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Sotheby’s Hong Kong presenta la serie de subastas de obras de arte chinas más importante de la última década

Sotheby’s Hong Kong presenta la serie de subastas de obras de arte chinas más importante de la última década

Hong Kong

Convergencia de las mejores colecciones privadas de los mejores coleccionistas de arte chino del mundo
Dr. Wou Kiuan, Sr. Joseph Lau y Sir Joseph Hotung, y más

(De izquierda a derecha)

La colección privada de Joseph Lau
Un hermoso jarrón ‘Lotus Scroll’ azul y blanco, Meiping, dinastía Ming, período Yongle
Est: 25 a 35 millones de dólares de Hong Kong / 3,2 a 4,5 millones de dólares estadounidenses

La colección del Dr. Wou Kiuan
Un magnífico jarrón reticulado Yangcai ‘Trigrams’ con suelo de rubí,
Marca de sello y período de Qianlong
Est: HK$ 60 – 120 millones / US$ 7,6 – 15,3 millones

La colección personal del difunto Sir Joseph Hotung
Un cargador de ‘pez’ con púas azul y blanco moldeado único y muy importante, dinastía Yuan
Est: HK$ 30 – 50 millones / US$ 3,8 – 6,4 millones

Subasta: 8 – 9 de octubre de 2022

Este octubre, Sotheby’s Hong Kong presenta la serie de ventas de obras de arte chinas más importante con la convergencia de las mejores colecciones privadas de los coleccionistas de arte chinos más grandes del mundo, incluidos el Dr. Wou Kiuan, el Sr. Joseph Lau y Sir Joseph Hotung. El lote estrella de esta temporada es un magnífico jarrón reticulado de “trigramas” yangcai con suelo de rubí del período Qianlong (estimado: HK$ 60 – 120 millones / US$ 7,6 – 15,3 millones) de la colección Dr. Wou Kiuan Parte II, una colección cuidadosamente Venta curada que presenta seis obras maestras del siglo XVIII. La colección de Joseph Lau, que comprende 11 gemas imperiales, ocupa un lugar de honor entre las mejores jamás reunidas en el campo. En el corazón de la colección personal de Sir Joseph Hotung se encuentra una serie de obras maestras que trazan muchos de los picos de la larga historia de China, desde el Neolítico hasta la dinastía Qing. A la sólida lista de colecciones privadas de renombre de esta temporada se suma una selección de jades Ming y Qing de la colección de Victor Shaw y un grupo de obras de arte arcaicas de una importante colección japonesa.

Esta serie de ventas de otoño marca una oportunidad única en la vida para coleccionistas y entusiastas del arte chino. Muy rara vez verá una línea tan superlativa de las colecciones de arte chino más famosas del mundo. Estaremos ofreciendo obras maestras frescas para el mercado en casi todos y cada uno de los campos del arte chino y esta es posiblemente la serie de ventas más esperada que Sotheby’s haya presentado jamás.

NICOLAS CHOW, PRESIDENTE, ASIA Y PRESIDENTE, CHINESE WORKS OF ART

Estas ilustres colecciones privadas no solo muestran el gusto, la visión y la pasión impecables de los coleccionistas de arte chinos más influyentes de este siglo, sino que también ofrecen una ventana a la extraordinaria profundidad y amplitud de las formas de arte chinas.

XIBO WANG, JEFE DEL DEPARTAMENTO DE CERÁMICA Y OBRAS DE ARTE CHINAS

Un viaje a través de la historia de China: la colección del Dr. Wou Kiuan, parte II

Tras el éxito de la Parte I en Nueva York en marzo y el primer capítulo de Hong Kong que batió récords en abril, la venta cuidadosamente seleccionada presenta seis obras maestras del siglo XVIII que muestran el dominio técnico sin precedentes en los hornos imperiales de Jingdezhen, incluido un grupo de porcelanas esmaltadas anteriormente de las reliquias familiares de Fonthill que no han aparecido en el mercado en alrededor de medio siglo. Los aspectos más destacados incluyen un magnífico y posiblemente único jarrón reticulado de “trigramas” yangcai con fondo de rubí de Qianlong, corroborado por los archivos de la corte que se hizo en 1743 o inmediatamente después. El jarrón es un testimonio tangible de la culminación sin precedentes e incomparable del virtuosismo técnico en la producción de porcelana entre 1741 y 1743, impulsada por una reprimenda imperial del emperador Qianlong. (Ensayo del catálogo disponible a pedido)

UN MAGNÍFICO JARRON RETICULADO “TRIGRAMAS” YANGCAI CON SUELO DE RUBÍ,
MARCA DE SELLO Y PERÍODO DE QIANLONG
A. 31 CM
EST: HK$ 60 000 000 – 120 000 000 / US$ 7 644 000 – 15 287 000

Otro punto a destacar también dotado de la procedencia de Fonthill es un magnífico par de jarrones de “mariposa” yangcai magníficamente esmaltados sobre un fondo rosa brillante de una manera imbuida de influencias occidentales y cocidos a la perfección.

UN MAGNÍFICO PAR DE JARROS YANGCAI ‘BUTTERFLY’,
MARCAS DE SELLO Y PERÍODO DE QIANLONG
H 47 CM

EST: HK$ 40 000 000 – 60 000 000 / US$ 5 096 000 – 7 644 000
Gemas de Porcelana Imperial de la Colección Privada de Joseph Lau Parte II

El nombre Joseph Lau resuena entre los coleccionistas de todo el mundo y es uno que representa la excelencia. El arte chino se encuentra en la génesis de la aventura de Joseph Lau con el arte y es en el arte chino donde se fijó en su ojo exigente antes de expandir sus horizontes. Lau reunió una de las mejores colecciones de porcelana china de todos los tiempos, articulada en torno a obras maestras, cada una representativa de lo mejor de un determinado período y tipo, y seleccionadas cuidadosamente de las colecciones más prestigiosas.

Las ofertas de esta temporada incluyen una porcelana azul y blanca muy fina que data del período Yongle a principios del siglo XV, el pináculo de los artículos decorados con azul vidriado y un período muy celebrado por el patrocinio imperial en las artes.

UN FINO JARRON ‘LOTUS SCROLL’ AZUL Y BLANCO, MEIPING,
DINASTÍA MING, PERIODO YONGLE
31,4 cm
EST: HK$ 25 000 000 – 35 000 000 / US$ 3 185 000 – 4 459 000

Este meiping decorado con una voluta de loto es notablemente elegante en su maceta y representa el epítome de esa forma clásica. Se conocen ejemplos similares en los museos del palacio en Beijing y Taipei, así como en las colecciones reales de Oriente Medio de los sultanes otomanos que atestiguan su atractivo universal y su alto estatus.

UN FRASCO DE LUNA FINO Y DESTACADO DOUCAI Y FAMILLE-ROSE ‘SANDUO’,
MARCA DE SELLO Y PERÍODO DE QIANLONG
31,3 cm
EST: HK$ 20 000 000 – 30 000 000 / US$ 2 548 000 – 3 822 000

Este magnífico frasco circular brillantemente esmaltado con frutas representa una combinación particularmente ambiciosa e inusual de los esquemas doucai y fencai, que resalta la fruta madura. El presente ejemplo es superior en todos los aspectos, desde la calidad de la pintura, la riqueza del cobalto, la claridad del vidriado hasta su estado prístino.

Hotung: la colección personal del difunto Sir Joseph Hotung

El difunto Sir Joseph Hotung (1930-2021) fue respetado y reverenciado en el mundo del arte por su colección de jade y por su filantropía. Lo que es mucho menos conocido es su ojo discriminatorio por la calidad y el diseño, y la colección personal formada en su casa de Londres como telón de fondo de su vida, vista solo por unos pocos privilegiados. La serie de ventas dedicadas comienza en Hong Kong con un enfoque en las obras maestras chinas de su colección y se divide en ventas vespertinas y diurnas. Las obras que se ofrecen, que van desde jades neolíticos y bronces de las dinastías Shang-Han hasta muebles de la dinastía Ming y pinturas chinas modernas, cada una representa lo más buscado de su época y tipo. Los aspectos más destacados incluyen un cargador de ‘pez’ de púas azul y blanco moldeado único y muy importante de la dinastía Yuan y una importante y destacada quimera masculina de bronce, bixie, de la dinastía Han, esta última dotada de una prestigiosa procedencia e historia de ilustración que se remonta a tan a principios de la década de 1920 en París.

