guerra Mundial, bombardeos, la muerte de sus padres, el abandono de la escuela, la marina y, finalmente, Canadá. La vida de Fred Herzog (1930) ha sido dura, pero su pasión por Vancouver le ha garantizado un lugar privilegiado en la historia de la fotografía. Fue esta ciudad, a la que llegó en 1953, la que inspiró fotografías a color hoy consideradas pioneras en el campo de la fotografía callejera, ya que se atrevieron a desafiar los convencionalismos del blanco y negro imperantes en el momento. Esta instantánea, Hombre vendado, captura el ambiente de la ciudad costera en los últimos días de su esplendor de neón. El propio Herzog cuenta que no había planeado la fotografía, sino que simplemente había disparado con la cámara en la cadera mientras caminaba, lo que explica que la cabeza del hombre esté cortada. Esto, en lugar de restarle valor a la imagen, le añade interés, logra que nos preguntemos quién será este hombre que parece tan ajeno a su curiosa apariencia.

François Fontaine, Grace Kelly (Atrapa a un ladrón de Alfred Hitchcock, 1955), de la serie “Silenzio!”, 2012

© François Fontaine, cortesía de A. Galerie, París

En el extremo opuesto a las fotografías de la muestra que logran capturar un instante de la vida del siglo XX se encuentra la serie “Silenzio!” de François Fontaine (1968). Este fotógrafo parisino prefiere utilizar su Leica para reflexionar sobre la memoria, los sueños y la fantasía. Por ello, se decidió a congelar las imágenes del cine más influyente desde los años cuarenta hasta la actualidad. Cita como inspiración al escritor checo Milan Kundera, para quien la memoria no fija sus imágenes en movimiento, como el cine, sino mediante fotografías suspendidas en el tiempo. En esta obra la borrosa quietud de la silueta de Grace Kelly despierta en nosotros una asociación inconsciente con la película a la que pertenece, cuyas emociones volvemos a sentir aunque no sepamos por qué, ya que a no ser que leamos el título de la obra, es probable que no lleguemos a sentirnos ciertos de su origen.

Julia Baier, Sin título, de la serie “Desde el aire”, 2014

© Julia Baier

La joven fotógrafa berlinesa Julia Baier (1971) tiene a sus espaldas una corta pero prometedora carrera, marcada por numerosas muestras internacionales y varios premios. Interesada en capturar y dotar de trascendencia el mundo que la rodea, en la serie “Desde el aire”  se decidió, entre otras cosas, a fotografiar su patio trasero, un motivo que se volvió recurrente en su obra. La inusual perspectiva que se nos muestra en esta fotografía es la que puede observarse desde la ventana del baño de Baier, la primera imagen que veía al despertar. Tras encontrar un día un enorme charco que reflejaba el cielo, se dio cuenta de que cada día ese espacio cotidiano presentaba una apariencia diferente y mostraba el paso del tiempo y las huellas de sus vecinos. En esta imagen, tomada tras una nevada, el fuerte contraste del blanco y negro nos hace olvidar que estamos ante un lugar conocido y nos transporta al terreno de lo abstracto, a un cruce de caminos donde lo inesperado se hace posible.

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fuente: espacio.fundaciontelefonica.com/