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Christie’s en Nueva York – La colección de Ron y Diane Disney Miller

Christie's en Nueva York - La colección de Ron y Diane Disney Miller

La colección de Ron y Diane Disney Miller

Ofrecido a la venta este noviembre en Christie’s en Nueva York

Cuando Diane Disney Miller (1933-2013) tenía seis años, llegó a casa de la escuela un día y le preguntó a su padre: ‘¿Eres Walt Disney? ¿El  Walt Disney? cuando él respondió afirmativamente, ella cortésmente le pidió su autógrafo.

Diane Disney Miller era la hija mayor de Walt Disney y dedicó gran parte de su vida a asegurar su legado y reputación. Este noviembre, las pinturas de la Colección Miller de Ron y Diane Disney, incluidas las obras de Wayne Thiebaud , Richard Diebenkorn y Albert Bierstadt , se ofrecen a la venta en Christie’s en Nueva York.

La inocencia juvenil de Diane dice mucho sobre la forma en que el pionero de la industria de la animación estadounidense protegió a su familia de la mirada pública. Para el mundo, Walt Disney (1901-1966) fue un ícono cultural, pero para Diane fue el hombre de familia consumado que, junto con su esposa Lillian, crió a sus dos hijas en su imaginativa visión del mundo.

“Mi padre sería la bruja vieja [de  Blancanieves y los siete enanitos ]”, recordó Diane, “y nos perseguirían a Sharon y a mí por toda la casa”. Cuando Disney iba a trabajar a su estudio los fines de semana, sus hijas a menudo lo acompañaban en sus bicicletas con el trío que se ganó el apodo de ‘Los tres amigos’.

En sus últimos años, Diane miró con cariño la intersección de la vida cotidiana con el arte y la imaginación. “Simplemente corríamos”, dijo sobre los días que pasó con los animadores de su padre, “simplemente corrimos por el estudio … Simplemente seguíamos a [Walt Disney] de una habitación a otra”.

Ron y Diane Disney Miller en la inauguración del Museo de la Familia Walt Disney en San Francisco en 2009. Foto: Drew Alitzer / Getty Images

Las hijas de Disney sirvieron de inspiración para muchas de las mayores innovaciones de su padre, incluida la creación de Disneyland. “Veía familias en [Griffith Park, Los Ángeles] y decía:” No hay nada que los padres puedan hacer … Tienes que tener un lugar donde toda la familia pueda divertirse “.

Las chicas incluso participaron en la creación de la película  Mary Poppins  después de presentar a su padre el libro homónimo en la década de 1940. Marcó el comienzo de la búsqueda de 20 años de Disney para asegurar los derechos cinematográficos de la autora Pamela Lyndon Travers, como se describe en la reciente película biográfica  Saving Mr Banks .

Diane Disney Miller estudió en la Universidad del Sur de California, donde conoció a su futuro esposo, el futbolista de los Troyanos Ron Miller (1933-2019). Después de que Disney fue testigo de cómo su yerno quedaba inconsciente durante un juego, le ofreció un trabajo en el estudio, y Miller subió de rango antes de convertirse en CEO en 1983.

Ron y Diane pasaron seis décadas juntos y criaron a siete hijos, dedicando gran parte de su tiempo a la filantropía, el arte y su  bodega en el valle de Napa . Diane fundó el  Museo de la Familia Walt Disney  en San Francisco y fue instrumental en la creación de la  Sala de Conciertos Walt Disney , hogar de la Filarmónica de Los Ángeles: “ Quería algo que llevara el nombre de mi padre, que vendría de su riqueza pero no sería comercial “, dijo. “Es una cosa maravillosa para la ciudad”.

En muchos sentidos, la impresionante colección de arte de la pareja refleja la vivaz infancia de Diane en Los Ángeles. Las pinturas de Albert Bierstadt (1830-1902) encapsulan el espíritu pionero de California de su padre, mientras que las obras del artista pop Wayne Thiebaud (n. 1920) y el pintor abstracto Richard Diebenkorn (1922-1993) revelan su profunda influencia en una generación de artistas más jóvenes. . Los aspectos más destacados de la colección se muestran a continuación.

Richard Diebenkorn,  Ocean Park # 108

Ocean Park # 108 (1978) de Richard Diebenkorn pertenece a una serie que el artista comenzó en Santa Mónica a fines de la década de 1960. Las pinturas de Ocean Park se inspiraron en su viaje diario al estudio a lo largo de la Pacific Coast Highway, con los colores blanqueados y los suaves tonos ámbar que evocan el brillo del océano y la extensión de la playa, al tiempo que capturan la luz, el espacio y las infinitas posibilidades de La tierra dorada.