UN ÚNICO Y MUY IMPORTANTE CARGADOR MOLDEADO CON PÚAS AZUL Y BLANCO ‘FISH’,
DINASTÍA YUAN
47,8 cm
EST: HK$ 30 000 000 – 50 000 000 / US$ 3 822 000 – 6 370 000

Este plato es único y se hizo con una atención al detalle que es excepcional incluso entre este raro grupo de platos moldeados en relieve de la dinastía Yuan. Su decoración en relieve no solo es extraordinariamente nítida y detallada, sino que el popular diseño del pez también se representa aquí de una manera muy individual que conoce pocas comparaciones cercanas. Es una obra maestra que combina los mejores y más raros estilos azul y blanco de Yuan.

UNA IMPORTANTE Y DESTACADA QUIMERA MASCULINA DE BRONCE, BIXIE,
DINASTÍA HAN
L. 27 CM, A. 18 CM
EST: HK$ 6,000,000 – 8,000,000 / US$ 764,500 – 1,019,000

Esta quimera de bronce de la dinastía Han, poderosamente representada con vitalidad y fuerza, es un tour de force de los bronces chinos en su apogeo. Además de la prestigiosa procedencia de Stoclet, la historia de publicación y exhibición de la escultura se remonta a la primera mitad del siglo XX, lo que la distingue de otros bronces arcaicos en manos privadas e incluso de los ejemplos de museo más importantes.

Importante arte chino que incluye jades de la colección Victor Shaw

La subasta de arte chino importante presenta una venta cuidadosamente seleccionada que incluye obras maestras que abarcan cinco milenios, desde el período neolítico hasta la dinastía Qing. Los aspectos más destacados incluyen un gabinete de espejo chenxiang del período Qianlong extremadamente raro y una rana de mármol de la dinastía Shang.

La caja ‘rara’, posiblemente encargada en el año 17 (1752), tiene un espejo flanqueado por dos agujeros circulares a través de los cuales el emperador Qianlong se habría asomado para ver cuadros pintados, uno de los cuales es su más conmovedor y enigmáticamente titulado doble retrato, ‘¿Uno o dos?’ El gabinete de caja poderosamente tallado no solo muestra la influencia del mecanismo occidental en la corte del siglo XVIII en China, sino que es posiblemente el único ejemplo conocido que empleó el emperador Qianlong para reflexionar sobre los matices entre el reflejo literal del yo y la identidad propia.

UN GABINETE ‘RAREE’ CON ESPEJO IMPERIAL CHENXIANGMU IMPORTANTE Y EXCELENTE TALLADO,
DINASTÍA QING, PERÍODO QIANLONG,
POSIBLEMENTE ENCARGADO EN EL AÑO 17 (1752)
75,5 POR 16 POR H. 66 CM
EST: HK$ 5,000,000 – 8,000,000 / US$ 637,000 – 1,019,000

La rana de mármol de la dinastía Shang pertenece a un grupo muy raro de tallas de mármol que marcan los albores de la escultura china. Tallada con tanta habilidad y de forma minimalista, la escultura realmente ha superado la prueba del tiempo en su estética atemporal. También de la misma importante colección japonesa que la rana de mármol hay un grupo de obras de arte arcaicas, que incluyen una empuñadura de espada con incrustaciones de oro y plata espléndidamente decoradas, que tampoco se ha visto en el mercado durante más de 30 años.

UNA EXCELENTE RANA RECESTIDA DE MÁRMOL TALLADO,
DINASTÍA SHANG
25,3 POR 15,4 POR H. 12,5 CM
EST: HK$ 3.000.000 – 4.000.000 / US$ 382.000 – 509.600
UNA EXCEPCIONAL Y ÚNICA EMPUÑADURA DE ESPADA DE BRONCE CON INcrustaciones DE ORO Y PLATA,
ZHOU ORIENTAL TARDÍO – DINASTÍA HAN OCCIDENTAL TEMPRANA
17,5 cm
EST: HK$ 1,500,000 – 2,000,000 / US$ 191,000 – 255,000

La venta también incluye un grupo cuidadosamente seleccionado de jades Ming – Qing de la colección de Victor Shaw (1935-2020), quien fue reconocido no solo por su ojo perspicaz sino también por sus actividades filantrópicas.

UN EXTRAORDINARIO JADE BLANCO ‘JARDÍN Y DAMA’ CALADO BOULDER,
DINASTÍA QING, PERIODO QIANLONG
H 10,8 CM
EST: HK$ 700.000 – 900.000 / US$ 89.000 – 115.000

UN GRUPO ARCHÍSTICO DE JADE BLANCO ‘PATO Y LOTO’,
DINASTÍA QING, SIGLO XVIII
13,8 cm
EST: HK$ 500.000 – 600.000 / US$ 63.700 – 76.500

FOTOGRAPHY & TEXT “Courtesy Sotheby’s”.

 

Japan: Courts and Culture: The Queen's Gallery, Buckingham Palace
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ROYAL COLLECTION TRUST – Japan: Courts and Culture – The Queen’s Gallery, Buckingham Palace

ROYAL COLLECTION TRUST – JAPÓN: CORTES Y CULTURA – GALERÍA DE LA REINA, PALACIO DE BUCKINGHAM

Japón: Cortes y Cultura: Galería de la Reina, Palacio de Buckingham

Esta exposición explora los encuentros reales británicos con Japón durante un período de 350 años.

Desde  armaduras de samurái  enviadas a James I en 1613 hasta un  regalo de coronación  para SM la Reina en 1953, los tesoros japoneses han llegado a la corte británica a través del comercio, los viajes y los tratados.

Cada objeto en exhibición refleja materiales y técnicas particulares de Japón. Excepcionalmente, muchos fueron encargados o presentados por la familia imperial japonesa. Juntos, revelan el intercambio ceremonial, diplomático y artístico que une las dos cortes de Oriente y Occidente.

… un desfile de tesoros exquisito, intrincado y verdaderamente divertido ★★★★

EL TELÉGRAFO

La Colección Real contiene algunos de los ejemplos más significativos dearte y diseño japonés en el mundo occidental. Por primera vez, se reúnen los aspectos más destacados de esta destacada colección para contar la historia de 300 años de intercambio diplomático, artístico y cultural entre las familias reales e imperiales británica y japonesa. La exposición incluye raras piezas de porcelana y laca, armaduras de samuráis, biombos bordados y obsequios diplomáticos de los reinados de Jaime I a Su Majestad la Reina. Juntos, ofrecen una visión única de los mundos de los rituales, el honor y el arte que vinculan las cortes y las culturas de Gran Bretaña y Japón.

Explora la exposición

Descripción

Esta espléndida y discreta armadura fue enviada a James I de Inglaterra por Tokugawa Hidetada, tercer hijo de Tokugawa Ieyasu, quien gobernó como el segundo shōgun de la dinastía Tokugawa de 1605 a 1623. Algunas fuentes han sugerido que la armadura pudo haber pertenecido alguna vez a Takeda Katsuyori (1546 – 82), un  daimyō  que había luchado y perdido contra Tokugawa Ieyasu en la batalla de Tenmokuzan en 1582.La armadura es del tipo envuelto en el cuerpo ( dōmaru ), que gira alrededor del cuerpo y se abrocha a la derecha. El casco con forma de calabaza ( akodanari kabuto ) está firmado por Iwai Yozaemon, uno de los principales armeros de la familia gobernante Tokugawa. Las armaduras de Iwai Yozaemon en otras colecciones reales europeas indican que este fue un obsequio diplomático popular de la familia Tokugawa, fácilmente disponible de una fuente regular y confiable.

