museothyssen 30 años
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza cumple 30 años con un fin de semana de actividades y puertas abiertas

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza cumple 30 años con un fin de semana de actividades y puertas abiertas –

Entrada gratuita el sábado 8 y el domingo 9 de octubre –

Visitas, talleres, debates, música y entrega de premios #VersionaThyssen – Actividades para Amigos en la sala Rodin

El sábado 8 de octubre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza celebra sus tres primeras décadas de vida artística en Madrid y lo hace con un fin de semana de puertas abiertas y actividades gratuitas, que incluyen visitas, talleres, debates, música en directo y la entrega de premios del concurso #VersionaThyssen. Las colecciones permanente y Carmen Thyssen, las exposiciones Arte americano en la colección Thyssen, Los sincromistas, Hiperrealismo en la colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y el montaje especial sobre la restauración de Joven caballero en un paisaje, de Vittore Carpaccio, podrán visitarse gratis los días 8 y 9 de octubre, de 10 a 19 horas, previa reserva de invitaciones a partir de hoy 30 de septiembre. También hoy se pueden reservar las plazas para participar en el resto de las actividades que se han programado.

museothyssen 30 años

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Además, el viernes 7 de octubre, víspera del aniversario, se publicará un nuevo capítulo de Thyssen Podcast centrado en esta celebración. El director artístico, Guillermo Solana, y el director gerente, Evelio Acevedo, mantienen una charla sobre cómo una colección de arte se convirtió en “El museo de todos”.

www.museothyssen.org

 

Auction Debut for Picasso’s Large-Scale Portrait of His Wife, Jacqueline Roque: Femme assise à la galette des rois
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Sotheby’s | Debut en subasta del retrato a gran escala de su esposa de Picasso, Jacqueline Roque: Femme assise à la galette des rois

Sotheby’s | Debut en subasta del retrato a gran escala de su esposa de Picasso, Jacqueline Roque: Femme assise à la galette des rois

Hong Kong

Liderará la subasta nocturna de arte moderno de Sotheby’s en Hong Kong este octubre
*Mantenido en la colección de la misma familia durante más de 50 años y no visto en público durante 30 años*

PABLO PICASSO, FEMME ASSISE À LA GALETTE DES ROIS, 1965, ÓLEO SOBRE LIENZO, 100 X 73 CM.
EST. 60 millones de dólares de Hong Kong – 80 millones/7,7 millones de dólares estadounidenses – 10 millones

Este otoño en Hong Kong, por cuarta temporada consecutiva[1], Sotheby’s volverá a presentar una obra excepcional de Pablo Picasso en Asia. Femme assise à la galette des rois, un retrato cariñoso de la segunda esposa del artista, Jacqueline Roque, debutará en una subasta y no se ha visto en público durante más de treinta años. Encabezará la subasta nocturna de arte moderno de Sotheby’s en Hong Kong el 7 de octubre con un presupuesto de HK$60-80 millones / US$7,7-10 millones.

Picasso conoció a Jacqueline por primera vez en 1952 en el estudio de cerámica Madoura en Vallauris, en el sur de Francia; rápidamente se convirtió en su amante y musa y permanecería a su lado hasta su muerte en 1973. Ninguna otra figura ocupa un lugar más importante en la vida y el arte de Picasso que Jacqueline: de todas las mujeres asociadas con Picasso, Jacqueline sería la que aparecería con mayor frecuencia como su sujeto. Sus rasgos legendarios aparecieron por primera vez en la producción de Picasso en 1954 y las dos décadas siguientes, que el historiador del arte John Richardson llamó “l’epoque Jacqueline”, revelan el papel esencial que desempeñó en la carrera artística tardía de Picasso.

En Femme assise à la galette des rois, aunque la imagen de la modelo ha sido parcialmente abstraída, las cejas oscuras, los párpados bellamente curvados y la nariz firme y recta son inequívocamente los de Jacqueline. Picasso representa a su esposa como una belleza clásica que todo lo ve, investida de un sentido de autoridad real con una corona colocada sobre su cabeza. También se ve a Jacqueline sosteniendo la galette des rois (Pastel del Rey), un pastel horneado tradicionalmente para celebrar la Epifanía, que contiene un pequeño amuleto o figurita en el interior que otorga el apodo de “rey por un día” a quien lo encuentra. Este encantador detalle ofrece una visión personal de la vida del artista y su musa, y evoca una atmósfera de celebración lúdica que resume su vida en pareja.

La paleta vibrante de verde, negro y dorado, y la naturaleza comparativamente formal de la postura de Jacqueline, reflejan la influencia en Picasso de los viejos maestros como Velázquez. A lo largo de la década de 1960, Picasso recurrió reiteradamente a la reinterpretación e investigación de los artistas del pasado que veneraba, proceso a través del cual reafirmó su linaje con algunos de los más grandes pintores de la historia del arte. Estos logros fueron posibles gracias a la amorosa compañía de Jacqueline, quien inspiró muchas de sus composiciones más significativas de la época.

Femme assise à la galette des rois sale a subasta de una colección privada suiza y ha permanecido en posesión de la misma familia durante más de 50 años. En 1988 (hasta 1989), la pintura se incluyó en la gran retrospectiva de Picasso en el Moderna Museet de Estocolmo. Ahora, unas tres décadas después, el público tendrá una vez más la oportunidad esperada de apreciar la pintura visualmente impresionante de Picasso de las mujeres que significaron tanto para él.

La obra se presentará junto con una selección de pinturas de maestros modernos de renombre internacional, incluida Peinture 195 x 130 cm, 3 décembre 1956 de Pierre Soulages, una rara composición a gran escala del artista abstracto, Personnage dans la nuit – de Joan Miró, una sorprendente obra colorida con los motivos icónicos de Miró, Branches de Sanyu, una de las pinturas de flores más grandes del artista, y 15.02.65 de Zao Wou-Ki, una obra fundamental de su aclamado Período de huracanes.