Richard Diebenkorn,  Ocean Park # 108, 1978 . Estimación: $ 7,000,000-9,000,000. Ofrecido en la venta nocturna de posguerra y arte contemporáneo el 13 de noviembre en Christie’s New York. Obra © The Richard Diebenkorn Foundation

De hecho, los llamativos resúmenes californianos de Diebenkorn tienen una deuda con Walt Disney. En 1945, durante la Segunda Guerra Mundial, el joven artista fue enviado a Hawai para trabajar en cartografía junto a un grupo amigable de animadores de Disney. Fue allí donde aprendió a traducir imágenes tridimensionales en un plano bidimensional, un elemento clave en sus pinturas posteriores.


Richard Diebenkorn,  esquina del estudio

Richard Diebenkorn,  Rincón de estudio,  1961 . Estimación: $ 1,500,000-2,000,000. Ofrecido en la  venta nocturna de posguerra y arte contemporáneo el 13 de noviembre en Christie’s en Nueva York. Obra © The Richard Diebenkorn Foundation

También se ofrece a la venta de la colección Corner of Studio (1961), que fue pintado casi dos décadas antes en el apogeo del período figurativo de Diebenkorn. Representa el primer estudio del artista en un edificio industrial en ruinas en Oakland, California, que alquiló desde 1958.  

Según el amigo de Diebenkorn, el pintor William Brice, el artista era un inquilino fastidioso: “no le gustaba que nadie se metiera con su estudio, le gustaba el aspecto de su lugar en la continuidad de su vida en él”. La desfiguración de esa continuidad fue una violación ‘. 

Wayne Thiebaud,  Mickey Mouse , 1988 . Estimación: $ 400,000-600,000. Ofrecido en la sesión matutina de posguerra y arte contemporáneo el 14 de noviembre en Christie’s New York. Artwork © 2019 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY

Wayne Thiebaud,  Mickey Mouse

El artista pop Wayne Thiebaud también consideró a Disney como una influencia, ya que comenzó su carrera como animador en los estudios de Disney, dibujando personajes como Jiminy Cricket, Donald Duck y Goofy. Estas fueron las primeras inspiraciones de lo que se convertiría en su característico realismo estilizado en vibrante tecnicolor.

Al igual que Disney, Thiebaud estaba fascinado por las posibilidades pictóricas de los objetos de la vida cotidiana estadounidense, y sus lienzos contarían con pasteles de crema, máquinas de chicles y electrodomésticos modernos. En  Mickey Mouse (1988), el artista tomó el icónico personaje de dibujos animados y agregó drama y complejidad a la imagen, con el resultado evocando la edad de oro de Disney.


Albert Bierstadt,  Las Rocosas Americanas

Albert Bierstadt,  The American Rockies . Estimación: $ 120,000-180,000. Ofrecido en American Art el 20 de noviembre en Christie’s New York

Otros trabajos de la Colección Disney Miller capturan ese espíritu pionero encarnado por Walt Disney. El artista germano-estadounidense Albert Bierstadt (1830-1902) está asociado con el grupo de pintores románticos del siglo XIX conocido como Hudson River School, que buscaba glorificar la naturaleza salvaje del oeste americano.

En la década de 1860, Bierstadt viajó extensamente por las Montañas Rocosas, creando vistas panorámicas del territorio fronterizo para un público estadounidense dispuesto a maravillarse con la magnificencia de su nuevo mundo. Muchos de estos paisajes sublimes ahora se pueden encontrar en los principales museos, incluido el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y la Galería Nacional de Arte de Washington, DC .

Andrew Wyeth,  Oliver’s Cap , 1981. Estimación: $ 3,000,000-5,000,000. Ofrecido en American Art el 20 de noviembre en Christie’s New York. Artwork © 2019 Andrew Wyeth / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Andrew Wyeth,  la gorra de Oliver

Walt Disney fue un narrador supremo, que transfirió a generaciones de niños con sus muy queridos cuentos de hadas. Las pinturas evocadoras del artista realista rural Andrew Wyeth (1917-2009) también cuentan historias, a menudo melancólicas, sobre la psique estadounidense.

Cuando la familia Disney Miller compró  Oliver’s Cap (1981), Wyeth escribió: “ Considero que es una de mis fotos más ricas y personales: este es un retrato de la casa Winfield en la Ruta Uno cerca de Chadds Ford. Cuando era niño, pasaba el domingo por la tarde con mi padre y veía a la familia Winfield reunida en el jardín lateral. Pasaron muchos años y la primavera pasada pasé por este mismo lugar y solo había una sombrilla de playa y una silla vacía. Siento que la pintura cuenta toda la historia.