El casco tiene una nuca muy ancha, casi plana ( shikoro ), pequeñas vueltas atrás ( fukikaeshi ) y visera ( mabizashi ) decorada en laca dorada con nubes estilizadas. El  casco akodanari  tiene líneas de remaches verticales prominentes y está lacado en negro. Es posible que se haya diseñado un área elevada en la parte posterior del casco para acomodar el  chonmage , el peinado samurái que consistía en una coronilla afeitada con el cabello aceitado y atado en la parte posterior de la cabeza en una cola. Esta forma distintiva de casco fue extremadamente popular durante el período Muromachi (1392-1573) y el estilo tradicional habría atraído a la familia Tokugawa, que era conservadora en sus gustos. La mascarilla ( sōmen) tiene un aspecto temible, aunque posiblemente los bigotes se hayan recortado con el paso de los años.

Gran parte de la armadura está atada con seda roja y azul en un patrón de tablero de ajedrez. Las láminas ( kozane ) son piezas individuales de hierro lacadas y unidas, una técnica conocida como  hon-kozane  (‘verdadero’ kozane), que crea una armadura más flexible.

Continuando con el estilo conservador, las hombreras ( sode ) son muy grandes para una armadura de este período. Las áreas superiores de hierro sólido de la coraza (  ) están decoradas con dragones lacados en oro cuyas lenguas lacadas en rojo persiguen nubes estilizadas, posiblemente simbolizando la perla budista de la iluminación, sobre un fondo de laca negra. Las llantas ( fukurin ) y otros accesorios metálicos son de shakudō grabado y perforado y aleación de cobre dorado. Curiosamente, los pequeños herrajes para sujetar la coraza tienen un discreto motivo de una hoja de paulownia ( kiri ), símbolo imperial adoptado posteriormente por la familia Tokugawa. Las mangas ( kote) están decoradas de manera similar y tienen seda fina, aunque descolorida, con motivos auspiciosos y áreas de malla de hierro. Las grebas ( suneadas ) están decoradas con otras nubes estilizadas en laca dorada sobre negro.

Texto adaptado de  Japón: Cortes y Cultura  (2020).

Procedencia

Enviado a James I por Shōgun Tokugawa Hidetada, 1613

Esta es una de las ‘dos ​​armaduras barnizadas’ entregadas al Capitán John Saris de la Compañía de las Indias Orientales en Edo el 19 de septiembre de 1613. Saris regresó a Plymouth con los obsequios en septiembre de 1614, pero no sobrevive ningún relato de su entrega a James I. Es casi seguro que la pareja fue la primera armadura japonesa en llegar a Gran Bretaña. A mediados del siglo XVII, parece que se separaron, ya que solo se registró uno en la Torre de Londres en 1660. La armadura actual se almacenó en una caja de laca en la Armería del Palacio de St. James, donde fue inventariada en 1649. –51 por el gobierno de la Commonwealth para la venta póstuma de las posesiones de Carlos I. En ese momento, se describió como una ‘Armadura india’ y Major Bas la compró el 23 de octubre de 1651 por 10 libras esterlinas.

Después del Interregno, la armadura se devolvió a la Colección Real, pero abundó la confusión sobre la procedencia de ambas piezas. La armadura de la Torre se describió, por ejemplo, en 1662 como un regalo a Carlos II “del emperador Mougul”, en la India. Todavía en 1916, la armadura actual se confundió con otra en las Armerías Reales que, de hecho, había sido entregada a Felipe II de España en 1585. En ese momento, en realidad estaba montada en la pared del Gran Vestíbulo en el Castillo de Windsor, con otros artículos japoneses de la Colección Real.

Fuente y fotos: ROYAL COLLECTION TRUST

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los Nft, el Criptoarte que está conquistando el mundo oportunidades para artistas y diseñadores

los Nft, el Criptoarte que está conquistando el mundo oportunidades para artistas y diseñadores

Aunque hace años que existe esta tecnología, hasta hace poco no había saltado a la palestra: hablamos de los NFT, en los cuales las inversiones crecieron un 299 % solo en 2020. En efecto, la casa de subastas más importante y conocida del mundo, Christie’s, ha superado la obra digital de Mike «Beeple» Winkelmann, es decir, una recopilación de 5.000 contenidos creados y cargados a lo largo de 5.000 días, que se vendió por 69 millones de dólares. Estas 5.000 obras son totalmente digitales, no existen en el mundo físico, pero se vendieron exactamente igual que si se tratase de un cuadro tradicional.

¿Qué son los NFT? El acrónimo corresponde a Non Fungible Token y, en la práctica, representan un auténtico certificado digital que demuestra la titularidad de un bien gracias al uso de la tecnología blockchain. A diferencia de los billetes de banco de cualquier divisa y de los Bitcoins, que son intercambiables por otros de su mismo tipo y, por tanto, fungibles, los NFT son «fichas» no fungibles, únicas y no intercambiables por otros NFT.

Cada NFT es único y no puede duplicarse. Es verdad que se puede poseer la imagen de una obra comprada como NFT; pero, en este caso, no se posee el original.

En otras palabras, dos monedas de 2 euros son perfectamente iguales: en este caso, lo que cambia es el portador, por lo que podemos decir que son bienes fungibles. Pero un cuadro original es un bien no fungible porque es único, exactamente igual que los NFT (evidentemente, estos en formato digital): quien posee una impresión del cuadro original lo que tiene es evidentemente una reproducción de este, que carece del valor de la obra original.

Incluso un tuit puede convertirse en un NFT

En pocas palabras, los NFT son la manera de certificar que una obra digital es única y original: puede ser un dibujo, un tuit, un vídeo, una imagen jpeg, un GIF y mucho más. Técnicamente, se trata de bloques de datos registrados en la blockchain, es decir, un archivo cifrado que contiene los metadatos que permiten identificar al titular y que describen la «obra» asociada al NFT.

Asimismo, gracias a la tecnología blockchain, se puede supervisar toda la cadena de compra de un solo NFT, que cuenta con una auténtica «firma» del autor. Los NFT más conocidos suelen pagarse en Ether, que está basada en la blockchain Ethereum.

Toda obra digital puede convertirse en NFT

Al igual que se puede crear una obra en forma de cuadro o pieza musical y ponerla a la venta como original, se pueden crear NFT: ya se encargará el mercado —es decir, el interés de alguien en comprarlo— de fijar su valor. Por tanto, todos pueden crear NFT y venderlos, o comprarlos y revenderlos a un precio mayor, siempre que encuentren a algún interesado en gastarse una cantidad superior.

En la web se pueden comprar NFT para todos los gustos: desde estatuillas digitales hasta los llamados «criptogatitos» protagonistas de un juego específico basado en coleccionables; desde ilustraciones hasta piezas musicales.

Hace poco se produjo una especie de especulación, cuando algunos NFT se vendieron a precios que muchos juzgarían «demenciales». Por ejemplo:

  • El yacitado artista Beeple vendió sus 5.000 obras por 69 millones de dó
  • Jack Dorsey, uno de los fundadores de Twitter, vendió su primer tuit por 2,9 millones de dó
  • Cryptopunk #3100, uno de los 10.000 personajes coleccionables, se vendió por 7,6 millones de dó
  • La cantautora Grimes vendió varias de sus obras de arte digital en forma de NFT por 6 millones de dó
  • El conocido meme «Disaster Girl» se vendió en unasubasta por más de 500.000 dó Ahora la protagonista de la foto, Zoe Roth, que entonces tenía 4 años, ha acumulado un considerable patrimonio.
Esta «obra» se vendió por 7,6 millones de dólares

Aunque estos ejemplos son de artistas o personas ya reconocidos y que ya tienen su público, los NFT pueden representar una gran oportunidad para todos los creativos.

Los puntos fuertes y las oportunidades de los NFT

En efecto, la aparición de los NFT supone una gran innovación no solo tecnológica, sino también en el sentido de que es capaz de permitir a creadores de todo tipo trabajar directamente para el público, saltándose las fases intermedias de la venta y, de esa forma, adquiriendo un auténtico poder descentralizado sobre sus propias obras. Una vez tomada conciencia de esto, gracias a los NFT, los artistas pueden:

  • Establecer una conexión directa con las personas interesadas en comprar arte o cualquier otra forma de obra digital, dejando obsoleto el concepto de galería para exponer y dar a conocer las obras.
  • Gracias a esto, muchos artistas pueden experimentar e ir más allá de las tendencias habituales de laindustria delarte digital. Dado que no estamos más que al principio, aún quedan muchos formatos por explorar en el mundo de los NFT.
  • Los artistas pueden recibir regalías para ganar un porcentaje de los beneficios cada vez que su trabajo se vende a un nuevo propietario.