 

AVANCE

2 – 7 de octubre de 2022

Pabellón 1, Centro de exposiciones y convenciones de Hong Kong 
SUBASTA

Subasta nocturna moderna

7 de octubre de 2022

Pabellón 1, Centro de exposiciones y convenciones de Hong Kong

[1] Abril de 2021: Buste de matador, vendido por 140 millones de dólares de Hong Kong; Octubre de 2021: Femme Accroupie, vendida por 192 millones de dólares de Hong Kong; Abril de 2022: Dora Maar, vendida por 169 millones de dólares de Hong Kong

 

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Sotheby’s – Picasso’s Rapturous 1932 Homage to Marie-Thérèse Walter

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los Nft, el Criptoarte que está conquistando el mundo oportunidades para artistas y diseñadores

los Nft, el Criptoarte que está conquistando el mundo oportunidades para artistas y diseñadores

Aunque hace años que existe esta tecnología, hasta hace poco no había saltado a la palestra: hablamos de los NFT, en los cuales las inversiones crecieron un 299 % solo en 2020. En efecto, la casa de subastas más importante y conocida del mundo, Christie’s, ha superado la obra digital de Mike «Beeple» Winkelmann, es decir, una recopilación de 5.000 contenidos creados y cargados a lo largo de 5.000 días, que se vendió por 69 millones de dólares. Estas 5.000 obras son totalmente digitales, no existen en el mundo físico, pero se vendieron exactamente igual que si se tratase de un cuadro tradicional.

¿Qué son los NFT? El acrónimo corresponde a Non Fungible Token y, en la práctica, representan un auténtico certificado digital que demuestra la titularidad de un bien gracias al uso de la tecnología blockchain. A diferencia de los billetes de banco de cualquier divisa y de los Bitcoins, que son intercambiables por otros de su mismo tipo y, por tanto, fungibles, los NFT son «fichas» no fungibles, únicas y no intercambiables por otros NFT.

Cada NFT es único y no puede duplicarse. Es verdad que se puede poseer la imagen de una obra comprada como NFT; pero, en este caso, no se posee el original.

En otras palabras, dos monedas de 2 euros son perfectamente iguales: en este caso, lo que cambia es el portador, por lo que podemos decir que son bienes fungibles. Pero un cuadro original es un bien no fungible porque es único, exactamente igual que los NFT (evidentemente, estos en formato digital): quien posee una impresión del cuadro original lo que tiene es evidentemente una reproducción de este, que carece del valor de la obra original.

Incluso un tuit puede convertirse en un NFT

En pocas palabras, los NFT son la manera de certificar que una obra digital es única y original: puede ser un dibujo, un tuit, un vídeo, una imagen jpeg, un GIF y mucho más. Técnicamente, se trata de bloques de datos registrados en la blockchain, es decir, un archivo cifrado que contiene los metadatos que permiten identificar al titular y que describen la «obra» asociada al NFT.

Asimismo, gracias a la tecnología blockchain, se puede supervisar toda la cadena de compra de un solo NFT, que cuenta con una auténtica «firma» del autor. Los NFT más conocidos suelen pagarse en Ether, que está basada en la blockchain Ethereum.

Toda obra digital puede convertirse en NFT

Al igual que se puede crear una obra en forma de cuadro o pieza musical y ponerla a la venta como original, se pueden crear NFT: ya se encargará el mercado —es decir, el interés de alguien en comprarlo— de fijar su valor. Por tanto, todos pueden crear NFT y venderlos, o comprarlos y revenderlos a un precio mayor, siempre que encuentren a algún interesado en gastarse una cantidad superior.

En la web se pueden comprar NFT para todos los gustos: desde estatuillas digitales hasta los llamados «criptogatitos» protagonistas de un juego específico basado en coleccionables; desde ilustraciones hasta piezas musicales.

Hace poco se produjo una especie de especulación, cuando algunos NFT se vendieron a precios que muchos juzgarían «demenciales». Por ejemplo:

  • El yacitado artista Beeple vendió sus 5.000 obras por 69 millones de dó
  • Jack Dorsey, uno de los fundadores de Twitter, vendió su primer tuit por 2,9 millones de dó
  • Cryptopunk #3100, uno de los 10.000 personajes coleccionables, se vendió por 7,6 millones de dó
  • La cantautora Grimes vendió varias de sus obras de arte digital en forma de NFT por 6 millones de dó
  • El conocido meme «Disaster Girl» se vendió en unasubasta por más de 500.000 dó Ahora la protagonista de la foto, Zoe Roth, que entonces tenía 4 años, ha acumulado un considerable patrimonio.
Esta «obra» se vendió por 7,6 millones de dólares

Aunque estos ejemplos son de artistas o personas ya reconocidos y que ya tienen su público, los NFT pueden representar una gran oportunidad para todos los creativos.

Los puntos fuertes y las oportunidades de los NFT

En efecto, la aparición de los NFT supone una gran innovación no solo tecnológica, sino también en el sentido de que es capaz de permitir a creadores de todo tipo trabajar directamente para el público, saltándose las fases intermedias de la venta y, de esa forma, adquiriendo un auténtico poder descentralizado sobre sus propias obras. Una vez tomada conciencia de esto, gracias a los NFT, los artistas pueden:

  • Establecer una conexión directa con las personas interesadas en comprar arte o cualquier otra forma de obra digital, dejando obsoleto el concepto de galería para exponer y dar a conocer las obras.
  • Gracias a esto, muchos artistas pueden experimentar e ir más allá de las tendencias habituales de laindustria delarte digital. Dado que no estamos más que al principio, aún quedan muchos formatos por explorar en el mundo de los NFT.
  • Los artistas pueden recibir regalías para ganar un porcentaje de los beneficios cada vez que su trabajo se vende a un nuevo propietario.

Un ejemplo concreto: la artista canadiense Krista Kim vendió la primera casa digital del mundo en forma de NFT por 500.000 dólares. Gracias a la evolución de la Realidad Aumentada, esta propiedad digital podrá convertirse en un lugar virtual en el que la gente podrá socializar: por tanto, el arte digital va más allá del concepto de obra «estática», convirtiéndose además en un objeto interactivo.

Dónde y cómo crear y vender NFT

Una vez aclarado que un NFT es un nuevo tipo de activo digital no duplicable y original, cuya titularidad queda registrada en la blockchain, hay que saber que para comprarlos y después revenderlos se pueden usar varias divisas. NBA Top Shot, una serie de figurillas live action con los mejores tiros de baloncesto de la historia, por ejemplo, se pueden comprar con tarjeta de crédito. En realidad, para comprar NFT en muchas otras plataformas hay que utilizar alguna forma de criptomoneda.

Sobre todo: ¿dónde se pueden comprar y vender NFT? He aquí algunas plataformas:

  • OpenSea: es probablemente el mayor mercado de NFT, que funciona como una galería online de obras. Opera como una casa de subastas, pero también tiene algunas obras con precio fijo.
  • Rarible: otra plataforma muy conocida de compraventa de NFT. Aquí los artistas pueden crear y cargar sus creaciones entre música, arte digital y coleccionables.
  • SuperRare: aquí los artistas venden trabajos artísticos digitales ú Se define como «un punto medio entre Instagram y Christie’s»
  • Foundation: se centra principalmente en el arte digital.