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Apertura Madrid Gallery Weekend 2019

MADRID GALLERY WEEKEND 2019-

Madrid se convierte en la capital mundial del arte contemporáneo durante la celebración de Apertura Madrid Gallery Weekend, una cita cultural en la que galerías de arte y museos madrileños inauguran simultáneamente y con amplios horarios sus exposiciones. Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todos los públicos tras inscripción por internet.

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Durante cuatro días, Apertura Madrid Gallery Weekend 2019 celebrará su décima edición reafirmándose como el gran evento del mundo del arte tras el verano. Su principal objetivo es acercar al gran público a la creación contemporánea y difundir la escena artística madrileña a nivel internacional.

MADRID GALLERY WEEKEND 2019

En esta nueva edición participarán 49 galerías, que componen la asociación de galerías Arte_Madrid que toman parte de manera habitual en las ferias internacionales más prestigiosas como Art Basel, Frieze, The Armory Show, FIAC, Artissima, Art Basel Miami. Más de 70 nuevos artistas y ya consagrados participarán en las exposiciones que abarcan desde las vanguardias hasta el arte contemporáneo, así como múltiples disciplinas: pintura, fotografía, escultura, instalaciones, etc.

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

El evento atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo que encuentran una selección de gran calidad de obras de artistas españoles y también internacionales que recorren disciplinas como la pintura, escultura o fotografía.

Apertura Gallery Weekend

Apertura Madrid se consolida como uno de los Gallery Weekend más importantes del mundo, solo por detrás de Berlín en número de visitantes.

Las grandes instituciones culturales (Museo Reina Sofía, Museo Thyssen o el Centro del Dos de Mayo, entre otros), junto a la feria ARCOMadrid, programan además actividades paralelas, como visitas guiadas o brunches gratuitos uno de los días a través de las cuales acercar el arte actual al público. Destacan los ARCO Gallerywalk, organizados en colaboración con la feria madrileña, que consisten en visitas guiadas por expertos, que permiten a los visitantes recorrer las galerías y descubrir a sus artistas, y el Programa de Actos, donde cada galería propone un evento especial como una performance, charla, lanzamiento de libro… con el objetivo de acercar el arte a la calle.

MADRID GALLERY WEEKEND 2019-

MADRID GALLERY WEEKEND 2019

El evento  MADRID GALLERY WEEKEND, organizado anualmente por ARTE_MADRID, es una celebración para el arte y la cultura. Cada año, en septiembre, las galerías que forman parte de la asociación celebran el inicio de la temporada artística con la inauguración conjunta de sus exposiciones y con un amplio programa de actividades, visitas a museos y colecciones, encuentros y fiestas en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional.

Madrid es, también, la capital del arte contemporáneo en España. Casi el 50% de las galerías españolas que pertenecen al Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo –la asociación nacional gremial– tienen su sede en la ciudad. 49 locales abiertos al arte más actual.

Apertura Madrid Gallery Weekend

Apertura Madrid Gallery Weekend

En cada edición, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND se convierte en una cita que atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo. Para este evento, las galerías de arte que componen ARTE_MADRID escogen lo mejor de su plantel de artistas tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes.

Apertura 2019 se desarrollará entre el 12 y el 15 de septiembre 2019. Durante esos días, el público podrá acercarse aún más al arte contemporáneo gracias a horarios especiales en las salas participantes, visitas a colecciones privadas, grandes instituciones, fiestas o acciones especiales de las galerías de arte en sus espacios.

En suma, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND convierte cada año a Madrid en el epicentro del arte contemporáneo. Una visita imprescindible en el calendario cultural tanto nacional como internacional.

 

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Algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos

Leonardo da Vinci

Desde el Renacimiento hasta el Arte Pop, aquí están algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos. A diferencia del cine, el arte no es algo que todos entiendan. Por lo tanto, a un artista le cuesta mucho revelarlo en la mente del público y adquirir un crédito por ser brillante.

La verdad es que ser distinguido como artista implica que su trabajo ha sobrevivido a la prueba del tiempo, y eso es válido para nuestra selección de los artistas más famosos considerados aquí, algunos de los cuales se pueden encontrar en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo. de Arte Moderno, el Museo Whitney, el Guggenheim y varias otras áreas. Así que, sin más dilación, aquí está nuestra lista de los artistas más famosos de todos los tiempos.