Un ejemplo concreto: la artista canadiense Krista Kim vendió la primera casa digital del mundo en forma de NFT por 500.000 dólares. Gracias a la evolución de la Realidad Aumentada, esta propiedad digital podrá convertirse en un lugar virtual en el que la gente podrá socializar: por tanto, el arte digital va más allá del concepto de obra «estática», convirtiéndose además en un objeto interactivo.

Dónde y cómo crear y vender NFT

Una vez aclarado que un NFT es un nuevo tipo de activo digital no duplicable y original, cuya titularidad queda registrada en la blockchain, hay que saber que para comprarlos y después revenderlos se pueden usar varias divisas. NBA Top Shot, una serie de figurillas live action con los mejores tiros de baloncesto de la historia, por ejemplo, se pueden comprar con tarjeta de crédito. En realidad, para comprar NFT en muchas otras plataformas hay que utilizar alguna forma de criptomoneda.

Sobre todo: ¿dónde se pueden comprar y vender NFT? He aquí algunas plataformas:

  • OpenSea: es probablemente el mayor mercado de NFT, que funciona como una galería online de obras. Opera como una casa de subastas, pero también tiene algunas obras con precio fijo.
  • Rarible: otra plataforma muy conocida de compraventa de NFT. Aquí los artistas pueden crear y cargar sus creaciones entre música, arte digital y coleccionables.
  • SuperRare: aquí los artistas venden trabajos artísticos digitales ú Se define como «un punto medio entre Instagram y Christie’s»
  • Foundation: se centra principalmente en el arte digital.

Estos son solo algunos de los muchísimos mercados virtuales disponibles.

Pero ¿cómo se crean en la práctica los NFT? El proceso requiere algunos pasos fundamentales:

  • Se pueden utilizar programas como Photoshop para crear arte digital que «transformar» en NFT. pero es posible incluso usar fotos que se pueden cargar en las plataformas: la creatividad no tiene lí
  • El siguiente paso consiste en hacerse con un monedero digital (digital wallet) basado en Ethereum, una especie de app de banca online, pero sin el banco, que sirve para enviar y recibir dinero. Se puede crear, por ejemplo, mediante la extensión Chrome MetaMask, que se aconseja usar por la plataforma OpenSea.

  • Después hay que comprar la criptomoneda Ether: se pueden usar distintos tipos de aplicaciones, como Coinbase o Robinhood, pero también la propia MetaMask.
  • Una vez configurado el monedero, puedes ir por ejemplo a Rarible y, en pocos pasos guiados, crear tu NFT. Solo hay que cargar el archivo preseleccionado en formato PNG, GIF, MP3 u otro que ocupe como máximo 30 MB, establecer el precio y las regalías, el título y la descripció
  • Al crearlo y asociarlo a nuestro monedero deberemos pagar comisiones para ponerlo a la venta.

No estamos más que al principio de los NFT: algunos todavía no los consideran más que una «burbuja especulativa», mientras que otros ven en ellos un auténtico renacimiento del arte digital. Solo el tiempo sabrá decirnos qué éxito tendrá este mercado. Mientras tanto, los artistas de todo tipo pueden seguir experimentando.

Fuente:www.pixartprinting.es by 

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Salon Art + Design – The Best Highlights From The NYC Fair

The return of the long-awaited NYC fair, Salon Art + Design happen this year, at the Park Avenue Armory, marking its 10th edition. Inspiration and Ideas will share the best of this year’s edition, so if you weren’t able to attend the event, this is your chance to catch up with one of the most important fairs in NYC for art enthusiasts.

DOWNLOAD THE “ART ISSUE” EBOOK HERE!

Tamagawa Norio at Onishi Gallery

Best Of Salon Art + Design -Tamagawa Norio at Onishi Gallery

A first time for Onishi Gallery at the design and fair, representing contemporary Japanese metalwork artists. Called “The Eternal Beauty of Metal”, the exhibition represented Osumi Yukie’s philosophy. The artist was the first female Living National Treasure in metal art.

Pieter Maes at Les Ateliers Courbet

Best Of Salon Art + Design - Pieter Maes at Les Ateliers Courbet

One of the best debuts at Salon Art & Design was Pieter Maes’s new furniture collection. Sleek, sensual, and fluid pieces were born from the collaboration of the designer with a group of master artisans in Europe using time-honoured techniques. All design enthusiastic got impressed with Maes’s fresh take on timeless forms.

Steen Ipsen at Hostler Burrows

Best Of Salon Art + Design

Ceramic acquires new meaning with Steen Ipsen’s world. The Danish artist crafts hand-built circular, elliptical, and biomorphic shapes. “Matter and Hand: Ten Artists In Denmark” was one of the standout stars on view at Hostler Burrows in New York.

Spin Love at Todd Merrill

Best Of Salon Art + Design

This was the result of the work of 15 talented craftsman people, working across different design categories, who each spent more than seven months making different sections, without knowing how the final piece would turn out. Created by Lionel Jadot, the final eye-catching table, titled Spin Love was the centrepiece at Todd Merrill Studio’s booth.

Ayala Serfaty at Maison Gerard

Best Of Salon Art + Design

Ayala Serfaty has kept leaving a mark in the world of contemporary design, crafting conceptual lights and furniture. The Israeli artist present this upholstery chair at Salon Art & Design, which was crafted with layers of finely woven felt and recalls organic forms of nature, like coral or crystalline rocks.

Liam Lee at Patrick Parrish

Best Of Salon Art + Design

You probably didn’t notice at first sight that the dazzling, brightly coloured forms created by Liam Lee are actually made out of hand-dyed, needle-felted wool. The artist examines the tension between the man-made and the natural environment. This exhibition was one of the best contemporary designs presented at Salon Art & Design last week.

Studio Job at R & Company

Best Of Salon Art + Design

R & Company is already known in the interior design world for its extraordinary collectable design pieces This time, that famous gallery presented a series of large-scale, bronze illuminated sculptures by Studio Job, at Salon Art & Design. Modern and traditional techniques come together in Studio Job’s works to produce one-of-a-kind objects.

Silvia Furmanovich’s Design Debut

Best Of Salon Art + Design

Silvia Furmanovich unravelled her design collection, a tribute to the Amazon. The Brazilian artist adapted her signature use of Brazilian wood marquetry in jewellery into a toadstool stool and a side table inspired by a leaf skeleton as well as beautiful vases, bowls, and mirrors.

DID YOU SALON ART & DESIGN FAIR?

356 C de Janis Joplin por Dave Richards
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Los mejores Art Cars de Porsche

Los mejores art cars de Porsche

Desde el psicodélico 356 de una estrella del rock hasta un Taycan floralmente decorado, hemos reunido algunos de los mejores art cars en la historia de Porsche para rendir homenaje a los brillantes creadores que los convirtieron en realidad.

¿Es un Porsche el lienzo definitivo? Ciertamente, así se lo parece a los innovadores artistas aquí reunidos. Con motivo del lanzamiento del impresionante 968 L’ART, hacemos un repaso de algunos de los mejores ejemplos de art cars (coches artísticos) de Porsche, desde el 911 hasta el Taycan y el 356. Con esta panorámica, descubrimos que hace falta mucho más que una nueva capa de pintura para convertirlos en piezas emblemáticas del arte automovilístico.

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

El 968 L’ART se presentó en la Semana de la Moda de París en 2021.

­Encarnando la conexión entre los vehículos y la moda, este extraordinario coche rediseñado, obra de Arthur Kar y Adrien Leborgne, de L’Art de L’Automobile, transporta un aspecto retro a la era moderna. Presentado en la Semana de la Moda de París de 2021, junto con una colección cápsula a juego (conjunto de prendas y complementos que conforman un vestuario completo), los asistentes vieron cómo los mundos de la moda, el arte y los coches se unían para celebrar el 30º aniversario del 968. El modelo cobra vida en un impresionante color verde perla, con el encanto añadido de que parece tener otras tres tonalidades, dependiendo del ángulo desde el que se mire. TAG Heuer ha creado un cronógrafo a juego para acompañarlo. La eliminación del techo, los asientos Recaro, el cuero gráfico que combina con el color exterior o un sistema de audio a medida diseñado por BOSE son solo algunos de los ejemplos de cómo Arthur y Adrien se inspiraron en los coches clásicos que aman para transformarlo en una declaración contemporánea.