Estos son solo algunos de los muchísimos mercados virtuales disponibles.

Pero ¿cómo se crean en la práctica los NFT? El proceso requiere algunos pasos fundamentales:

  • Se pueden utilizar programas como Photoshop para crear arte digital que «transformar» en NFT. pero es posible incluso usar fotos que se pueden cargar en las plataformas: la creatividad no tiene lí
  • El siguiente paso consiste en hacerse con un monedero digital (digital wallet) basado en Ethereum, una especie de app de banca online, pero sin el banco, que sirve para enviar y recibir dinero. Se puede crear, por ejemplo, mediante la extensión Chrome MetaMask, que se aconseja usar por la plataforma OpenSea.

  • Después hay que comprar la criptomoneda Ether: se pueden usar distintos tipos de aplicaciones, como Coinbase o Robinhood, pero también la propia MetaMask.
  • Una vez configurado el monedero, puedes ir por ejemplo a Rarible y, en pocos pasos guiados, crear tu NFT. Solo hay que cargar el archivo preseleccionado en formato PNG, GIF, MP3 u otro que ocupe como máximo 30 MB, establecer el precio y las regalías, el título y la descripció
  • Al crearlo y asociarlo a nuestro monedero deberemos pagar comisiones para ponerlo a la venta.

No estamos más que al principio de los NFT: algunos todavía no los consideran más que una «burbuja especulativa», mientras que otros ven en ellos un auténtico renacimiento del arte digital. Solo el tiempo sabrá decirnos qué éxito tendrá este mercado. Mientras tanto, los artistas de todo tipo pueden seguir experimentando.

Fuente:www.pixartprinting.es by 

ARCO MADRID CON BANG & OLUFSEN
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EL ARTE DE SONIDO EN ARCO CON BANG & OLUFSEN

EL ARTE DE SONIDO EN ARCO CON BANG & OLUFSEN

Como muestra de nuestra pasión por el arte, este año hemos brindado nuestro apoyo y colaboración a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid ofreciendo una experiencia VIP inmersiva a prensa, influencers y amigos de la firma. Los auriculares Beoplay H95, una joya creada por la firma en celebración a su 95 aniversario, fueron los encargados de sumergir a los invitados en las obras artísticas durante una visita guiada.

ARCO MADRID CON BANG & OLUFSEN

ARCO MADRID CON BANG & OLUFSEN

B&O tiene el honor de ser la única firma de tecnología mundial en estar estrechamente vinculada con el arte. Alguno de sus icónicos productos, considerados piezas de herencia musical están expuestos en museos tan importantes como el MOMA de NY.

El mundo del arte se está transformando con propuestas multisensoriales que impactan en el individuo de forma impactante. La firma danesa quiere impulsar el arte inmersivo, ofreciendo el audio más exquisito a obras artísticas visuales para generar una experiencia completa.

Sumergirse en el arte del sonido.

Bang & Olufsen ha sintetizado todo su buen saber hacer en materia de sonido diseño y artesanía para ofrecer los auriculares más exclusivos del mercado. Beoplay H95 es muestra de la más alta calidad de sonido, comodidad, materiales nobles y una duración de batería imbatible.

Beoplay H95 utiliza materiales nobles como el aluminio anodizado y auténtica piel de cordero. Además su diseño está centrado en la comodidad y la ligereza, porque un buen ajuste es esenciar para disfrutar de una experiencia de escucha imbatible.

Las almohadillas tienen un ajuste superior gracias a su forma ovalada y almohadillas con memoria se ajustan perfectamente al contorno de las orejas. Un peso ligero de apenas 330g garantiza un uso continuado sin notar presión ni molestias.

Los auriculares se basan en su impresionante reducción pasiva del ruido con la más avanzada Cancelación Activa del Ruido (ANC) de todos los auriculares Bang & Olufsen, que es a la vez ajustable y adaptable. El rendimiento de la ANC se basa totalmente en el procesamiento digital y utiliza tanto un micrófono de avance como uno de retroalimentación para reducir el ruido al máximo. La sintonización y las pruebas del procesamiento del ANC se realizaron en condiciones reales, así como en el Laboratorio Acústico Virtual (VR Lab) de Bang & Olufsen en Struer, donde los ingenieros son capaces de emular una variedad de condiciones de ruido diferentes que van desde los aviones, las estaciones de tren, los espacios de oficina y el ruido de la calle.

Además Beoplay H95 es fácil y elegante de transportar. Consta de brazos plegables que disminuyen su volumen hasta alcanzar un tamaño pequeño perfectamente adaptable a su estuche con cubierta de alumino.

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Hiperreal, Alex Katz y Picasso y Chanel: 2022 en el Museo Thyssen

Hiperreal, Alex Katz y Picasso y Chanel:

2022 en el Museo Thyssen

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la temporada expositiva del año 2022, que incluye propuestas que van desde Hiperreal. El arte del trampantojo, con un recorrido temático por el género del siglo XV al XXI, a Picasso y Chanel, centrada en la relación entre los dos grandes creadores, pasando por la retrospectiva de Alex Katz, pintor norteamericano precursor del arte pop. Además, continúan las colaboraciones con Thyssen-Bornemisza Contemporary Art (TBA21) para exponer obras contemporáneas en el museo, con las instalaciones de los artistas Ragnar Kjartansson y Himali Singh Soin, y el Programa Kora, por el que cada año se presenta una exposición concebida desde la perspectiva de género.
Exposiciones temporales planta baja
Hiperreal. El arte del trampantojo: Del 16 de marzo al 22 de mayo
Alex Katz: del 14 de junio al 11 de septiembre
Picasso y Chanel: del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero 2023
En colaboración con TBA21
Ragnar Kjartansson. Paisajes emocionales: del 22 de febrero al 26 de junio
Himali Sighn Soin: de 25 de octubre de 2022 al 22 de enero de 2023
Programa Kora
Carla Hayes Mayoral. Memorias mestizas: del 14 de febrero al 15 de mayo
356 C de Janis Joplin por Dave Richards
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Los mejores Art Cars de Porsche

Los mejores art cars de Porsche

Desde el psicodélico 356 de una estrella del rock hasta un Taycan floralmente decorado, hemos reunido algunos de los mejores art cars en la historia de Porsche para rendir homenaje a los brillantes creadores que los convirtieron en realidad.

¿Es un Porsche el lienzo definitivo? Ciertamente, así se lo parece a los innovadores artistas aquí reunidos. Con motivo del lanzamiento del impresionante 968 L’ART, hacemos un repaso de algunos de los mejores ejemplos de art cars (coches artísticos) de Porsche, desde el 911 hasta el Taycan y el 356. Con esta panorámica, descubrimos que hace falta mucho más que una nueva capa de pintura para convertirlos en piezas emblemáticas del arte automovilístico.