Andy Warhol

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Comenzando como artista comercial, introdujo el espíritu de la promoción en el arte, incluso yendo tan lejos como para decir: “Hacer dinero es arte”. Tales actitudes borraron las declaraciones existenciales del expresionismo abstracto. Aunque es reconocido por leyendas como Campbell´s Soup, Marilyn Monroe y Elvis Presley, su mayor invento fue él mismo.

Pablo Picasso

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Pablo Picasso es implícitamente sinónimo de arte moderno, y no le duele que se ajuste a la imagen general del genio fugitivo cuyos objetivos están equilibrados por el gusto por vivir a lo grande. Cambió el campo de la historia del arte con innovaciones radicales que incluyen la universidad y el cubismo, que destruyeron el dominio absoluto del material representativo sobre el arte, y fijaron la tasa para otros artistas del siglo XX.

Vincent van Gogh

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Van Gogh es conocido por ser psicológicamente inestable, pero sus artes están entre las más famosas y populares de todos los tiempos. La técnica de Van Gogh de pintar con ráfagas de pinceladas gruesas hechas de colores vivos exprimidos directamente del tubo inspiraría a las generaciones posteriores de artistas.

Leonardo da Vinci

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El Renacimiento original, Leonardo, es conocido como un genio, no solo por sus obras maestras como Mona Lisa, La Última Cena y La Dama con un armiño, sino también por sus diseños de tecnologías (aviones, tanques, automóviles) que fueron quinientos años. en el futuro.

Michelangelo

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Miguel Ángel era una triple amenaza: un pintor (el techo de Sistine), un escultor (el David y Pietà) y el arquitecto (la Basílica de San Pedro en Roma). Haz que sea una advertencia cuádruple ya que él también escribió poesía. Aparte del mencionado techo de Sistine, la basílica de San Pedro y Pietà, estaba su tumba para el Papa Julián II y el diseño para la Biblioteca Laurentiana en la Iglesia de San Lorenzo.

Henri Matisse

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Ningún artista está tan íntimamente ligado a las delicias del color como Henri Matisse. Su trabajo versaba sobre curvas retorcidas enraizadas en las ideas del arte simbólico y se concentraba constantemente en la seductora satisfacción del color y el tono

Jackson Pollock

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Obstaculizado por la adicción, la duda y la incomodidad como pintor convencional, Pollock transformó sus faltas en un período breve pero intenso entre 1947 y 1950, cuando realizó las ideas de goteo que conectaban su fama. Evitando el caballete para colocar sus pinturas sobre el piso, usó pintura de la casa directamente de la lata, arrojando y dejando caer finas capas de pigmento que dejaron un sólido registro de sus movimientos

Edvard Munch

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Grito, tú gritas, todos gritamos por el grito de Munch, la Mona Lisa de la ansiedad. En 2012, una variante pastel de la invocación icónica de la ansiedad moderna de Edvard Munch obtuvo un precio astronómico de 120 millones de dólares en la subasta. La carrera de Munch fue más que una simple pintura.

Claude Monet

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Quizás el artista más conocido en medio de los impresionistas, Monet conquistó las influencias variables de la luz en el panorama mediante brillantes fragmentos de color producidos como trazos pintados rápidamente. Además, sus muchos pensamientos sobre pajares y otros temas anticiparon el uso de la comparación en serie en el arte pop y el minimalismo.

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Rene Magritte

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El nombre René Magritte es ampliamente reconocido por los amantes del arte y los agnósticos, y por una buena razón: transformó por completo nuestras expectativas de lo que es real y lo que no lo es. Cuando alguien describe algo como “surrealista”, es muy probable que una imagen de Magritte aparezca en su cabeza.

Salvador Dalí

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Dalí era efectivamente Warhol antes de que hubiera un Warhol. Como Andy, Dalí cortejó a la celebridad casi como un complemento a su trabajo. Con sus relojes derretidos y sus paisajes espeluznantes, las pinturas de Dalí eran el epítome del surrealismo, y él cultivó una apariencia igualmente extravagante, con un bigote largo y encerado que se parecía a bigotes de gato. Cada vez que el consumado showman, Dalí una vez declaró: “No soy extraño. Simplemente no soy normal “.

Edward Hopper

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Las enigmáticas pinturas de Hopper contemplan el núcleo vacío de la experiencia estadounidense, la alienación y la soledad que representan la otra cara de nuestra devoción religiosa al individualismo y la búsqueda de una felicidad a menudo difícil de alcanzar.