Cisne 996 por Chris Labrooy

El cisne se considera un símbolo de la felicidad en China.

Porsche ha ofrecido al artista digital escocés Chris Labrooy la oportunidad de trasladar una de sus obras de arte digitales al mundo real por primera vez. El resultado es el Cisne 996, que fue diseñado para el aniversario “20 años de Porsche en China”. El Porsche 911 de la generación 996 fue el primer vehículo vendido en China hace dos décadas. En este país, el cisne representa la felicidad. El art car hizo su primera aparición pública en Shanghái a principios de noviembre de 2021 y se dejará ver en otros lugares durante las próximas semanas.

911 Carrera por Nelson Makamo

Taycan Artcar por Richard Phillips

Taycan Artcar por Richard Phillips

Makamo pintó a mano con vivos colores algunos elementos de su 911 convertido en lienzo.

El famoso artista sudafricano Nelson Makamo siempre supo que tendría un Porsche, pero no esperaba la forma en que ocurrió. Tras fantasear desde su infancia con lo que sentiría al tener las llaves de un Porsche, fue un encuentro fortuito con un ejemplar moderno durante una estancia en Western Cape lo que reavivó su sueño. Esto cimentó su compromiso de poseer finalmente un 911 Carrera en color negro azabache. Makamo encargó su primer Porsche con la intención de dejar su huella en su lienzo más inusual hasta la fecha. Pintó a mano varios elementos de su Porsche, desde el paragolpes trasero hasta los asientos, pasando por las inserciones en los paneles de las puertas y las carcasas de los retrovisores laterales. Si nos fijamos bien, encontraremos tres letras “Mma” en el panel de la puerta izquierda, que significa “madre” en su lengua materna, el sepedi. Para Makamo, este art car es el reflejo de su éxito, de las personas importantes que ha conocido y de la esperanza de que su obra despierte la imaginación de los niños de todo el continente africano.

Taycan Artcar por Richard Phillips

Flores y energía eléctrica en el atrevido art car de Richard Phillips.

Este es el tipo de obra de arte que hace que ver cómo se seca la pintura sea un pasatiempo auténticamente divertido. Su autor es el aclamado artista estadounidense Richard Phillips, que ha plasmado su visión en esta segunda piel para el Taycan. La obra cobró vida en Zúrich, creada en directo en el restaurante Leuehof, en la Bahnhofstrasse de Zúrich, en diciembre de 2020. Para esta obra maestra, Phillips aplicó su cuadro de 2010 “Queen of the Night” sobre la carrocería de un Porsche Taycan 4S, donde la exuberante pieza extiende su frondosa y floral disposición desde el capó delantero hasta la parte trasera. Inspirado en la belleza del entorno natural junto con la evocadora silueta del coche, Phillips consiguió otorgar un vínculo con la naturaleza a esta estrella eléctrica. A principios de este año se subastó y todo lo recaudado se donó a una organización sin ánimo de lucro, Suisseculture Sociale, que apoya a los artistas más afectados por la pandemia.

Taycan Artcar por Dale Chihuly

Taycan Artcar por Dale Chihuly

Taycan Artcar por Dale Chihuly

El frondoso Taycan en los célebres Jardines de la Bahía de Singapur.

Otra obra de arte electrizante que cobró vida en 2021: el oasis hortícola de los Jardines de la Bahía de Singapur no solo alberga una variada colección de más de 1,5 millones de plantas, también se convirtió en el hogar temporal de este Taycan decorado con pétalos. Con Porsche como socio automovilístico oficial de la exposición “Vidrio en flor”, del artista estadounidense Dale Chihuly, el público pudo apreciar un deportivo más allá de la necesidad de velocidad. Envuelto en la extraordinaria decoración de la serie “Persas de Chihuly”, compuesta por flores ultra brillantes en una paleta diversa, el coche estuvo más que a la altura de su frondoso entorno. Sobre un pedestal, con el telón de fondo futurista del SG50 Lattice, reflejaba de forma armoniosa el ADN sostenible del Porsche Taycan en medio de un oasis verde orgánico.

Taycan Artcar por SUMO!

El código de color crea la ilusión óptica de un cohete entrando en la atmósfera terrestre.

Con motivo de la inauguración del Porsche Centre Roost, Porsche Luxemburgo decidió crear una obra de arte única sobre el tema del “Futuro” en colaboración con el reconocido artista luxemburgués SUMO!. Primero se desmontó el coche con la ayuda del equipo del Centro Porsche de la capital; luego, las piezas individuales fueron transportadas a un lugar desconocido donde SUMO! podría comenzar su trabajo. Se necesitaron más de cinco meses para completar el proyecto. También se pintaron el habitáculo, el interior de las puertas, las llantas y las llaves del coche. El art car ahora se exhibirá en varios eventos en todo el mundo.

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Las dos obras fueron creadas en apenas dos horas frente a la audiencia en directo.

En una ronda sin precedentes de la Art Battle Canada 2021, se invitó a dos talentos locales del arte urbano moderno a crear diseños únicos para el Porsche Taycan. Y lo hicieron frente a una audiencia en directo, sobre la carrocería del propio automóvil. Al final de la “batalla”, que duró solo dos horas, Rei Misiri se impuso con su interpretación de “diferentes culturas y elementos estéticos de la naturaleza” (Taycan negro) frente a Megan Claire Keho, quien pintó el modelo blanco. Tras el evento, los vehículos se utilizan en viajes de prensa y eventos.

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

El 356 SC personal de Janis Joplin es uno de los primeros ejemplos de art car de Porsche.

La leyenda del rock Janis Joplin cantó “Todos mis amigos conducen Porsches”, pero en realidad ella misma tenía unos cuantos. Compró este coche en 1968, en color Gris Delfín (uno de los nueve disponibles en aquella época), y lo utilizó como medio de transporte diario. Describir el 356 SC de 1964 como un coche con una pintura muy colorida es quedarse corto. Janis pagó a su ayudante, David Richards, 500 dólares para que plasmara en el coche la “Historia del Universo” con casi todos los tonos posibles. Una historia que incluía imágenes de su banda, Big Brother and the Holding Company, paisajes californianos, el ojo de Dios, Capricornio, calaveras, setas y mucho más. El resultado es un vehículo que pide a gritos ser visto. Llegó a ser tan identificativo de su dueña que los fans le dejaban notas bajo el limpiaparabrisas. Cuando lo robaron, en 1969, el ladrón trató de ocultar su delito pintándolo con espray, pero la policía lo atrapó.

Afortunadamente, Richards pudo eliminar esa pintura sin dañar apenas la obra de arte. Trágicamente, Joplin murió en 1970, a la edad de 27 años, solo dos años después de comprar el coche. Su querido Porsche acabó en manos de sus hermanos y uno de ellos, Michael, lo restauró para devolverle su estado original, el Gris Delfín, que se había deteriorado. Luego, en los años 90, se decidió darle de nuevo la gloria psicodélica: su familia encargó a las artistas Jana Mitchell y Amber Owen que replicaran el mural anterior. Después de recorrer museos durante décadas, finalmente se puso a subasta para apoyar a organizaciones benéficas en nombre de su hermana. ¿El precio? La asombrosa cifra de 1,76 millones de dólares, que bate todos los récords de venta de un Porsche 356 en subasta pública. A cambio de esa suma, uno de los art cars más originales de Porsche, en todos los sentidos.

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Daniel Arsham decoró este 911 con vidrio.