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

968 L’ART por L’Art de L’Automobile

El 968 L’ART se presentó en la Semana de la Moda de París en 2021.

­Encarnando la conexión entre los vehículos y la moda, este extraordinario coche rediseñado, obra de Arthur Kar y Adrien Leborgne, de L’Art de L’Automobile, transporta un aspecto retro a la era moderna. Presentado en la Semana de la Moda de París de 2021, junto con una colección cápsula a juego (conjunto de prendas y complementos que conforman un vestuario completo), los asistentes vieron cómo los mundos de la moda, el arte y los coches se unían para celebrar el 30º aniversario del 968. El modelo cobra vida en un impresionante color verde perla, con el encanto añadido de que parece tener otras tres tonalidades, dependiendo del ángulo desde el que se mire. TAG Heuer ha creado un cronógrafo a juego para acompañarlo. La eliminación del techo, los asientos Recaro, el cuero gráfico que combina con el color exterior o un sistema de audio a medida diseñado por BOSE son solo algunos de los ejemplos de cómo Arthur y Adrien se inspiraron en los coches clásicos que aman para transformarlo en una declaración contemporánea.

Cisne 996 por Chris Labrooy

El cisne se considera un símbolo de la felicidad en China.

Porsche ha ofrecido al artista digital escocés Chris Labrooy la oportunidad de trasladar una de sus obras de arte digitales al mundo real por primera vez. El resultado es el Cisne 996, que fue diseñado para el aniversario “20 años de Porsche en China”. El Porsche 911 de la generación 996 fue el primer vehículo vendido en China hace dos décadas. En este país, el cisne representa la felicidad. El art car hizo su primera aparición pública en Shanghái a principios de noviembre de 2021 y se dejará ver en otros lugares durante las próximas semanas.

911 Carrera por Nelson Makamo

Taycan Artcar por Richard Phillips

Taycan Artcar por Richard Phillips

Makamo pintó a mano con vivos colores algunos elementos de su 911 convertido en lienzo.

El famoso artista sudafricano Nelson Makamo siempre supo que tendría un Porsche, pero no esperaba la forma en que ocurrió. Tras fantasear desde su infancia con lo que sentiría al tener las llaves de un Porsche, fue un encuentro fortuito con un ejemplar moderno durante una estancia en Western Cape lo que reavivó su sueño. Esto cimentó su compromiso de poseer finalmente un 911 Carrera en color negro azabache. Makamo encargó su primer Porsche con la intención de dejar su huella en su lienzo más inusual hasta la fecha. Pintó a mano varios elementos de su Porsche, desde el paragolpes trasero hasta los asientos, pasando por las inserciones en los paneles de las puertas y las carcasas de los retrovisores laterales. Si nos fijamos bien, encontraremos tres letras “Mma” en el panel de la puerta izquierda, que significa “madre” en su lengua materna, el sepedi. Para Makamo, este art car es el reflejo de su éxito, de las personas importantes que ha conocido y de la esperanza de que su obra despierte la imaginación de los niños de todo el continente africano.

Taycan Artcar por Richard Phillips

Flores y energía eléctrica en el atrevido art car de Richard Phillips.

Este es el tipo de obra de arte que hace que ver cómo se seca la pintura sea un pasatiempo auténticamente divertido. Su autor es el aclamado artista estadounidense Richard Phillips, que ha plasmado su visión en esta segunda piel para el Taycan. La obra cobró vida en Zúrich, creada en directo en el restaurante Leuehof, en la Bahnhofstrasse de Zúrich, en diciembre de 2020. Para esta obra maestra, Phillips aplicó su cuadro de 2010 “Queen of the Night” sobre la carrocería de un Porsche Taycan 4S, donde la exuberante pieza extiende su frondosa y floral disposición desde el capó delantero hasta la parte trasera. Inspirado en la belleza del entorno natural junto con la evocadora silueta del coche, Phillips consiguió otorgar un vínculo con la naturaleza a esta estrella eléctrica. A principios de este año se subastó y todo lo recaudado se donó a una organización sin ánimo de lucro, Suisseculture Sociale, que apoya a los artistas más afectados por la pandemia.

Taycan Artcar por Dale Chihuly

Taycan Artcar por Dale Chihuly

Taycan Artcar por Dale Chihuly

El frondoso Taycan en los célebres Jardines de la Bahía de Singapur.

Otra obra de arte electrizante que cobró vida en 2021: el oasis hortícola de los Jardines de la Bahía de Singapur no solo alberga una variada colección de más de 1,5 millones de plantas, también se convirtió en el hogar temporal de este Taycan decorado con pétalos. Con Porsche como socio automovilístico oficial de la exposición “Vidrio en flor”, del artista estadounidense Dale Chihuly, el público pudo apreciar un deportivo más allá de la necesidad de velocidad. Envuelto en la extraordinaria decoración de la serie “Persas de Chihuly”, compuesta por flores ultra brillantes en una paleta diversa, el coche estuvo más que a la altura de su frondoso entorno. Sobre un pedestal, con el telón de fondo futurista del SG50 Lattice, reflejaba de forma armoniosa el ADN sostenible del Porsche Taycan en medio de un oasis verde orgánico.

Taycan Artcar por SUMO!

El código de color crea la ilusión óptica de un cohete entrando en la atmósfera terrestre.

Con motivo de la inauguración del Porsche Centre Roost, Porsche Luxemburgo decidió crear una obra de arte única sobre el tema del “Futuro” en colaboración con el reconocido artista luxemburgués SUMO!. Primero se desmontó el coche con la ayuda del equipo del Centro Porsche de la capital; luego, las piezas individuales fueron transportadas a un lugar desconocido donde SUMO! podría comenzar su trabajo. Se necesitaron más de cinco meses para completar el proyecto. También se pintaron el habitáculo, el interior de las puertas, las llantas y las llaves del coche. El art car ahora se exhibirá en varios eventos en todo el mundo.

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Taycan Artcars por Megan Claire Keho y Rei Misiri

Las dos obras fueron creadas en apenas dos horas frente a la audiencia en directo.

En una ronda sin precedentes de la Art Battle Canada 2021, se invitó a dos talentos locales del arte urbano moderno a crear diseños únicos para el Porsche Taycan. Y lo hicieron frente a una audiencia en directo, sobre la carrocería del propio automóvil. Al final de la “batalla”, que duró solo dos horas, Rei Misiri se impuso con su interpretación de “diferentes culturas y elementos estéticos de la naturaleza” (Taycan negro) frente a Megan Claire Keho, quien pintó el modelo blanco. Tras el evento, los vehículos se utilizan en viajes de prensa y eventos.