Frida Kahlo

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La artista mexicana y el ícono feminista era una artista de performance de pintura, que utilizaba el medio para exponer sus vulnerabilidades al tiempo que construía una personalidad de sí misma como una encarnación del patrimonio cultural de México. Sus obras más famosas son los muchos autorretratos surrealistas en los que mantiene una relación real, incluso cuando se presenta a sí misma como mártir del sufrimiento personal y físico: angustias arraigadas en una vida de desgracias que incluía contraer polio cuando era niña, sufriendo una catástrofe. Lesión en la adolescencia, y soportar un tumultuoso matrimonio con el artista Diego Rivera.

Yayoi Kusama

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Kusama (nacido en 1929) es uno de los artistas más famosos que trabajan en la actualidad. Su enorme popularidad se debe a sus “Infinity Rooms” espejadas que han demostrado ser irresistibles para los usuarios de Instagram, pero su carrera se remonta a más de seis décadas. Comenzando desde niña, el artista japonés comenzó a sufrir alucinaciones que se manifestaban como destellos de luz o auras, así como campos de puntos y flores que hablaban con ella. Estas experiencias han sido la inspiración para su trabajo, incluidas las salas antes mencionadas, junto con pinturas, esculturas e instalaciones que emplean vívidos y fantásticos patrones de lunares y otros motivos.

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FERIARTE 2018 – Antiguedades exclusivas para una casa contemporánea

FERIARTE 2018

FERIARTE 2018: ANTIGÜEDADES EXCLUSIVAS PARA UNA CASA CONTEMPORÁNEA

Del 17 al 25 de noviembre en IFEMA

#Feriarte2018

FERIARTE 2018 volverá a reunir en Madrid el arte y las antigüedades más exclusivas #Feriarte2018 . En esta ocasión, la feria se celebrará del 17 al 25 de noviembre en el pabellón 3 de IFEMA. Con la participación de más de 90 anticuarios y galerías de arte, que expondrán miles de piezas con más de 100 años, la ciudad volverá a convertirse en punto de encuentro de coleccionistas, profesionales y amantes del arte.

Decenas de anticuarios aportarán la mejor selección de sus piezas. Desde muebles, objetos de decoración, colección y joyas, incluyendo los estilos Art Decó, Art Nouveau, Eduardino, Alfonsino, pintura y escultura, arqueología, Arte Tribal, Precolombino y Oriental. A todo ello se suma la oferta de las galerías, con pintura y escultura contemporánea de artistas de reconocido prestigio.

FERIARTE 2018: ANTIGÜEDADES EXCLUSIVAS PARA UNA CASA CONTEMPORÁNEA Foto FERIARTE 2018: antigüedades exclusivas para una casa contemporánea Del 17 al 25 de noviembre en IFEMA FERIARTE 2018 volverá a reunir en Madrid el arte y las antigüedades más exclusivas. En esta ocasión, la feria se celebrará del 17 al 25 de noviembre en el pabellón 3 de IFEMA. Con la participación de más de 90 anticuarios y galerías de arte, que expondrán miles de piezas con más de 100 años, la ciudad volverá a convertirse en punto de encuentro de coleccionistas, profesionales y amantes del arte. Decenas de anticuarios aportarán la mejor selección de sus piezas. Desde muebles, objetos de decoración, colección y joyas, incluyendo los estilos Art Decó, Art Nouveau, Eduardino, Alfonsino, pintura y escultura, arqueología, Arte Tribal, Precolombino y Oriental. A todo ello se suma la oferta de las galerías, con pintura y escultura contemporánea de artistas de reconocido prestigio. Los visitantes, tanto españoles como de fuera de nuestras fronteras, podrán realizar interesantes compras; obras maestras, objetos excepcionales cuya calidad y autenticidad están aseguradas por un comité de expertos compuesto por más de 40 especialistas en las diferentes disciplinas. Pero FERIARTE no es solo una feria para coleccionistas y museos, sino también para quienes buscan dar un toque elegante y diferente ya que hay muchas maneras de incluir una antigüedad en una casa contemporánea. Porque las antigüedades pueden convivir perfectamente con el diseño más actual. Sólo se trata de combinarlos convenientemente y el resultado hará que los dos elementos resalten todavía más. Desde mobiliario del siglo XVIII, a mesas de diseño del gran decorador Jules Leleu, pasando por la sofisticación de Willy Rizzo y Aldo Tura, la producción artesanal de Fornasetti, y la vanguardista Charlotte Perriand, sin olvidar por supuesto los grandes diseños daneses de, entre otros, Arne Jacobsen. FERIARTE es mucho más que mobiliario. Los visitantes tendrán acceso a una amplísima propuesta de piezas de arqueología de diferentes civilizaciones antiguas; objetos de vidrio de época Art Nouveau de Émile Gallé, pionero del modernismo; joyería antigua con exclusivas pulseras, sortijas, broches, collares o pendientes de s. XIX, época Louis Phillippe. Y, como no, pintura; un recorrido por la historia de las artes plásticas que pondrán al alcance de los ojos obra de uno de los grandes artistas de la historia: El Greco, además de pinturas barrocas de Juan de Valdés Leal, originales de Julio Romero de Torres, Sorolla y Picasso, hasta lo más contemporáneo con Damien Hirst. FERIARTE, con más de cuatro décadas de trayectoria, representa la única feria de arte y antigüedades en España. Una cita en la que la calidad se mantiene como signo de identidad y unos precios muy competitivos en relación al mercado europeo, lo que se traduce en una gran oportunidad para los compradores.