Se conoce al artista visual contemporáneo Daniel Arsham por dar vida a objetos inanimados y jugar con el futurismo deconstruido. Tras dibujar coches de Porsche desde su infancia, en 2019 vinculó parte de su propia historia con la de la marca al crear este 911 (992) único y erosionado. El aspecto distópico se consiguió incrustando vidrios en la carrocería, creando un vehículo que no desentonaría en un mundo posapocalíptico. La pieza, que se puede conducir, se expuso en el Selfridges de Londres en 2019, antes de emprender una gira por Asia. Con los objetos contemporáneos sujetos a la transitoriedad, dice Arsham, esta pieza única evoca una sensación de deterioro yuxtapuesta a la decadencia.

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

Haciendo historia en Le Mans: primer art car del mundo que gana la carrera.

Este Porsche 911 RSR es más que una obra de arte: se convirtió en el primer art car de Porsche que ganó las 24 Horas de Le Mans, dentro de la categoría GTE Am, en 2019. Fue el resultado de la estrecha relación entre el artista, Richard Phillips, y el piloto oficial de Porsche, Jörg Bergmeister, para el que Richard había pintado un casco en 2013. Esto dio lugar, seis años después, a diseñar este modelo, en el que el artista utilizó parte de su trabajo existente para proyectar una intrincada decoración en 2D sobre el coche. Los detalles sobredimensionados y los atrevidos colores contrastados hicieron que no fuera necesario estar cerca para apreciar el diseño completo: los espectadores podían seguirlo fácilmente desde lejos. Y él a ellos, gracias al par de “ojos” pintados en su flanco. Este 911 RSR es un modelo para los libros de arte y de historia.

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

Para siempre: el primer Porsche de Ornamental Conifer.

Coches, ropa, incluso vajilla: el artista británico afincado en California Nico Sclater (alias Ornamental Conifer) tiene una maravillosa tipografía a mano alzada para todo ello. Y de todo lo que ha pintado, los coches de Porsche están entre lo más destacado. Las obras de Ornamental Conifer se reconocen por su característica combinación de rótulos de estilo pop art, impregnados de humor y combinados con un inteligente uso de juegos de palabras y giros (frases que el propio artista denomina “Coniferismos”). Hasta la fecha, tres Porsche han sido adornados con su estilo: un 911 de 1977 reconstruido para parecerse a un Carrera 3.0 RS de 1974, un 935 exhibido en el Salón del Automóvil SEMA de Las Vegas, y éste, el primer art car de Ornamental Conifer. Diseñado para un cliente de Texas, el mensaje de este 911 S es audaz y libre: “Quédate lejos para siempre”.

“Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

"Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

“Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

Inspire y espire al compás de un coche artístico Porsche de enormes proporciones.

Se conoce al escultor y pintor austriaco Erwin Wurm por sus obras de arte más grandes que la vida: durante dos décadas, la temática de su colección de enormes esculturas incluye las casas y los coches. En el 20º aniversario de su icónico Fat Car, en 2021, la peculiaridad de Wurm salió a relucir una vez más para dar vida -literalmente- a su primer token no fungible (NFT), titulado “Breathe in, breathe out” (Inspira, espira). El vídeo muestra su interpretación de cómo se vería un 911 inhalando y exhalando. Conocido ya por sus excéntricas representaciones de la vida cotidiana, y con un guiño característico al mirar de reojo a la sociedad de consumo, el estilo desfigurado que se muestra aquí es un ejemplo del inimitable sello de Wurm.

911 Carrera 996 por Biggibilla

911 Carrera 996 por Biggibilla

911 Carrera 996 por Biggibilla

Este 996, que ahora se encuentra en el Museo Porsche, muestra el llamativo diseño indígena australiano de Biggibilla.

Pintado a mano, en 1998, en la sala de exposiciones del Centro Porsche de Melbourne por el artista indígena australiano Graham J Rennie (conocido como Biggibilla), este 911 Carrera (996) se expone ahora con orgullo y de forma permanente en el Museo Porsche de Stuttgart (Alemania). Si visita el palacio de la historia de Porsche podrá contemplar este mural sobre ruedas, con su inquietante evocación del arte de los antiguos.

Cuando se trata de coches artísticos, esta lista demuestra que nunca se tiene demasiado de algo bueno. Como el trabajo de los artistas y diseñadores que quieren reinventar la norma y sublimar lo inusual. Aquí está el pasado, el presente y el futuro de los coches artísticos de Porsche que inspiran y alimentan el fuego de la pasión en el mundo del arte y la automoción.

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HENNESSY X.O UNVEILS A DARING COLLABORATION BETWEEN FRANK GEHRY AND BACCARAT FOR A MATHUSALEM MASTERPIECE

HENNESSY X.O UNVEILS A DARING COLLABORATION BETWEEN FRANK GEHRY AND BACCARAT FOR A MATHUSALEM MASTERPIECE

Thirty unique Mathusalem sculptural decanters entirely handmade at the famed Baccarat factory will be available this October.

Hennessy, the world’s best-selling Cognac, is proud to release an exclusive Mathusalem sculptural masterpiece designed by world-renowned architect Frank Gehry, marking the first time one of his designs is brought to life by Baccarat. After creating 150 limited-edition decanters for Hennessy X.O’s 150th anniversary in 2020, the prolific creator has once again collaborated with Hennessy Maison to design 30 never-to-be-repeated masterpieces, marrying his impressive and daring style with the greatness of Hennessy’s Extra Old Cognac.

“The legendary Frank Gehry’s daring creative vision was one that could only be brought to life by the most talented craftsmen of their kind, the artisans of Baccarat. This, coupled with the legacy of the Hennessy Maison, has resulted in a limited edition of thirty stunningly unique sculptures that prove to be more than just a decanter,” said Laurent Boillot, Hennessy President and Chief Executive Officer. “This design takes Frank Gehry’s signature sculptural style, Baccarat’s know-how, and Hennessy’s daring sensibilities to the next level. With crystal expertly carved in a way that mimics the look of the classic serve of Hennessy X.O over ice, something that provided inspiration to Gehry during the design process, this sculptural masterpiece showcases the richness of the spirit while paying homage to the craftsmanship that goes into making this exquisite product.”

Realized by the luxury French brand Baccarat, the art pieces are the result of a unique savoir-faire combined with the endless creativity of Frank Gehry. The monumental 6-liter Mathusalem decanter emerges in a powerful and daring posture that elicits imagery of melting ice punctuated by the rich color of Cognac Hennessy X.O.

For Frank Gehry, whose passion for the movement of light is at the heart of this new creation, eliciting emotion from those who see his masterpieces signifies the ultimate success. “I actually cried when I saw it, so I hope that it elecits the same emotional response in others who see it maybe because they’ve never seen anything like this,” the world-renowned architect said when speaking about the Mathusalem he designed. “To me, it’s exciting to see something that pushes the boundaries, that has never been done before. I hope what we’ve created lives up to the same passion and craftsmanship that the makers of Hennessy in Cognac put into their product.”

Inspired by a visit to Cognac and the craftsmanship that goes into the making of Cognac Hennessy X.O, Frank Gehry’s striking creation leverages the unique know-how of the Baccarat artisans, handed down from generation to generation since 1764 – a legacy that dates as far back as Maison Hennessy, founded in 1765 -to bring to life his vision that reflects the vitality of the vineyards, the waters of the Charente River running through Cognac, the richness of the Hennessy X.O blend and the ice that it is so well paired with.

When the teams of the manufacture received the design of the monumental bottle, they discovered the incredible challenge given by Frank Gehry. The design and the dimensions of this unique creation presented rare technical complexities which required thirty individual molds to create each unique sculpture. For the craftsmen of Baccarat, holders of unique know-how, no feat is impossible and they were determined to respect the original design and took much pride in working with one of the greatest architects in the world. In close collaboration with Maison Hennessy, real teamwork ensued. From preliminary sketches to the first molds, from the creation of the rocks to the final cut, each step illustrates Baccarat’s excellence, innovation, and creativity. The making of the bottle required the implementation of new techniques, the creation of specific tools and adapted thermal cycles. Several months were needed to shape this sculptural work whose organic and powerful form incorporates the key elements of Baccarat: earth, water, air, fire.

 

The Hennessy X.O Mathusalem by Frank Gehry embodies the passion and perfection of the three collaborators: Frank Gehry, Baccarat and Cognac Hennessy, all in perpetual quest for new challenges and experiences to evoke emotion and lasting impressions.
Valorizing the iconicity of Frank Gehry, the Mathusalem will have a select distribution in exclusive luxury retail and private sale points and will be sold for 150 000 € each.