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

356 C de Janis Joplin por Dave Richards

El 356 SC personal de Janis Joplin es uno de los primeros ejemplos de art car de Porsche.

La leyenda del rock Janis Joplin cantó “Todos mis amigos conducen Porsches”, pero en realidad ella misma tenía unos cuantos. Compró este coche en 1968, en color Gris Delfín (uno de los nueve disponibles en aquella época), y lo utilizó como medio de transporte diario. Describir el 356 SC de 1964 como un coche con una pintura muy colorida es quedarse corto. Janis pagó a su ayudante, David Richards, 500 dólares para que plasmara en el coche la “Historia del Universo” con casi todos los tonos posibles. Una historia que incluía imágenes de su banda, Big Brother and the Holding Company, paisajes californianos, el ojo de Dios, Capricornio, calaveras, setas y mucho más. El resultado es un vehículo que pide a gritos ser visto. Llegó a ser tan identificativo de su dueña que los fans le dejaban notas bajo el limpiaparabrisas. Cuando lo robaron, en 1969, el ladrón trató de ocultar su delito pintándolo con espray, pero la policía lo atrapó.

Afortunadamente, Richards pudo eliminar esa pintura sin dañar apenas la obra de arte. Trágicamente, Joplin murió en 1970, a la edad de 27 años, solo dos años después de comprar el coche. Su querido Porsche acabó en manos de sus hermanos y uno de ellos, Michael, lo restauró para devolverle su estado original, el Gris Delfín, que se había deteriorado. Luego, en los años 90, se decidió darle de nuevo la gloria psicodélica: su familia encargó a las artistas Jana Mitchell y Amber Owen que replicaran el mural anterior. Después de recorrer museos durante décadas, finalmente se puso a subasta para apoyar a organizaciones benéficas en nombre de su hermana. ¿El precio? La asombrosa cifra de 1,76 millones de dólares, que bate todos los récords de venta de un Porsche 356 en subasta pública. A cambio de esa suma, uno de los art cars más originales de Porsche, en todos los sentidos.

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Erosión cristalina 911 por Daniel Arsham

Daniel Arsham decoró este 911 con vidrio.

Se conoce al artista visual contemporáneo Daniel Arsham por dar vida a objetos inanimados y jugar con el futurismo deconstruido. Tras dibujar coches de Porsche desde su infancia, en 2019 vinculó parte de su propia historia con la de la marca al crear este 911 (992) único y erosionado. El aspecto distópico se consiguió incrustando vidrios en la carrocería, creando un vehículo que no desentonaría en un mundo posapocalíptico. La pieza, que se puede conducir, se expuso en el Selfridges de Londres en 2019, antes de emprender una gira por Asia. Con los objetos contemporáneos sujetos a la transitoriedad, dice Arsham, esta pieza única evoca una sensación de deterioro yuxtapuesta a la decadencia.

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

911 RSR Le Mans por Richard Phillips

Haciendo historia en Le Mans: primer art car del mundo que gana la carrera.

Este Porsche 911 RSR es más que una obra de arte: se convirtió en el primer art car de Porsche que ganó las 24 Horas de Le Mans, dentro de la categoría GTE Am, en 2019. Fue el resultado de la estrecha relación entre el artista, Richard Phillips, y el piloto oficial de Porsche, Jörg Bergmeister, para el que Richard había pintado un casco en 2013. Esto dio lugar, seis años después, a diseñar este modelo, en el que el artista utilizó parte de su trabajo existente para proyectar una intrincada decoración en 2D sobre el coche. Los detalles sobredimensionados y los atrevidos colores contrastados hicieron que no fuera necesario estar cerca para apreciar el diseño completo: los espectadores podían seguirlo fácilmente desde lejos. Y él a ellos, gracias al par de “ojos” pintados en su flanco. Este 911 RSR es un modelo para los libros de arte y de historia.

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

911 S de 1970 por Ornamental Conifer

Para siempre: el primer Porsche de Ornamental Conifer.

Coches, ropa, incluso vajilla: el artista británico afincado en California Nico Sclater (alias Ornamental Conifer) tiene una maravillosa tipografía a mano alzada para todo ello. Y de todo lo que ha pintado, los coches de Porsche están entre lo más destacado. Las obras de Ornamental Conifer se reconocen por su característica combinación de rótulos de estilo pop art, impregnados de humor y combinados con un inteligente uso de juegos de palabras y giros (frases que el propio artista denomina “Coniferismos”). Hasta la fecha, tres Porsche han sido adornados con su estilo: un 911 de 1977 reconstruido para parecerse a un Carrera 3.0 RS de 1974, un 935 exhibido en el Salón del Automóvil SEMA de Las Vegas, y éste, el primer art car de Ornamental Conifer. Diseñado para un cliente de Texas, el mensaje de este 911 S es audaz y libre: “Quédate lejos para siempre”.

“Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

"Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

“Fat car“ NFT por Erwin Wurm*

Inspire y espire al compás de un coche artístico Porsche de enormes proporciones.

Se conoce al escultor y pintor austriaco Erwin Wurm por sus obras de arte más grandes que la vida: durante dos décadas, la temática de su colección de enormes esculturas incluye las casas y los coches. En el 20º aniversario de su icónico Fat Car, en 2021, la peculiaridad de Wurm salió a relucir una vez más para dar vida -literalmente- a su primer token no fungible (NFT), titulado “Breathe in, breathe out” (Inspira, espira). El vídeo muestra su interpretación de cómo se vería un 911 inhalando y exhalando. Conocido ya por sus excéntricas representaciones de la vida cotidiana, y con un guiño característico al mirar de reojo a la sociedad de consumo, el estilo desfigurado que se muestra aquí es un ejemplo del inimitable sello de Wurm.

911 Carrera 996 por Biggibilla

911 Carrera 996 por Biggibilla

911 Carrera 996 por Biggibilla

Este 996, que ahora se encuentra en el Museo Porsche, muestra el llamativo diseño indígena australiano de Biggibilla.

Pintado a mano, en 1998, en la sala de exposiciones del Centro Porsche de Melbourne por el artista indígena australiano Graham J Rennie (conocido como Biggibilla), este 911 Carrera (996) se expone ahora con orgullo y de forma permanente en el Museo Porsche de Stuttgart (Alemania). Si visita el palacio de la historia de Porsche podrá contemplar este mural sobre ruedas, con su inquietante evocación del arte de los antiguos.