FERIARTE 2018: ANTIGÜEDADES EXCLUSIVAS PARA UNA CASA CONTEMPORÁNEA
Foto FERIARTE 2018: antigüedades exclusivas para una casa contemporánea

Los visitantes, tanto españoles como de fuera de nuestras fronteras, podrán realizar interesantes compras; obras maestras, objetos excepcionales cuya calidad y autenticidad están aseguradas por un comité de expertos compuesto por más de 40 especialistas en las diferentes disciplinas. Pero FERIARTE no es solo una feria para coleccionistas y museos, sino también para quienes buscan dar un toque elegante y diferente ya que hay muchas maneras de incluir una antigüedad en una casa contemporánea. Porque las antigüedades pueden convivir perfectamente con el diseño más actual. Sólo se trata de combinarlos convenientemente y el resultado hará que los dos elementos resalten todavía más.

Desde mobiliario del siglo XVIII, a mesas de diseño del gran decorador Jules Leleu, pasando por la sofisticación de Willy Rizzo y Aldo Tura, la producción artesanal de Fornasetti, y la vanguardista Charlotte Perriand, sin olvidar por supuesto los grandes diseños daneses de, entre otros, Arne Jacobsen.

FERIARTE es mucho más que mobiliario. Los visitantes tendrán acceso a una amplísima propuesta de piezas de arqueología de diferentes civilizaciones antiguas; objetos de vidrio de época Art Nouveau de Émile Gallé, pionero del modernismo; joyería antigua con exclusivas pulseras, sortijas, broches, collares o pendientes de s. XIX, época Louis Phillippe.

FERIARTE, con más de cuatro décadas de trayectoria, representa la única feria de arte y antigüedades en España. Una cita en la que la calidad se mantiene como signo de identidad y unos precios muy competitivos en relación al mercado europeo, lo que se traduce en una gran oportunidad para los compradores.

 

 

 

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ARTE: Leonardo’s Salvator Mundi hace historia de subastas

La obra maestra redescubierta por el maestro del Renacimiento se vende por un histórico de $ 450,312,500, borrando el récord mundial anterior de la obra de arte más cara en una subasta.Venta de noche de arte de posguerra y arte contemporáneototaliza $ 785,942,250

En una noche histórica en Christie’s en Nueva York, Salvator Mundi , una representación de Cristo como ‘Salvador del Mundo’ por uno de los artistas más grandes y famosos de la historia, se vendió por $ 450,312,500 / £ 342,182,751 (incluyendo la prima del comprador), convirtiéndose en el más caro pintura alguna vez vendida en una subasta.

Este impresionante precio refleja la extrema rareza de las pinturas de Leonardo da Vinci: hay menos de 20 en existencia reconocidas como de la propia mano del artista, y todas, aparte de  Salvator Mundi, se   encuentran en colecciones de museos.

El interés mundial en una obra que ha sido aclamada como el mayor redescubrimiento artístico de los últimos 100 años vio una audiencia extasiada de casi 1,000 coleccionistas de arte, marchantes, asesores, periodistas y curiosos en la sala principal de subastas del Rockefeller Center, con muchos miles más sintonización a través de una transmisión en vivo . Desde que   se anunció la venta de Salvator Mundi el 10 de octubre en Christie’s, casi 30,000 personas han acudido a las exposiciones de Christie’s de la ‘Mona Lisa masculina’ en Hong Kong, Londres, San Francisco y Nueva York, la primera vez que se mostró la pintura. para el público en Asia o las Américas.