To learn more about the Hennessy X.O Mathusalem by Frank Gehry, visit Hennesy.com or @Hennessy on Instagram.

ABOUT FRANK GEHRY

Frank Gehry has built an illustrious architectural career that has spanned over six decades. His public and private work throughout the world – including the Bilbao Guggenheim, the Walt Disney Concert Hall in Los Angeles, the Art Gallery of Ontario, Hong Kong’s Opus Tower, and the Fondation Louis Vuitton in Paris – is designed with a shared clear-cut philosophy that people must exist comfortably within his spaces and an insistence that his buildings address the context and culture of their sites. Early in his career, Frank Gehry also began to create both sculpture and furniture, which similarly reflected his love of inventive forms, texture and unexpected materials.
Throughout his illustrious career, Frank Gehry has also received honorary doctoral degrees from such esteemed institutions as the Rhode Island School of Design, Princeton University, and, most recently, the University of Oxford. He has also held teaching positions at many universities, including Harvard, UCLA, and Yale, where he is still teaching. His contribution to architecture has earned Frank Gehry some of its most significant recognitions in the field, including the prestigious Pritzker Architecture Prize, the Friedrich Kiesler Prize and the Presidential Medal of Freedom from Barack Obama. The Hennessy X.O 150th anniversary Masterpiece in September 2020 was Frank Gehry’s first project with Hennessy.

ABOUT BACCARAT

Baccarat (Paris Euronext, BCRA) is French luxury brand internationally renowned as a leader in high-end and exclusive crystal products. Since its foundation in 1764, the company, whose artisanal manufacture is based in Baccarat in the Lorraine region of Eastern France, has been synonymous with a unique savoir-faire and has come to symbolize an inimitable French Art de Vivre. For over 250 years, the brand has inspired leading designers from across the world. Ranging from iconic lighting to unique tableware and decorative ojects, fine jewelry and tailor-made flacons, the brand’s products and tradition of excellence are widely distributed around the globe.
Since December 23, 2020, Baccarat has been indirectly and mainly controlled by Tor Investment Management LP (on behalf of the funds it manages), which controls and holds the majority of the capital of Fortunie Legend Limited Sarl, a company registered in Luxembourg which owns itself 97,1% of the capital and voting rights of Baccarat.

ABOUT HENNESSY

The leader in Cognac, the Maison Hennessy has shone around the world with its exceptional know-how for more than 250 years. Built on founder Richard Hennessy’s spirit of conquest, the brand is present in more than 160 countries. Based in the heart of the Charente region, Hennessy is also a steadfast pillar of the regional economy. The House’s success and longevity are rooted in the excellence of its cognacs, each of which is born of a unique process of transmission of know-how from generation to generation. The first spirits house to be certified ISO 14001, Hennessy unites its capacity for innovation and the support of all of its partners to protect this exceptional area. As a crown jewel of the LVMH Group, Hennessy is a major contributor to French international trade, with 99% of production sold in export, and a worldwide ambassador for the French art de vivre.

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FIAC, Feria Internacional de Arte Contemporáneo

FIAC, Feria Internacional de Arte Contemporáneo

from 21 October 2021 to 24 October 2021

Durante varios días al año, París se convierte en la capital mundial del arte contemporáneo con la FIAC, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Verdadera institución reconocida a nivel mundial, la FIAC es una oportunidad para que el público descubra los últimos avances en el arte contemporáneo, a través de obras de algunos de los artistas más famosos del mundo.

En total, unos 1.500 artistas muestran su obra para que los 75.000 espectadores la vean en los pasillos del Grand Palais Ephémère, los Jardines de las Tullerías, el Musée Eugène Delacroix y la Place Vendôme.

La FIAC es también la ocasión para que un artista residente en Francia, o de origen francés, sea galardonado con el prestigioso Premio Marcel Duchamp, que le otorga un reconocimiento internacional. Como todas las ferias, la FIAC es también un mercado donde las obras de arte cambian de manos y los profesionales se encuentran. Cada año, se especula mucho en la prensa sobre el precio de diversas obras de arte, lo que contribuye a establecer la legitimidad de los artistas.

Audiencia

Todo publico

PRECIOS Y HORARIOS
Precios y horarios

Jueves 21 y viernes 22 de octubre de 12h a 20h; Sábado 23 y domingo 24 de octubre de 12 a 19 h.

40 €. Tarifa reducida: 27 €

LUGAR
Tout París
La capital es el escenario cada año para la organización de grandes eventos culturales, deportivos y festivos … Así parisinos, franceses y turistas se encuentran en los muelles de París para Paris Plages, Nuit Blanche, el Maratón de París, el torneo Roland Garros Grand Slam , el Tour de Francia, los fuegos artificiales del 14 de julio en el Trocadero, la Marcha del Orgullo LGBT, el Techno Parade … ¡Una programación variada durante todo el año!

Palme-dor-2021
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The Palme d’or Chopard, the Artisan of international film-making’s most prestigious award

The Palme d’or

Chopard, the Artisan of international film-making’s

most prestigious award

Every year, the Palme d’or, the Holy Grail of the Seventh Art, is awarded to the best film in the competition at the Cannes International Film Festival. The latest feature film to win it, Parasite by Bong Joon Ho, quite simply rewrote the history of cinema, confirming the absolute prestige and power of this trophy. As a longstanding partner to the Festival, Chopard is proud to accompany this annual launch into orbit of an exceptional talent. Since 1998, the Maison has been the Artisan of the Palme d’or and indeed of all the trophies awarded at the Festival’s closing ceremony.

On May 25th 2019, Bong Joon Ho was awarded the Palme d’or by Catherine Deneuve – having been unanimously chosen by a jury chaired by Alejandro Gonzalez Inarritu – for his film Parasite. Stroking the blue morocco leather case containing the trophy, the overawed and deeply moved South Korean filmmaker admitted: “I was just a timid film buff who decided to become a film director at the age of 12. I never even imagined that I would touch this trophy. And winning the award is more priceless than ever.”

From that magical moment suspended in time, Parasite, a huge hit that reconciled audiences and critics in the same collective euphoria, swept up everything in its path, even conquering Hollywood.

The Palme d’or, a fantastic platform

The phenomenal triumph of Parasite reminded us that being awarded the supreme prize at the Cannes Film Festival offers the most spectacular launch pad for the career of both films and filmmakers in the firmament of the Seventh Art, confirming that the Palme d’or remains the most precious ‘open sesame’ for winning the hearts of the whole world.

After scooping every major award in the world one by one, the film honoured by the Palme d’or ended its wild ride in style by taking home the four most prestigious statuettes at the 2020 Oscars (Best Picture, Best Director, Best Original Screenplay, Best International Film) and by accomplishing two feats at the same time: not only was Parasite the first non-English speaking film to win the Best Picture Oscar, but also the first film to win the Best Picture and Best International Film Oscars together. This is unprecedented in the 92-year history of the American Film Academy! “Since its huge win at Cannes, Parasite has continued to rack up the most prestigious awards and to break records, making it undoubtedly one of the most repeatedly distinguished films in the history of cinema. A historic prize!” enthused Thierry Frémaux, General Delegate of the Cannes Film Festival.

Chopard, partner of the greatest cinematographic adventures

The story began in 1997. During a meeting with Pierre Viot (then President of the Cannes Festival), Caroline Scheufele (Co-President and Artistic Director of Chopard) suggested redesigning the Palme d’or. Symbolically, this keen film lover imagined a heart at the base of the Palme d’or branch presented the following year, giving a new lease on life to the trophy.

Through this thrilling palm, which has symbolised hearts beating in unison for more than 20’ years, a veritable hand-sculpted jewel composed of 19 yellow gold leaves resting on a unique cushion of rock crystal, the Maison Chopard, jeweller of the red carpet and official partner of the Cannes Film Festival since 1998, continues to share its passion for the cinema and its emotions with the entire world.

A shining example of the Maison’s commitment to sustainable luxury, the Palme d’or has been crafted in ethical Fairmined-certified yellow gold since 2014, making it the only ethical trophy in the world of cinema crafted with respect for people and for the environment.