Cuando se trata de coches artísticos, esta lista demuestra que nunca se tiene demasiado de algo bueno. Como el trabajo de los artistas y diseñadores que quieren reinventar la norma y sublimar lo inusual. Aquí está el pasado, el presente y el futuro de los coches artísticos de Porsche que inspiran y alimentan el fuego de la pasión en el mundo del arte y la automoción.

Christie's en Nueva York - La colección de Ron y Diane Disney Miller
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Christie’s en Nueva York – La colección de Ron y Diane Disney Miller

La colección de Ron y Diane Disney Miller

Ofrecido a la venta este noviembre en Christie’s en Nueva York

Cuando Diane Disney Miller (1933-2013) tenía seis años, llegó a casa de la escuela un día y le preguntó a su padre: ‘¿Eres Walt Disney? ¿El  Walt Disney? cuando él respondió afirmativamente, ella cortésmente le pidió su autógrafo.

Diane Disney Miller era la hija mayor de Walt Disney y dedicó gran parte de su vida a asegurar su legado y reputación. Este noviembre, las pinturas de la Colección Miller de Ron y Diane Disney, incluidas las obras de Wayne Thiebaud , Richard Diebenkorn y Albert Bierstadt , se ofrecen a la venta en Christie’s en Nueva York.

La inocencia juvenil de Diane dice mucho sobre la forma en que el pionero de la industria de la animación estadounidense protegió a su familia de la mirada pública. Para el mundo, Walt Disney (1901-1966) fue un ícono cultural, pero para Diane fue el hombre de familia consumado que, junto con su esposa Lillian, crió a sus dos hijas en su imaginativa visión del mundo.

“Mi padre sería la bruja vieja [de  Blancanieves y los siete enanitos ]”, recordó Diane, “y nos perseguirían a Sharon y a mí por toda la casa”. Cuando Disney iba a trabajar a su estudio los fines de semana, sus hijas a menudo lo acompañaban en sus bicicletas con el trío que se ganó el apodo de ‘Los tres amigos’.

En sus últimos años, Diane miró con cariño la intersección de la vida cotidiana con el arte y la imaginación. “Simplemente corríamos”, dijo sobre los días que pasó con los animadores de su padre, “simplemente corrimos por el estudio … Simplemente seguíamos a [Walt Disney] de una habitación a otra”.

Ron y Diane Disney Miller en la inauguración del Museo de la Familia Walt Disney en San Francisco en 2009. Foto: Drew Alitzer / Getty Images

Las hijas de Disney sirvieron de inspiración para muchas de las mayores innovaciones de su padre, incluida la creación de Disneyland. “Veía familias en [Griffith Park, Los Ángeles] y decía:” No hay nada que los padres puedan hacer … Tienes que tener un lugar donde toda la familia pueda divertirse “.

Las chicas incluso participaron en la creación de la película  Mary Poppins  después de presentar a su padre el libro homónimo en la década de 1940. Marcó el comienzo de la búsqueda de 20 años de Disney para asegurar los derechos cinematográficos de la autora Pamela Lyndon Travers, como se describe en la reciente película biográfica  Saving Mr Banks .

Diane Disney Miller estudió en la Universidad del Sur de California, donde conoció a su futuro esposo, el futbolista de los Troyanos Ron Miller (1933-2019). Después de que Disney fue testigo de cómo su yerno quedaba inconsciente durante un juego, le ofreció un trabajo en el estudio, y Miller subió de rango antes de convertirse en CEO en 1983.

Ron y Diane pasaron seis décadas juntos y criaron a siete hijos, dedicando gran parte de su tiempo a la filantropía, el arte y su  bodega en el valle de Napa . Diane fundó el  Museo de la Familia Walt Disney  en San Francisco y fue instrumental en la creación de la  Sala de Conciertos Walt Disney , hogar de la Filarmónica de Los Ángeles: “ Quería algo que llevara el nombre de mi padre, que vendría de su riqueza pero no sería comercial “, dijo. “Es una cosa maravillosa para la ciudad”.

En muchos sentidos, la impresionante colección de arte de la pareja refleja la vivaz infancia de Diane en Los Ángeles. Las pinturas de Albert Bierstadt (1830-1902) encapsulan el espíritu pionero de California de su padre, mientras que las obras del artista pop Wayne Thiebaud (n. 1920) y el pintor abstracto Richard Diebenkorn (1922-1993) revelan su profunda influencia en una generación de artistas más jóvenes. . Los aspectos más destacados de la colección se muestran a continuación.

Richard Diebenkorn,  Ocean Park # 108

Ocean Park # 108 (1978) de Richard Diebenkorn pertenece a una serie que el artista comenzó en Santa Mónica a fines de la década de 1960. Las pinturas de Ocean Park se inspiraron en su viaje diario al estudio a lo largo de la Pacific Coast Highway, con los colores blanqueados y los suaves tonos ámbar que evocan el brillo del océano y la extensión de la playa, al tiempo que capturan la luz, el espacio y las infinitas posibilidades de La tierra dorada.

Richard Diebenkorn,  Ocean Park # 108, 1978 . Estimación: $ 7,000,000-9,000,000. Ofrecido en la venta nocturna de posguerra y arte contemporáneo el 13 de noviembre en Christie’s New York. Obra © The Richard Diebenkorn Foundation

De hecho, los llamativos resúmenes californianos de Diebenkorn tienen una deuda con Walt Disney. En 1945, durante la Segunda Guerra Mundial, el joven artista fue enviado a Hawai para trabajar en cartografía junto a un grupo amigable de animadores de Disney. Fue allí donde aprendió a traducir imágenes tridimensionales en un plano bidimensional, un elemento clave en sus pinturas posteriores.


Richard Diebenkorn,  esquina del estudio

Richard Diebenkorn,  Rincón de estudio,  1961 . Estimación: $ 1,500,000-2,000,000. Ofrecido en la  venta nocturna de posguerra y arte contemporáneo el 13 de noviembre en Christie’s en Nueva York. Obra © The Richard Diebenkorn Foundation

También se ofrece a la venta de la colección Corner of Studio (1961), que fue pintado casi dos décadas antes en el apogeo del período figurativo de Diebenkorn. Representa el primer estudio del artista en un edificio industrial en ruinas en Oakland, California, que alquiló desde 1958.  

Según el amigo de Diebenkorn, el pintor William Brice, el artista era un inquilino fastidioso: “no le gustaba que nadie se metiera con su estudio, le gustaba el aspecto de su lugar en la continuidad de su vida en él”. La desfiguración de esa continuidad fue una violación ‘. 