 

en la histórica exposición 2011-12 de la Galería Nacional de las pinturas sobrevivientes de Leonardo, la muestra más completa de tales obras jamás realizada, selló su aceptación como una obra totalmente autógrafa de Leonardo da Vinci. Esto vino después de más de seis años de minuciosa investigación e investigación para documentar la autenticidad de la pintura. Fue un proceso que comenzó poco después de que se descubriera el trabajo, con vetas excesivamente veladas, confundidas durante mucho tiempo con una copia, en una pequeña subasta regional en los Estados Unidos en 2005. Antes de eso, se consignó a una venta en 1958 en Sotheby’s, donde se vendió por £ 45.

El poseedor anterior del precio récord para una pintura del Viejo Maestro fue Massacre of the Innocents   de Peter Paul Rubens, que se vendió por $ 76,7 millones (£ 49,5 millones) en 2002. El anterior registro de la subasta de Leonardo da Vinci se estableció en Christie’s en 2001 cuando  Horse and Rider , un trabajo en papel, se vendió por $ 11,481,865. El récord anterior de la obra de arte más cara en una subasta se estableció en la misma sala de ventas de Christie, cuando Les Femmes d’Alger (Versión ‘O’)   de Picasso logró $ 179,364,992.

Estos registros se borraron cuando Jussi Pylkkänen, presidente global de Christie, derribó el lote 9 después de una extraordinaria batalla de ofertas que duró poco menos de 20 minutos. El concurso se redujo a dos postores, con los incrementos saltando en un punto de $ 332 millones a $ 350 millones en una sola oferta, y luego, en poco menos de 18 minutos, de $ 370 millones a $ 400 millones. Se oyeron gritos de asombro en la sala de ventas, que dio paso a un aplauso cuando el copresidente de Christie, Alex Rotter, hizo la oferta ganadora por un cliente por teléfono.

“La ambición de todo subastador es vender un Leonardo y probablemente la única oportunidad que tenga”, dijo Pylkkänen. “Es el pináculo de mi carrera hasta ahora. También es maravilloso que un Maestro Antiguo esté en el centro de esa atención. La emoción del público por esta obra de arte ha sido abrumadora y muy alentadora “.

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ARTE: EXPOSICIÓN – EL SURREALISTA MAS GRANDE DE LA HISTORIA, SALVADOR DALI Y EL PADRE DEL ARTE CONCEPTUAL, MARCEL DUCHAMP

ARTE: EXPOSICIÓN – EL SURREALISTA MAS GRANDE DE LA HISTORIA, SALVADOR DALI Y EL PADRE DEL ARTE CONCEPTUAL, MARCEL DUCHAMP

Echa un vistazo a dos gigantes artísticos: el padre del arte conceptual Marcel Duchamp, y el subrealista Salvador Dalí más grande de la historia. Esta es la primera exposición que arroja luz sobre su sorprendente relación y su influencia en el trabajo de ambos artistas.

Londres, 30 ago (EFE).- La Royal Academy Of Arts de Londres

Celebrará desde el próximo 7 de octubre una exposición dedicada a Salvador Dalí (1904-1989) y a Marcel Duchamp (1887-1968), que expondrá los vínculos “estéticos, filosóficos y personales” compartidos por ambos genios.

Lo que alimentó esta amistad aparentemente improbable fue más profundo que sus intereses artísticos compartidos, entre ellos el erotismo, el lenguaje, la óptica y los juegos. Esta exposición original reúne alrededor de 80 obras, entre ellas algunas de las pinturas y esculturas más inspiradas y técnicamente realizadas de Dalí, y los montajes y readymades innovadores de Duchamp.También mostrará las menos familiares: fotografías de Dalí, pinturas de Duchamp, correspondencia y colaboraciones entre los dos artistas.Presentada como una conversación que tiene lugar a través del arte, esta exploración enfocada ofrece nuevas maneras de ver a dos figuras, revisando radicalmente sus lugares familiares en la historia del arte.

A través de la lente de su intrigante amistad, los visitantes obtendrán una nueva perspectiva sobre dos mentes igualmente inventivas, inteligentes e irreverentes. La exposición está comisariada por Dawn Ades y William Jeffett, con Sarah Lea y Desiree de Chair.

La exposición ha sido organizada por la Royal Academy of Arts de Londres y el Museo Dalí de San Petersburgo, Florida, en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí y la Asociación Marcel Duchamp.

Derechos de imagen de Salvador Dalí reservados. Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2016

Todos los precios de los boletos incluyen £ 2.50 para una guía impresa de la galería.

Tenga en cuenta que esta exposición contiene contenido para adultos.

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ARTE: Exposicion – Piedad y terror en Picasso – El camino a Guernica

Piedad y terror en Picasso

5 abril – 4 septiembre, 2017
Con motivo del 80 aniversario de la primera vez que se expuso el “Guernica”, el Museo Reina Sofía de Madrid presenta esta exposición en la que se aborda la visión de Picasso sobre la guerra moderna, así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que esta violencia trae consigo.