In addition to the Palme d’or for the best film, the Maison’s Haute Joaillerie workshops craft all the trophies – in rock crystal engraved with a palm – awarded to the other winners at the closing ceremony, a traditionally unforgettable evening that opens up the realm of every possibility, as we now know more than ever.

In addition to the Palme d’or, Caroline Scheufele is also behind the Trophée Chopard, awarded each year since 2001 during the Cannes fortnight to an up-and-coming actress and actor, thus helping to shape the future of cinema.

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Galería F. Cervera – Exposición “The Oceanic Art”

Presentamos nuestra exposición “The Oceanic Art”

Disponible desde el 8 de Abril – 8 de Junio 2021 en nuestra Galería.

Recogemos en una de nuestras salas, una selección de 53 piezas procedentes de varias expediciones de la zonas de Oceanía como Papúa Nueva Guinea, Australia, Indonesia y Filipinas.

 

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Centenario del barón Thyssen-Bornemisza. 1921-2021

2021: el año del Barón Thyssen

Se cumplen 100 años del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza

• La conmemoración del centenario cuenta con exposiciones, conferencias, simposio,
acciones educativas…


• El 13 de abril, la entrada al Museo será gratuita

En este 2021, el 13 de abril, se cumplen cien años del nacimiento de Hans Heinrich ThyssenBornemisza (1921-2002) y el Museo que lleva su nombre desde 1992 lo conmemora con una
serie de exposiciones y actividades. La celebración arrancó en octubre con la inauguración de la exposición Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza (que se puede
visitar hasta el 14 de marzo).

“Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza fue, ante todo, una persona prendada por la pintura – explica Juan Ángel López-Manzanares, comisario de la conmemoración de este centenario–. Sin
haber mostrado de joven gran interés por el arte, a lo largo de su vida fue involucrándose más y más activamente en su defensa y promoción. No solo completó la colección de su padre, sino
que la hizo actual con adquisiciones de arte moderno. Asimismo, la abrió al público y facilitó que mucha gente pudiera disfrutar de ella a través de exposiciones y estudios especializados”.

https://www.museothyssen.org/centenario-baron-thyssen-bornemisza-2021

En efecto, el Barón heredó en 1947 una colección de arte que aumentó con obras maestras del arte clásico y, desde 1961, con uno de los mejores conjuntos privados de pintura de los siglos XIX y XX. Quiso que sus obras permanecieran unidas y quiso, también, compartirlas, lo que le llevó a firmar, en 1988, un acuerdo de préstamo –que se convertiría en venta definitiva cinco
años después– de 775 obras al Estado español, germen del Museo Nacional ThyssenBornemisza.

Según López-Manzanares, “su decisión de traer su colección a España –en la que fue determinante el papel de su esposa, Carmen Cervera– constituyó una de las mayores contribuciones modernas a la cultura de nuestro país. Por todo ello, con motivo del centenario de su nacimiento, el Museo quiere expresarle el agradecimiento de todos con un gran homenaje: un año dedicado a su persona, con exposiciones, restauraciones, conferencias, simposios, acciones educativas, vídeos, podcasts…, iniciativas para festejar su gran legado”.

A la ya mencionada exposición dedicada al expresionismo alemán, le seguirán Orfebrería, pinturas y esculturas en la colección del barón Thyssen-Bornemisza (16 marzo de 2021-23 de enero de 2022), Pintura italiana de los siglos XIV al XVIII de la colección del barón Thyssen-Bornemisza en el MNAC (26 de octubre de 2021-9 de enero de 2022) y Arte americano en la colección Thyssen (23 de noviembre de 2021-26 de junio de 2022), todas ellas en las salas de la colección permanente. Además, continuará la exhibición de los retratos del Barón pintados por Lucien Freud.En cuanto a otras actividades, hay que destacar el ciclo de conferencias sobre expresionismo alemán (20 y 27 de enero y 3, 10 y 17 de febrero), los Conversatorios educativos: el barón
Thyssen-Bornemisza como coleccionista (enero-marzo de 2021), el proceso de restauración ante el público de Joven caballero en un paisaje, de Vittore Carpaccio, y la posterior exposición de los
resultados, así como la jornada de puertas abiertas del día 13 de abril, fecha exacta del nacimiento del Barón.

Un simposio, conciertos y otras iniciativas se irán anunciando a lo largo del año y, como el resto de acciones, conformarán el microsite dedicado a este centenario, en el que se publicarán

vídeos, conferencias y otros recursos:
https://www.museothyssen.org/centenario-baron-thyssen-bornemisza-2021
El barón y la baronesa Thyssen-Bornemisza con la escultura Cristo y la Magdalena de Auguste Rodin, Madrid, mayo de 1996

ORFEBRERÍA, PINTURAS Y ESCULTURAS EN LA COLECCIÓN DEL BARÓN THYSSEN-BORNEMISZA
Del 16 marzo de 2021 al 23 de enero de 2022

Como parte de la celebración en 2021 del centenario del barón Thyssen, el museo reúne en sus salas una selección de veinte obras pertenecientes a la colección de Hans Heinrich ThyssenBornemisza antes de que esta se dispersara entre sus herederos y de la instalación de la mayoría de sus pinturas en el palacio de Villahermosa, actual sede del museo. Para esta ocasión,se han elegido diez piezas de orfebrería alemana y holandesa de los siglos XVI y XVII, de altísima calidad; dos esculturas del Renacimiento italiano y alemán; tres espectaculares tallas en cristal de roca del barroco italiano; cuatro lienzos de diversas escuelas artísticas del siglo XVII, y un extraordinario baúl de viaje, con sesenta y seis accesorios en su interior, del siglo XVIII
alemán.

Imagen: Hans Petzoldt. Copa Imhoff, h. 1626. Núremberg, Alemania
Plata sobredorada con relieves y adornos fundidos. Altura: 46,3 cm

PINTURA ITALIANA DE LOS SIGLOS XIV AL XVIII DE LA COLECCIÓN DEL BARÓN THYSSEN-BORNEMISZA EN EL MNAC

Del 26 de octubre de 2021 al 9 de enero de 2022 En 1993 el Museo Thyssen-Bornemisza depositó una sección importante y representativa de pinturas de las escuelas italiana y alemana de sus colecciones en el Monasterio de Pedralbes de Barcelona. En 2004 ese mismo conjunto se trasladó al Museu Nacional d’Art de Catalunya, donde se expone actualmente. Una selección de estas obras llega en octubre al museo con motivo de las celebraciones que tienen lugar en 2021 para conmemorar el nacimiento del barón Hans Heinrich ThyssenBornemisza. Viajan a Madrid, procedentes del depósito, doce pinturas de artistas como Taddeo Gaddi, Fra Angelico, Giambattista Piazzetta o Giacomo Ceruti, que se presentan en las salas de la colección permanente.
Imagen: Giacomo Ceruti (llamado “Il Pittocchetto”). Grupo de mendigos, hacia 1737.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en depósito en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC)

ARTE AMERICANO EN LA COLECCIÓN THYSSEN

Del 23 de noviembre de 2021 al 26 de junio de 2022 Desde principios de la década de 1970 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza se convirtió en un activo coleccionista de arte americano, en especial del paisajismo del siglo XIX. Fruto de ese coleccionismo, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza posee una extensa selección de pintura americana y se ha convertido en punto de
referencia esencial para su conocimiento y estudio en el contexto europeo. Como parte de la celebración en 2021 del centenario del barón Thyssen, el museo presenta en sus salas de la planta baja una reinstalación de alrededor de 170 obras de arte americano, tanto de la colección permanente, como de la colección Carmen Thyssen y de la familia Thyssen. El objetivo es
repensar la actual presentación cronológica y optar por un orden transversal y temático. El énfasis se pondrá en categorías como religión, política, medio ambiente, cultura popular o
vida urbana, para propiciar un mejor conocimiento del arte y la cultura norteamericanos. Con el apoyo de Terra Foundation for American Art.

Imagen: George Inness. Mañana, hacia 1878. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado, 8. 28014 Madrid. Tel. +34 914203944 / +34 913600236
www.museothyssen.org