Wayne Thiebaud,  Mickey Mouse , 1988 . Estimación: $ 400,000-600,000. Ofrecido en la sesión matutina de posguerra y arte contemporáneo el 14 de noviembre en Christie’s New York. Artwork © 2019 Wayne Thiebaud / Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), NY

Wayne Thiebaud,  Mickey Mouse

El artista pop Wayne Thiebaud también consideró a Disney como una influencia, ya que comenzó su carrera como animador en los estudios de Disney, dibujando personajes como Jiminy Cricket, Donald Duck y Goofy. Estas fueron las primeras inspiraciones de lo que se convertiría en su característico realismo estilizado en vibrante tecnicolor.

Al igual que Disney, Thiebaud estaba fascinado por las posibilidades pictóricas de los objetos de la vida cotidiana estadounidense, y sus lienzos contarían con pasteles de crema, máquinas de chicles y electrodomésticos modernos. En  Mickey Mouse (1988), el artista tomó el icónico personaje de dibujos animados y agregó drama y complejidad a la imagen, con el resultado evocando la edad de oro de Disney.


Albert Bierstadt,  Las Rocosas Americanas

Albert Bierstadt,  The American Rockies . Estimación: $ 120,000-180,000. Ofrecido en American Art el 20 de noviembre en Christie’s New York

Otros trabajos de la Colección Disney Miller capturan ese espíritu pionero encarnado por Walt Disney. El artista germano-estadounidense Albert Bierstadt (1830-1902) está asociado con el grupo de pintores románticos del siglo XIX conocido como Hudson River School, que buscaba glorificar la naturaleza salvaje del oeste americano.

En la década de 1860, Bierstadt viajó extensamente por las Montañas Rocosas, creando vistas panorámicas del territorio fronterizo para un público estadounidense dispuesto a maravillarse con la magnificencia de su nuevo mundo. Muchos de estos paisajes sublimes ahora se pueden encontrar en los principales museos, incluido el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y la Galería Nacional de Arte de Washington, DC .

Andrew Wyeth,  Oliver’s Cap , 1981. Estimación: $ 3,000,000-5,000,000. Ofrecido en American Art el 20 de noviembre en Christie’s New York. Artwork © 2019 Andrew Wyeth / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Andrew Wyeth,  la gorra de Oliver

Walt Disney fue un narrador supremo, que transfirió a generaciones de niños con sus muy queridos cuentos de hadas. Las pinturas evocadoras del artista realista rural Andrew Wyeth (1917-2009) también cuentan historias, a menudo melancólicas, sobre la psique estadounidense.

Cuando la familia Disney Miller compró  Oliver’s Cap (1981), Wyeth escribió: “ Considero que es una de mis fotos más ricas y personales: este es un retrato de la casa Winfield en la Ruta Uno cerca de Chadds Ford. Cuando era niño, pasaba el domingo por la tarde con mi padre y veía a la familia Winfield reunida en el jardín lateral. Pasaron muchos años y la primavera pasada pasé por este mismo lugar y solo había una sombrilla de playa y una silla vacía. Siento que la pintura cuenta toda la historia.

MADRID GALLERY WEEKEND 2019-
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Apertura Madrid Gallery Weekend 2019

Madrid se convierte en la capital mundial del arte contemporáneo durante la celebración de Apertura Madrid Gallery Weekend, una cita cultural en la que galerías de arte y museos madrileños inauguran simultáneamente y con amplios horarios sus exposiciones. Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todos los públicos tras inscripción por internet.

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Durante cuatro días, Apertura Madrid Gallery Weekend 2019 celebrará su décima edición reafirmándose como el gran evento del mundo del arte tras el verano. Su principal objetivo es acercar al gran público a la creación contemporánea y difundir la escena artística madrileña a nivel internacional.

MADRID GALLERY WEEKEND 2019

En esta nueva edición participarán 49 galerías, que componen la asociación de galerías Arte_Madrid que toman parte de manera habitual en las ferias internacionales más prestigiosas como Art Basel, Frieze, The Armory Show, FIAC, Artissima, Art Basel Miami. Más de 70 nuevos artistas y ya consagrados participarán en las exposiciones que abarcan desde las vanguardias hasta el arte contemporáneo, así como múltiples disciplinas: pintura, fotografía, escultura, instalaciones, etc.

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

Apertura-Madrid-Gallery-Weekend

El evento atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo que encuentran una selección de gran calidad de obras de artistas españoles y también internacionales que recorren disciplinas como la pintura, escultura o fotografía.

Apertura Gallery Weekend

Apertura Madrid se consolida como uno de los Gallery Weekend más importantes del mundo, solo por detrás de Berlín en número de visitantes.

Las grandes instituciones culturales (Museo Reina Sofía, Museo Thyssen o el Centro del Dos de Mayo, entre otros), junto a la feria ARCOMadrid, programan además actividades paralelas, como visitas guiadas o brunches gratuitos uno de los días a través de las cuales acercar el arte actual al público. Destacan los ARCO Gallerywalk, organizados en colaboración con la feria madrileña, que consisten en visitas guiadas por expertos, que permiten a los visitantes recorrer las galerías y descubrir a sus artistas, y el Programa de Actos, donde cada galería propone un evento especial como una performance, charla, lanzamiento de libro… con el objetivo de acercar el arte a la calle.

MADRID GALLERY WEEKEND 2019-

MADRID GALLERY WEEKEND 2019

El evento  MADRID GALLERY WEEKEND, organizado anualmente por ARTE_MADRID, es una celebración para el arte y la cultura. Cada año, en septiembre, las galerías que forman parte de la asociación celebran el inicio de la temporada artística con la inauguración conjunta de sus exposiciones y con un amplio programa de actividades, visitas a museos y colecciones, encuentros y fiestas en la línea de los eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional.

Madrid es, también, la capital del arte contemporáneo en España. Casi el 50% de las galerías españolas que pertenecen al Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo –la asociación nacional gremial– tienen su sede en la ciudad. 49 locales abiertos al arte más actual.

Apertura Madrid Gallery Weekend

Apertura Madrid Gallery Weekend

En cada edición, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND se convierte en una cita que atrae a coleccionistas, expertos y comisarios de todo el mundo. Para este evento, las galerías de arte que componen ARTE_MADRID escogen lo mejor de su plantel de artistas tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes.

Apertura 2019 se desarrollará entre el 12 y el 15 de septiembre 2019. Durante esos días, el público podrá acercarse aún más al arte contemporáneo gracias a horarios especiales en las salas participantes, visitas a colecciones privadas, grandes instituciones, fiestas o acciones especiales de las galerías de arte en sus espacios.