El camino a Guernica

5 abril – 4 septiembre, 2017
 
 
 
 
 Todos los viernes y sábados del mes de agosto, y los días 1 y 2 de septiembre, permanecerá abierta hasta las 23.00 h. El Museo Reina Sofía prolongará el horario de apertura al público para poder visitar la exposición Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica hasta las 23:00 horas, todos los viernes y sábados del mes de agosto y los días 1 y 2 de septiembre (el acceso se realizará solo por el edificio Sabatini). Además de esta ampliación de horario, la visita al museo es gratuita a partir de las 19:00 h. de lunes a sábado, y los domingos a partir de las 14.30 h.
La muestra, concebida de forma específica para celebrar el 80 aniversario de la creación del Guernica, de Pablo Ruiz
Picasso, ha recibido desde su inauguración, el día 5 de abril, más de 550.000 visitantes, y puede verse hasta el 4 de
septiembre.
Esta exposición recorre el trabajo del artista malagueño desde los años 20 hasta la realización del mural. Además del
Guernica, que acoge el Reina Sofía desde 1992, se pueden contemplar cerca de 150 obras maestras de Picasso procedentes de la colección del propio
Museo y de más de 30 instituciones de todo el mundo, que han realizado para la ocasión préstamos excepcionales, como Las tres bailarinas (1925) de la Tate de Londres; Mandolina y guitarra (1924) del Guggenheim de Nueva York, Mujer peinándose (1940) del MOMA, Desnudo de pie junto al mar (1929) del Metropolitan Museum o Mujer en el jardín (1930) del Museo Picasso de París, que aporta en total una veintena de piezas.
Visitas guiadas en español e inglés
Todos los jueves y sábados a las 17:00 h y los domingos a las 11:30 h, el Reina Sofía
ofrece una serie de visitas guiadas y comentadas a la exposición en grupos de 25
personas. La inscripción se realiza por estricto orden de llegada desde media hora antes del
comienzo de la visita, acudiendo al punto de encuentro y solicitándola al personal de
información y mediación.
Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica
HORARIO (del 1 de agosto al 4 de septiembre)
– Lunes: 10:00 – 21:00 h *
– Martes: Cerrado
– Miércoles-Jueves: 10:00 – 21:00 h *
– Viernes-Sábado: 10:00 – 23:00 h *
– Domingo: 10:00 – 19:00 h **
* Entrada gratuita desde las 19:00 h
** Entrada gratuita desde las 14:30 h
Edificio Sabatini, Planta 2
Museo Reina Sofía
Comisariado:
Timothy James Clark y Anne M. Wagner
Dirección del proyecto:

Manuel Borja-Villel
Rosario Peiró

Comisarias de Fondo Documental Guernica:

Rosario Peiró
Rocío Robles Tardío

Medios Asociados:

COPE
El País

Debido a la gran afluencia de público en esta exposición, la venta de entradas se realiza por franjas horarias, por lo que recomendamos la compra anticipada. Además ésta ofrece descuento en el precio y ahorra tiempo en el acceso al Museo.

 

http://www.museoreinasofia.es/visita/como-llegar-y-transportes

 

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ARTE: Espectacular Artista – Hiperrealista Omar Ortíz.

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“Desde que comencé a pintar siempre he tratado de representar las cosas lo mas real que puedo, algunas veces lo logro y otras no pero lo que es un hecho es que para mi es muy dificil hacer lo contrario.

Disfruto mucho el reto de reproducir los tonos de la piel con luz natural y los matices que nos brinda, particularmente en ambientes muy iluminados. Me gusta mantener la simplicidad en las piezas ya que creo que los excesos nos vuelven más pobres que ricos.”

Nace en Guadalajara, Jalisco, México en 1977,
donde aun reside. Despierta un gran interés por el dibujo y la ilustración desde temprana edad. Cursa la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica, donde aprende a trabajar con diferentes técnicas como el dibujo, pastel, carboncillo, acuarela, acrílico, y la aerografía.

Al terminar sus estudios de Diseño Gráfico decide dedicarse al mundo de la pintura. En el año 2002 Cursa sus primeras clases de Oleo con la Pintora Carmen Alarcón a la cual considera su principal maestra de Artes Plásticas. Actualmente Pinta al Oleo por considerarla la técnica mas noble.

Un Hiperrealismo – Minimalista donde predomina la figura humana, fondos llenos de textura y un juego mágico de telas, caracterizan su obra.

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