En suma, APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND convierte cada año a Madrid en el epicentro del arte contemporáneo. Una visita imprescindible en el calendario cultural tanto nacional como internacional.

 

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Leonardo da Vinci
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Algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos

Desde el Renacimiento hasta el Arte Pop, aquí están algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos. A diferencia del cine, el arte no es algo que todos entiendan. Por lo tanto, a un artista le cuesta mucho revelarlo en la mente del público y adquirir un crédito por ser brillante.

La verdad es que ser distinguido como artista implica que su trabajo ha sobrevivido a la prueba del tiempo, y eso es válido para nuestra selección de los artistas más famosos considerados aquí, algunos de los cuales se pueden encontrar en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo. de Arte Moderno, el Museo Whitney, el Guggenheim y varias otras áreas. Así que, sin más dilación, aquí está nuestra lista de los artistas más famosos de todos los tiempos.

Andy Warhol

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Comenzando como artista comercial, introdujo el espíritu de la promoción en el arte, incluso yendo tan lejos como para decir: “Hacer dinero es arte”. Tales actitudes borraron las declaraciones existenciales del expresionismo abstracto. Aunque es reconocido por leyendas como Campbell´s Soup, Marilyn Monroe y Elvis Presley, su mayor invento fue él mismo.

Pablo Picasso

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Pablo Picasso es implícitamente sinónimo de arte moderno, y no le duele que se ajuste a la imagen general del genio fugitivo cuyos objetivos están equilibrados por el gusto por vivir a lo grande. Cambió el campo de la historia del arte con innovaciones radicales que incluyen la universidad y el cubismo, que destruyeron el dominio absoluto del material representativo sobre el arte, y fijaron la tasa para otros artistas del siglo XX.

Vincent van Gogh

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Van Gogh es conocido por ser psicológicamente inestable, pero sus artes están entre las más famosas y populares de todos los tiempos. La técnica de Van Gogh de pintar con ráfagas de pinceladas gruesas hechas de colores vivos exprimidos directamente del tubo inspiraría a las generaciones posteriores de artistas.

Leonardo da Vinci

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El Renacimiento original, Leonardo, es conocido como un genio, no solo por sus obras maestras como Mona Lisa, La Última Cena y La Dama con un armiño, sino también por sus diseños de tecnologías (aviones, tanques, automóviles) que fueron quinientos años. en el futuro.

Michelangelo

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Miguel Ángel era una triple amenaza: un pintor (el techo de Sistine), un escultor (el David y Pietà) y el arquitecto (la Basílica de San Pedro en Roma). Haz que sea una advertencia cuádruple ya que él también escribió poesía. Aparte del mencionado techo de Sistine, la basílica de San Pedro y Pietà, estaba su tumba para el Papa Julián II y el diseño para la Biblioteca Laurentiana en la Iglesia de San Lorenzo.

Henri Matisse

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Ningún artista está tan íntimamente ligado a las delicias del color como Henri Matisse. Su trabajo versaba sobre curvas retorcidas enraizadas en las ideas del arte simbólico y se concentraba constantemente en la seductora satisfacción del color y el tono

Jackson Pollock

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Obstaculizado por la adicción, la duda y la incomodidad como pintor convencional, Pollock transformó sus faltas en un período breve pero intenso entre 1947 y 1950, cuando realizó las ideas de goteo que conectaban su fama. Evitando el caballete para colocar sus pinturas sobre el piso, usó pintura de la casa directamente de la lata, arrojando y dejando caer finas capas de pigmento que dejaron un sólido registro de sus movimientos

Edvard Munch

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Grito, tú gritas, todos gritamos por el grito de Munch, la Mona Lisa de la ansiedad. En 2012, una variante pastel de la invocación icónica de la ansiedad moderna de Edvard Munch obtuvo un precio astronómico de 120 millones de dólares en la subasta. La carrera de Munch fue más que una simple pintura.

Claude Monet

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Quizás el artista más conocido en medio de los impresionistas, Monet conquistó las influencias variables de la luz en el panorama mediante brillantes fragmentos de color producidos como trazos pintados rápidamente. Además, sus muchos pensamientos sobre pajares y otros temas anticiparon el uso de la comparación en serie en el arte pop y el minimalismo.

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Rene Magritte

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El nombre René Magritte es ampliamente reconocido por los amantes del arte y los agnósticos, y por una buena razón: transformó por completo nuestras expectativas de lo que es real y lo que no lo es. Cuando alguien describe algo como “surrealista”, es muy probable que una imagen de Magritte aparezca en su cabeza.

Salvador Dalí

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Dalí era efectivamente Warhol antes de que hubiera un Warhol. Como Andy, Dalí cortejó a la celebridad casi como un complemento a su trabajo. Con sus relojes derretidos y sus paisajes espeluznantes, las pinturas de Dalí eran el epítome del surrealismo, y él cultivó una apariencia igualmente extravagante, con un bigote largo y encerado que se parecía a bigotes de gato. Cada vez que el consumado showman, Dalí una vez declaró: “No soy extraño. Simplemente no soy normal “.

Edward Hopper

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Las enigmáticas pinturas de Hopper contemplan el núcleo vacío de la experiencia estadounidense, la alienación y la soledad que representan la otra cara de nuestra devoción religiosa al individualismo y la búsqueda de una felicidad a menudo difícil de alcanzar.

Frida Kahlo

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La artista mexicana y el ícono feminista era una artista de performance de pintura, que utilizaba el medio para exponer sus vulnerabilidades al tiempo que construía una personalidad de sí misma como una encarnación del patrimonio cultural de México. Sus obras más famosas son los muchos autorretratos surrealistas en los que mantiene una relación real, incluso cuando se presenta a sí misma como mártir del sufrimiento personal y físico: angustias arraigadas en una vida de desgracias que incluía contraer polio cuando era niña, sufriendo una catástrofe. Lesión en la adolescencia, y soportar un tumultuoso matrimonio con el artista Diego Rivera.

Yayoi Kusama

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Kusama (nacido en 1929) es uno de los artistas más famosos que trabajan en la actualidad. Su enorme popularidad se debe a sus “Infinity Rooms” espejadas que han demostrado ser irresistibles para los usuarios de Instagram, pero su carrera se remonta a más de seis décadas. Comenzando desde niña, el artista japonés comenzó a sufrir alucinaciones que se manifestaban como destellos de luz o auras, así como campos de puntos y flores que hablaban con ella. Estas experiencias han sido la inspiración para su trabajo, incluidas las salas antes mencionadas, junto con pinturas, esculturas e instalaciones que emplean vívidos y fantásticos patrones de lunares y otros motivos.